Vincent Willem van Gogh, el preeminente artista angustiado, trató de expresar su estado psicológico y metafísico en cada una de sus obras maestras, como La noche estrellada y Los cuadros de flores de Van Gogh. Las pinturas de Vincent van Gogh, con pinceladas tangibles y pesadas producidas en una paleta vibrante y lujosa, reflejan el carácter único del artista inmortalizado en el lienzo.
Cada obra de Vincent van Gogh revela una impresión única de cómo el maestro interpretó cada escenario tal y como lo experimentó a través de sus sentidos, pensamientos y emociones. El estilo pictórico de Van Gogh era radicalmente único y emocionalmente convincente, e influyó profundamente en los pintores y las tendencias a lo largo del siglo XX y ha continuado hasta nuestros días, asegurando su relevancia en el futuro imaginado.
Tabla de Contenido
La vida de Vincent Willem van Gogh
| Ciudadanía | Holandesa |
| Fecha de nacimiento | 30 de marzo de 1853 |
| Fecha de fallecimiento | 29 de julio de 1890 |
| Lugar de nacimiento | Groot-Zundert, Países Bajos |
Las obras de Vincent van Gogh trataban de expresar la espiritualidad inherente a la humanidad, lo que dio lugar a una síntesis de enfoque y sustancia que dio lugar a composiciones dinámicas, expresivas y conmovedoras que expresan mucho más que las apariencias del tema.
En esta sección examinaremos la vida de Vincent Willem van Gogh y responderemos a preguntas como “¿Cuándo nació Vincent van Gogh?” y “¿Cuándo vivió Vincent van Gogh?” También exploraremos sus primeros años de educación, así como su periodo de madurez. Esto nos permitirá conocer las experiencias que influyeron en los cuadros de Vincent van Gogh.
Autorretrato (1887) de Vincent van Gogh. Vincent van Gogh, dominio público, vía Wikimedia Commons
Infancia y formación temprana
Vincent Willem van Gogh nació en el sur de los Países Bajos, el segundo de seis hermanos en un hogar piadoso. Theodore Van Gogh, su padre, era predicador y Anna Cornelia Carbedus, su madre, era hija de un librero. Van Gogh tuvo emociones imprevisibles en su juventud y al principio se entusiasmó poco con las obras de arte, aunque destacó en el lenguaje mientras estudiaba en muchos internados. Interrumpió sus estudios en 1868 y nunca los reanudó.
En 1869, Vincent van Gogh comenzó a trabajar como pasante en las oficinas de los marchantes de arte Goupil & Cie en París, y finalmente trabajó en la sucursal de la empresa en La Haya.
Era un marchante de arte bastante competente que duró en la empresa más de una década. En 1872 comenzó a escribir cartas a Theo, su hermano. Este contacto duró hasta el final de la vida de Vincent Van Gogh. Theo se convertiría en marchante de arte al año siguiente, mientras que Vincent se trasladaría a las oficinas londinenses de Goupil & Cie. Van Gogh se sintió desanimado por este periodo y se entregó a Dios. Tras repetidos viajes entre París y Londres, Van Gogh es despedido por Goupil y opta por ingresar en el sacerdocio.
Un retrato fotográfico de Vincent van Gogh, 1873; Vicent Willem Van Gogh vía Wikimedia Commons
Regaló todas sus posesiones a los trabajadores locales del carbón mientras residía en el sur de Bélgica como misionero sin dinero hasta que la iglesia lo despidió por estar demasiado comprometido con sus creencias. Van Gogh decidió en 1880 que podía ser un artista al servicio de Dios, declarando:
“Intentar comprender el verdadero sentido de lo que nos enseñan los grandes pintores, los maestros serios en sus creaciones, que es conectar a Dios. Alguien lo escribió o lo transmitió en un libro. Otra persona, en un cuadro.”
Van Gogh seguía siendo agricultor, pero Theo le daba dinero para ayudarle a llegar a fin de mes. Vincent Van Gogh casi no obtenía ingresos de sus pinturas, por lo que Theo apoyó económicamente a su hermano mayor durante toda su vida. Van Gogh se vio obligado a volver a casa con su familia un año después, en 1881, cuando se introdujo en el arte de la pintura. Con el apoyo de su hermano, Van Gogh viajó a La Haya, alquiló un espacio de estudio y estudió con Anton Mauve, miembro destacado del grupo de La Haya. Mauve le mostró a Van Gogh las obras de Jean François Millais, un artista francés conocido por sus representaciones de trabajadores y campesinos corrientes.
Paisaje con dunas y figuras (1882) de Vincent van Gogh. Vincent van Gogh, Dominio Público, vía Wikimedia Commons
Período de vencimiento
Van Gogh comenzó a pintar las palmas, los rostros y otros rasgos físicos desgastados de los trabajadores y los pobres en 1884, tras trasladarse a Nuenen, en los Países Bajos, con la intención de convertirse en un artista de la vida rural similar a Millet. Su vida privada era caótica, a pesar de haber descubierto una vocación profesional.
Van Gogh criticó a Theo por no trabajar lo suficiente para promocionar su obra, a lo que Theo respondió que la paleta oscura de Vincent estaba pasada de moda en comparación con la manera brillante y colorida de los pintores impresionistas que eran importantes en ese momento.
Su padre muere repentinamente de un ataque de apoplejía el 26 de marzo de 1885, lo que hace que Van Gogh tenga expectativas de lograr una carrera exitosa. Tras este periodo, completó Los comedores de patatas (1885), la primera de las creaciones a gran escala y obras maestras de van Gogh. En 1885, el joven artista dejó los Países Bajos y se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Amberes.
Loa comedores de patatas (1885) de Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, dominio público, vía Wikimedia Commons
Aquí conoció las obras del artista barroco Pedro Pablo Rubens, cuyas formas arremolinadas y pinceladas libres influyeron notablemente en el enfoque del joven artista. Sin embargo, las estrictas normas académicas de la escuela no atrajeron en absoluto al artista, que se marchó a París al año siguiente.
Se traslada con Theo a Montmartre, el barrio artístico de París, y estudia con el pintor Fernand Cormon, que le presenta a los impresionistas.
Van Gogh se inspiró en el ejemplo de pintores como Camille Pissarro, Claude Monet y Georges Seurat para utilizar una paleta más brillante, así como en la presión de Theo para producir cuadros. Van Gogh tuvo una gran obsesión por las estampas japonesas durante un periodo comprendido entre 1886 y 1888, y comenzó a investigarlas y coleccionarlas con pasión, llegando a organizar una exposición en un restaurante parisino. A finales de 1887, Van Gogh organizó una exposición con sus compañeros Henri de Toulouse-Lautrec y Emile Bernard, y a principios de 1888 expuso en el Théâtre Libre d’Antoine con los neoimpresionistas Paul Signac y Georges Seurat.
La cortesana (según Eisen) (1887) de Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, dominio público, vía Wikimedia Commons
Los últimos años y la muerte
La mayoría de los cuadros más famosos de Van Gogh fueron creados en los dos últimos años de su vida. Durante el otoño y el invierno de 1888, Paul Gauguin y Vincent van Gogh vivieron y produjeron en Arles, donde Van Gogh llegó a alquilar la “Casa Amarilla” por su color de pomelo. El traslado a la Provenza partió de la idea de crear una nueva comunidad creativa en Arles como alternativa a París, y se produjo en un momento crítico en la profesión de cada uno de los artistas.
Van Gogh y Gauguin colaboraron estrechamente en la “Casa amarilla” y establecieron una noción del color emblemática de la emoción interior y no basada en la naturaleza.
La casa amarilla (“La calle”) (1888) de Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, dominio público, vía Wikimedia Commons
A pesar de su inmensa producción, Van Gogh sufría una enfermedad mental, que probablemente incluía convulsiones, síntomas psicóticos, alucinaciones y enfermedad bipolar. Gauguin se trasladó a Tahití, en parte para alejarse del comportamiento cada vez más inestable de Van Gogh. Tras un enfrentamiento especialmente violento en el que Van Gogh atacó a Gauguin con un cuchillo y acabó cortándole parte de la oreja, el artista escapó. El 8 de mayo de 1889, Van Gogh ingresa deliberadamente en una institución psiquiátrica de Saint-Remy, aquejado de un estado mental decadente. Su estado psicológico se mantuvo estable durante las semanas siguientes y se le permitió empezar a crear.
Este fue uno de sus periodos de mayor actividad.
Van Gogh realizó cerca de 100 cuadros durante su estancia en Saint-Rémy, entre ellos La noche estrellada (1889). El poblado y sus jardines fueron sus temas principales, que representó con las poderosas pinceladas y los exuberantes colores que caracterizaron su etapa de madurez. Van Gogh se sumergió en el entorno natural en excursiones supervisadas, y acabó reproduciendo de memoria los olivos y cipreses, los lirios y otra flora que salpicaba los terrenos de la clínica.
La Noche Estrellada de Vincent van Gogh (1889). Vincent van Gogh, dominio público, vía Wikimedia Commons
Van Gogh viajó a Auvers-Sur-Oise poco después de dejar la institución, bajo el cuidado del Dr. Gachet, homeópata y pintor aficionado. El médico animó a Van Gogh a producir como parte de su tratamiento, a lo que accedió con entusiasmo.
En los últimos meses de su vida, realizó una crónica meticulosa de su entorno en Auvers, produciendo aproximadamente un cuadro al día.
Sin embargo, una vez que Theo reveló su intención de iniciar su propio negocio e indicó que el dinero sería limitado durante un tiempo, la pena de Van Gogh empeoró considerablemente. El 27 de julio de 1890 fue a un campo de trigo cercano y se hirió en el pecho con una pistola.
Legado
A lo largo de la historia del arte hay claras huellas de la enorme influencia de Van Gogh. Los fauves y los expresionistas alemanes siguieron el ejemplo de Van Gogh y adoptaron un uso personal y espiritualmente motivado del color. Los expresionistas abstractos de mediados del siglo XX utilizaron la técnica de Van Gogh con grandes pinceladas en movimiento para reflejar el estado mental y físico del artista.
Neoexpresionistas como Eric Fischl y Julian Schnabel se inspiraron en su expresiva paleta y pinceladas en la década de 1980. Su vida influyó en la música y en muchas películas de la cultura dominante. La reputación de Van Gogh creció rápidamente entre pintores, críticos, marchantes y coleccionistas tras sus primeras exposiciones a finales de la década de 1880. En 1887, André Antoine expuso las obras de Vincent Van Gogh junto a las de Paul Siniak en el Teatro Libre de París, y Julien O Tanguy adquirió seis de ellas.
Albert Aurier definió el estilo pictórico de Vincent van Gogh en Le Moderniste Illustré en 1889 como “llama, pasión, luz solar”.
Se dice que el arte de Vincent van Gogh fascinó al presidente francés Marie Francois Sadi Carnot. Tras la muerte de Van Gogh, se celebraron representaciones conmemorativas en La Haya, Bruselas, París y Amberes. Su arte se mostró en varias exposiciones de alto nivel, incluyendo seis obras en Les XX y una retrospectiva en Bruselas en 1891.
Octave Mirbaud dijo en 1892 que la muerte de Van Gogh era una “pérdida mucho más oscura para el arte” porque “las masas no se encargaron de un magnífico monumento y empobrecieron a Vincent van Gogh, cuya caída supone la desaparición de una magnífica antorcha de brillantez. desapareció hasta su muerte tan desconocida e ignorada mientras vivió.
La fama de Van Gogh alcanzó su punto álgido en Alemania y Austria antes de la Primera Guerra Mundial, gracias a la publicación de sus cartas en 1914. Sus cartas son apasionadas e inteligentes y han sido aclamadas como una de las mejores de su clase desde el siglo XIX. Con ellos comenzó una poderosa leyenda de Van Gogh como un artista apasionado y dedicado que luchó y murió por su arte.
Inspirado en las cartas de Van Gogh a Theo, el autor Irving Stone creó en 1934 Lust for Life, una historia de la vida de Van Gogh. Esta obra y su cuadro de 1956 aumentaron su fama, especialmente en Estados Unidos, donde Stone estimó que sólo unos pocos cientos de personas conocían los cuadros de Vincent van Gogh antes de su inesperado éxito de ventas.
El actor Kirk Douglas en el papel de Vincent van Gogh en Lust for Life (1956), de Vincente Minnelli, basada en la novela homónima de Irving Stone de 1934. Kirk Douglas, dominio público, vía Wikimedia Commons
El estilo artístico y las obras de Vincent van Gogh
En la escuela, Van Gogh dibujaba y coloreaba en acuarela, pero sólo hay unos pocos ejemplos, y se ha cuestionado la autoría de varios. Cuando empezó a estudiar pintura de adulto, comenzó en el nivel más básico. En 1882, Cornelis Marinus, propietario de una famosa galería de arte moderno en Ámsterdam, pidió bocetos a La Haya.
La obra de Van Gogh no cumplió las expectativas.
Marinus ofreció un segundo contrato, esta vez describiendo el tema en detalle, pero una vez más quedó insatisfecho. Van Gogh persistió; en su estudio jugó con la iluminación utilizando diversos tratamientos para las ventanas y varios medios para dibujar. Durante más de un año, se centró en figuras únicas -estudios en blanco y negro increíblemente intrincados que sólo provocaron el ridículo en su momento.
Oración antes de la comida (1882) de Vincent van Gogh. Vincent van Gogh, dominio público, vía Wikimedia Commons
Más tarde fueron reconocidas como obras maestras pioneras. Theo ofreció a su hermano dinero en agosto de 1882 para comprar suministros para trabajar en el campo. Van Gogh dijo que ahora podía “pintar con un nuevo apetito”. Comenzó a trabajar en composiciones multimodales a principios de 1883. Fotografió algunas de ellas, pero cuando su hermano notó que les faltaba dinamismo y vitalidad, las tiró a la basura y se pasó a pintar a mano. Van Gogh buscó la ayuda técnica de conocidos artistas de la Escuela de La Haya, como Blommers, y de pintores como Van der Weele.
Cuando se trasladó a Nuenen tras su estancia en Drenthe, comenzó muchas obras de gran envergadura, pero destruyó la mayoría de ellas.
Cesta de patatas (1885) de Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, dominio público, vía Wikimedia Commons
Sólo han sobrevivido los comedores de patatas y las piezas que los acompañan. Tras una visita al Rijksmuseum, Van Gogh expresó su amor por la pincelada rápida y eficaz de los maestros holandeses, en particular de Frans Hals y Rembrandt. Reconoció que muchos de sus errores se debían a la falta de experiencia y conocimientos técnicos, por lo que viajó a Amberes y finalmente a París en noviembre de 1885 para adquirir y desarrollar su talento.
Theo condenó a The Potato Eaters por su tono oscuro, que consideraba inadecuado para un proyecto actual. Durante su estancia en París, entre 1886 y 1887, Van Gogh intenta dominar una nueva paleta más brillante. Retrato del padre Tanguy (1887) demuestra su habilidad con una paleta más vibrante y muestra una forma de madurar. El tratado de Charles Blanc sobre el color despertó su curiosidad y le inspiró a explorar con los colores complementarios.
Retrato del padre Tanguy (1887) de Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Dominio público, a través de Wikimedia Commons
Van Gogh consideraba que la influencia del color iba más allá del análisis; afirmaba que “el color comunica algo en sí mismo”. El color, según Van Gogh, tiene “un significado emocional y moral”, como demuestran los flamantes verdes y rojos de El café nocturno (1888), una obra que pretendía “transmitir los impulsos trágicos de la humanidad”.
El amarillo era el que más significado tenía para él, ya que representaba la realidad emocional. Utilizó el color amarillo para representar la luz del sol, la salud y a Dios.
El Café Nocturno (1888) de Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Dominio público, a través de Wikimedia Commons
Van Gogh aspiraba a convertirse en un artista de la vida en el campo y la naturaleza, y utilizó su nueva paleta para crear panoramas y la vida tradicional del campo durante sus primeros veranos en Arles. Su creencia en la existencia de una fuerza detrás de lo natural le obligó a tratar de transmitir un sentido de esa fuerza, o el espíritu de la naturaleza, en su obra, a menudo mediante el uso de símbolos.
Los cuadros de Van Gogh sobre el sembrador, imitados por primera vez por Jean-François Millais, ilustran sus creencias teológicas: el sembrador, a semejanza de Cristo, difunde la vitalidad bajo el sol ardiente.
Se trata de temas e ideas que a menudo retoma para revisarlos y perfeccionarlos. Los cuadros de flores de Vincent van Gogh son ricos en simbolismo, pero en lugar de utilizar la imaginería cristiana convencional, creó la suya propia, en la que la vida vive a la luz del sol y el trabajo es un emblema de la vida. Después de crear flores de primavera e intentar captar el sol brillante de Arles, pudo ejecutar Le Semeur (1888).
El sembrador (1888) de Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Dominio público, a través de Wikimedia Commons
Van Gogh prefería pintar con lo que llamaba “el disfraz de la verdad” y despreciaba las obras demasiado estilizadas. Más tarde observó que la abstracción de La noche estrellada había ido demasiado lejos y el realismo se había “desvanecido demasiado”. Hughes lo describe como un momento de profundo éxtasis visual: las luces se encuentran en un gran remolino, evocando la Gran Ola de Hokusai, el movimiento en el cielo de arriba se refleja en la acción de los cipreses en el suelo de abajo, y la percepción del artista se “transforma en un espeso y poderoso rocío de color”.
Francis Bacon creó una colección de obras en 1957 sobre copias del Camino del Pintor a Tarascón. El original de Van Gogh se perdió desgraciadamente durante la Segunda Guerra Mundial. Bacon se sintió motivado por una imagen “fantasma” y trató a Van Gogh como un forastero marginado, una posición que resonaba en él. Bacon estaba de acuerdo con las ideas pictóricas de Van Gogh y se refería a los comentarios dirigidos a Theo:
“Los verdaderos artistas no representan los objetos tal y como son, los representan tal y como los perciben”.
Dibujo del pintor en el camino a Tarascón (1888) de Vincent van Gogh. Vincent van Gogh, Dominio Público, vía Wikimedia Commons
Van Gogh parecía haber creado un cuerpo de trabajo, una colección que expresaba su propia visión y podía alcanzar el éxito financiero, entre 1885 y su muerte en 1890. El concepto de estilo de Blanc, según el cual la verdadera pintura requiere un uso perfecto del color, la perspectiva y la pincelada, le influyó. Van Gogh utilizaba el término “útil” para describir las obras que creía haber perfeccionado, en lugar de estudiarlas.
Pintó una serie de estudios, la mayoría de los cuales eran bodegones, muchos de los cuales fueron realizados como experimentos de color o regalos para amigos. Semer, El café de la noche, Memoria del jardín de Etten y Noche estrellada son algunas de las obras que considera más importantes de este periodo.
Memoria del jardín de Etten (1888) de Vincent van Gogh. Vincent van Gogh, dominio público, vía Wikimedia Commons
Serie importantes
La evolución estética de Van Gogh suele estar vinculada al tiempo que pasó viviendo en distintos lugares de Europa. Tendía a mimetizarse con las costumbres autóctonas y las situaciones de iluminación, pero manteniendo un punto de vista estético muy singular. Su desarrollo como artista fue lento y era consciente de sus limitaciones como pintor.
Viajaba mucho, quizá para conocer nuevos estímulos visuales y, por tanto, para aumentar sus conocimientos técnicos.
La historiadora del arte Melissa McQuillan dice que los cambios también representan desarrollos estilísticos posteriores y que Van Gogh los utilizó para evitar la confrontación y como técnica de afrontamiento cuando el optimista artista se enfrentaba a la realidad de su situación.
Retratos
Los retratos dieron a Van Gogh la mejor oportunidad de ganar dinero. Era “la única cosa en el arte que me toca profundamente y me da un sentido de lo ilimitado”, afirmó. Le dijo a su hermana que quería crear retratos que perduraran y que utilizaría el color para retratar sus emociones y personalidades en lugar de intentar el realismo fotográfico.
Los retratos de Van Gogh suelen carecer de sus familiares. Rara vez representó a Van Rappard, Théo o Bernard.
La Berceuse (Retrato de Madame Roulin) (1888-1889) de Vincent van Gogh. Vincent van Gogh, Dominio Público, vía Wikimedia Commons
Los retratos de su madre fueron creados a partir de imágenes. En diciembre de 1888, pintó La Berceuse, un personaje que le pareció encantador con sus girasoles. Presenta una paleta sobria, varias pinceladas y formas sencillas. Parece ser una colección de retratos de la familia Roulin pintados en Arles en noviembre y diciembre del mismo año. Los retratos ejemplifican una transición estilística desde la pincelada fluida y controlada, e incluso la textura del cartero, hasta la de Madame Roulin, con sus maneras frenéticas, su superficie rugosa, sus amplias pinceladas y el uso de la espátula.
El cartero (Joseph-Étienne Roulin) (1889) de Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, dominio público, vía Wikimedia Commons
Autorretratos
Entre 1885 y 1889, van Gogh pintó más de 43 autorretratos. A menudo se completaron en grupos, como los creados en París a mediados de 1887, y duraron hasta su muerte en 1890. Por lo general, los retratos eran estudios realizados en momentos de introspección, cuando era reacio a relacionarse con la gente o cuando tenía modelos limitados… y tenía que pintar solo.
Los autorretratos revelan un altísimo nivel de autocrítica.
A menudo se crearon para conmemorar acontecimientos importantes de su vida. Por ejemplo, la serie de París de mediados de 1887 fue pintada en la época en que conoció a Paul Cézanne, Claude Monet y Signac. En el Autorretrato con sombrero de fieltro gris, se extienden por el lienzo grandes cantidades de pintura. “Con su pincelada repetitiva cuidadosamente calibrada y el aura particular derivada del arsenal de los neoimpresionistas, era lo que el propio Van Gogh llamaba una “obra escópica”. Incluyen una amplia gama de representaciones fisonómicas.
Autorretrato con sombrero de fieltro gris (1887) de Vincent van Gogh. Vincent van Gogh, dominio público, vía Wikimedia Commons
La salud mental y física de Van Gogh es generalmente visible; puede aparecer desaliñado, despeinado o con una barba desaliñada, ojos hundidos, mandíbula debilitada o ausencia de dientes. Algunos lo describen con labios grandes, cara alargada con cráneo ancho o rasgos afilados y alerta. Su pelo suele ser rojo, aunque a veces puede ser de color ceniza.
La mirada de Van Gogh rara vez se dirige al observador. La intensidad y el color de las imágenes varían, y los colores brillantes, especialmente en las producidas después de diciembre de 1888, muestran la palidez cansada de su piel.
Algunos representan al artista con barba, mientras que otros no. Se le puede ver con una gasa en las fotografías tomadas inmediatamente después de su lesión en la oreja. Sólo en un puñado de ellas se describe a sí mismo como pintor. Las creadas en Saint-Rémy representan la cabeza del lado derecho, que sería el lado directamente opuesto a su oreja herida, ya que se reflejaría en su reflejo.
Autorretrato (1889) de Vincent van Gogh. Vincent van Gogh, dominio público, vía Wikimedia Commons
Las pinturas de flores de Vincent van Gogh
Van Gogh creó varios paisajes con flores, como lilas, rosas, lirios y, por supuesto, girasoles. Algunas de sus obras ilustran sus estudios sobre el lenguaje del color. Hay dos grupos de girasoles marchitos. La primera, pintada en París en 1887, representa flores en el suelo. La segunda serie, Flores en un jarrón a la luz del amanecer, se completó un año después en Arles.
Ambas están hechas con pinturas de densas capas que, según la National Gallery de Londres, evocan el “aspecto de las cabezas de las semillas”
Van Gogh no se preocupó de infundir subjetividad y emoción a sus obras en estas series. En cambio, ambas series estaban destinadas a mostrar su dominio técnico y sus métodos de trabajo a Gauguin, que iba a visitarle.
Girasoles (1887, París) de Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, dominio público, vía Wikimedia Commons
Las obras de 1888 fueron pintadas durante el inusual periodo de optimismo del artista. En agosto de 1888, Vincent van Gogh escribió a Théo: “Estoy trabajando con el entusiasmo de un marsellés que devora la bullabesa, lo que no te sorprenderá a la hora de representar enormes girasoles. Si aplico este plan, habrá una docena de paneles. Como resultado, todo será una sinfonía azul y amarilla. Trabajo en ella todas las mañanas, empezando al amanecer. Porque las flores se marchitan rápidamente y es mejor hacerlas todas a la vez.
Naturaleza muerta: jarrón con catorce girasoles (1888, Arles) de Vincent van Gogh. Vincent van Gogh, Dominio Público, vía Wikimedia Commons
En previsión de la llegada de Gogh, se crearon girasoles para decorar las paredes, y van Gogh colocó obras individuales en el dormitorio de invitados de la Casa Amarilla de Arles. Gauguin se sorprendió y acabó comprando dos de los ejemplares parisinos. Hoy en día, las piezas más importantes de la serie se encuentran entre sus más conocidas, reconocidas por los efectos mórbidos del amarillo y su asociación con la Casa Amarilla, el expresionismo abstracto de la pincelada y su yuxtaposición sobre fondos a menudo oscuros.
Olivos y cipreses
En Arles, se enamoró de los cipreses que representó en 15 cuadros. Dio nueva vida a los árboles, que hasta entonces habían sido representados como símbolos de la muerte. Comenzó su serie de cipreses en Arles con los árboles al fondo, como cortavientos en los prados; en Saint-Rémy los puso en primer plano.
“Los cipreses siempre ocupan mi mente, me gustaría hacer algo como mis cuadros de girasoles”, escribió Vincent van Gogh a Theo en mayo de 1889, y añadió: “Tienen una forma y unas proporciones hermosas, como un obelisco egipcio”.
Campo de trigo con cipreses (1889) de Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, dominio público, vía Wikimedia Commons
Van Gogh realizó varias copias más pequeñas de Campo de trigo con cipreses a petición de su hermana Wil a mediados de 1889. Los remolinos y empastes fuertemente pintados caracterizan las piezas, incluida La noche estrellada, en la que los cipreses dominan el primer plano. Otros cuadros importantes de cipreses son El camino con ciprés y estrella (1890) y Cipreses con dos figuras (1890).
Camino con cipreses y estrella (1890) de Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Dominio Público, vía Wikimedia Commons
Durante los últimos seis meses de 1889 también creó al menos quince lienzos de olivos, un tema que le resultaba provocativo y seductor. Entre estos cuadros se encuentra Olivos con los Alpilles al fondo (1889), sobre el que Van Gogh dijo en una carta a su hermano “Por fin tengo un paisaje de olivos”.
Van Gogh pasó mucho tiempo fuera de la institución de Saint-Rémy, pintando árboles en los olivares.
La vida natural se representa de forma retorcida y articulada como una personificación del mundo natural en estas pinturas, que están llenas de “un campo continuo de fuerza cuya creación es una representación”, según Hughes.
Olivos sobre el fondo de Alpilles (1889) de Vincent van Gogh. Vincent van Gogh, dominio público, vía Wikimedia Commons
Huertos
Huertos en flor fue uno de los primeros cuadros que Van Gogh pintó tras su estancia en Arles en febrero de 1888. Los 14 cuadros son optimistas, alegres y representan gráficamente la proximidad de la primavera. Son extremadamente sensibles y sin vida. Pintó rápidamente, y aunque aportó una especie de impresionismo a esta serie, en esta época comenzó a desarrollarse un fuerte sentido de su propio estilo.
La naturaleza fugaz de los árboles en flor y el paso de la estación parecían coincidir con el sentimiento de impermanencia y la esperanza de un nuevo comienzo en Arles.
El huerto en flor (1888) de Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, vía Wikimedia Commons
Durante la floración primaveral de los árboles, descubre “un universo de temas que no puede ser más japonés”. Durante este periodo, van Gogh perfeccionó su uso de la iluminación suavizando las sombras y representando los árboles como si fueran la fuente de luz, casi de forma religiosa. Al año siguiente realizó otro conjunto más pequeño de huertos, titulado Vue d’Arles, Vergers en fleurs. A Van Gogh le fascinaba el entorno y el verdor del sur de Francia y visitaba a menudo los jardines rurales cercanos a Arles.
Su paleta se vio muy favorecida por la brillante luz del entorno mediterráneo.
Vista de Arles, huertos en flor (1889) de Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Campos de trigo
Durante sus viajes por la región cercana a Arles, van Gogh participó en varias expediciones de pintura. Pintó cultivos, campos de trigo y otros monumentos del campo de la región, como Le Vieux Moulin (1888), un hermoso edificio que bordea los campos de trigo. Van Gogh representó la escena desde su ventana en La Haya, Amberes y París en varias ocasiones. Estas pinturas culminaron en la serie El campo de trigo, que captó la vista desde las habitaciones de su hospital en Saint-Rémy.
La mayoría de las obras posteriores son oscuras, pero en última instancia vigorizantes, y muestran el intento de Van Gogh de recuperar la cordura hasta su muerte. Sin embargo, varias de sus obras posteriores muestran sus crecientes ansiedades.
El viejo molino (1888) de Vincent van Gogh. Vincent van Gogh, dominio público, vía Wikimedia Commons
Van Gogh dijo en una carta desde Auvers en julio de 1890 que estaba inmerso “en la vasta llanura contra las colinas, interminable como el mar, exquisitamente dorada”. En mayo, cuando el trigo era nuevo y verde, Van Gogh se sentía atraído por los campos. Sus Campos de Trigo en Auvers con la Casa Blanca muestran una paleta más contenida de amarillos y azules, creando una extraordinaria armonía.
Van Gogh describió a Theo, hacia el 10 de julio de 1890, “vastos campos de trigo bajo un cielo agitado”.
Campo de trigo con cuervos (1890) representa el estado de ánimo del artista en sus últimos días, descrito por Hulsker como un “cuadro lleno de desastres con nubes y cuervos ominosos”. Su color oscuro y sus gruesas pinceladas evocan una sensación de premonición.
Campo de trigo con cuervos (1890) de Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, dominio público, vía Wikimedia Commons
Obras de arte notables
Como hemos visto, Vincent van Gogh creó muchos tipos de obras de arte. Sin embargo, de su producción total, destacan algunas obras de arte. He aquí una lista de los cuadros de Vincent van Gogh más conocidos y queridos.
- Los comedores de patatas (1885)
- Iris (1889)
- La noche estrellada (1889)
- Autorretrato (1889)
- Flores de almendro (1890)
- Campo de trigo con cuervos (1890)
- Granjas cerca de Auvers (1890)
Almendro en flor (1890) de Vincent van Gogh. Vincent van Gogh, dominio público, vía Wikimedia Commons
Lecturas recomendadas
¿Le ha gustado saber más sobre los cuadros y la vida de Vincent van Gogh? Hemos intentado cubrir una cantidad importante de información sobre el artista, pero es posible que quiera saber aún más. Si es así, puede encontrar una lista de libros que podemos recomendarle y que le permitirán sumergirse aún más en la obra y la vida de Vincent van Gogh.
Las cartas de Vincent van Gogh (1998) de Vincent van Gogh
Muy pocas obras de pintores son tan claras como las de Van Gogh, y la colección que aquí se presenta, que abarca toda su carrera artística, arroja luz sobre todos los aspectos de la obra y la vida de este hombre complejo y problemático. Más que sugerir que Van Gogh era capaz de profundidades intelectuales y emocionales, las cartas desafían la imagen convencional de él como un maníaco antisocial y víctima del arte.
Se refieren de forma franca y convincente a sus luchas teológicas, su desafortunada búsqueda del amor, su turbulenta relación con su hermano Theo y sus batallas con la enfermedad mental. Por encima de todo, son una apasionada narración personal del desarrollo artístico y una representación única del proceso creativo. Los párrafos biográficos explicativos enlazan las cartas, exponiendo el viaje interior de Van Gogh así como las realidades externas de su existencia. Este volumen contiene las ilustraciones originales que acompañaban a las cartas.
Las cartas de Vincent Van Gogh (Pingüinos Clásicos)
Cartas que abarcan toda la carrera artística de Vincent Van Gogh
Luz sobre todos los aspectos de la vida y la obra del artista
Una intensa narración personal del desarrollo y la creación artística
Ver en Amazon Ver en Amazon España
Van Gogh. Las pinturas completas (2020) de Ingo F. Walther
Los cuadros de Vincent Van Gogh se encuentran sin duda entre los más admirados del mundo actual. En obras como Cuadros de flores, La noche estrellada y Autorretrato con la oreja vendada de Van Gogh, vemos a un artista excepcionalmente bueno en la representación de la textura y el tono, la luz y el lugar. Sin embargo, van Gogh no sólo tuvo que enfrentarse a la apatía de su público contemporáneo, sino también a devastadores períodos de enfermedad mental durante su vida.
Sus ataques de desesperación y ansiedad acabarían con su vida, ya que se suicidó poco después de cumplir 37 años en 1890. Este exhaustivo estudio sobre Vincent van Gogh incluye una completa galería de sus obras, así como artículos que relatan la vida y la carrera de un genio… que aún hoy domina el mundo del arte.
Van Gogh. Los cuadros completos
Un estudio en profundidad de Vincent van Gogh
Ofrecer un catálogo completo de 871 cuadros
Con escritos y ensayos que recorren la vida y la obra del artista
Ver en Amazon Ver en Amazon España
A través de los ojos de Vincent: Van Gogh y sus fuentes (2022) por Eik Kahng
El estilo único de Vincent van Gogh nació de una profunda apreciación y afinidad con el panorama artístico del siglo XIX. Esta nueva mirada a las inspiraciones de Van Gogh explora los vínculos del artista con los artistas de la Escuela de Barbizon, Georges Michel, Jean-François Millet, así como con realistas como Léon Lhermitte.
La imitación de Van Gogh de Adolphe Monticelli, su asimilación de la Escuela de La Haya a través de Jozef Israels y su gran interés por las obras de los impresionistas se exploran en nuevos estudios. Este libro, profusamente ilustrado, también recoge la devoción de Van Gogh por el colorismo de Eugène Delacroix.
A través de los ojos de Vincent: Van Gogh y sus fuentes
Una reveladora reconstrucción de las obras íntimas de Van Gogh
Una nueva mirada a la influencia y las relaciones artísticas de Van Gogh
Una inmersión fascinante en las fuentes de inspiración del artista
Ver en Amazon Ver en Amazon España
Esperamos que haya disfrutado de esta mirada en profundidad a la vida y el arte del increíble Vincent Van Gogh. Vincent Willem Van Gogh, el desafortunado artista original, trató de comunicar su estado psicológico y espiritual en todas sus obras, incluidas Las noches estrelladas y Las flores de Van Gogh. Los cuadros de Vincent van Gogh, con pinceladas gruesas y táctiles sobre una paleta brillante y lujosa, plasman en el lienzo la marcada personalidad del artista.
Cada cuadro de Vincent van Gogh transmite una idea específica de cómo el maestro veía cada escena, tal como la experimentaba a través de sus sentidos, pensamientos y emociones. El estilo pictórico de Van Gogh era fundamentalmente diferente y emocionalmente atractivo, e influyó enormemente en pintores y movimientos a lo largo del siglo XX y hasta la actualidad, asegurando su prominencia para el futuro inmediato.
Preguntas frecuentes
¿Qué edad tiene Van Gogh?
¿Cuándo nació Vincent Van Gogh? Su fecha de nacimiento fue el 30 de marzo de 1853. Murió por suicidio el 29 de julio de 1890.
¿Cuál era el estilo pictórico de Van Gogh?
Mucha gente considera que los escritos de Van Gogh son un tipo más de obra de arte, ya que muestran dibujos de obras en las que estaba trabajando o que había terminado recientemente. Estos bocetos muestran la evolución de Van Gogh y la progresión de su obra maestra.
A lo largo de su carrera, Van Gogh pintó en tonos oscuros y sombríos que coincidían con sus temas de la época, principalmente mineros y trabajadores agrícolas. Sin embargo, cuando llegó a París en 1886, su estilo cambió radicalmente, inspirándose en las obras de los impresionistas y neoimpresionistas.
_-_The_Old_Mill_(1888).jpg){kind=link}