IMPRESIONISMO: LO QUE NECESITA SABER SOBRE EL MOVIMIENTO IMPRESIONISTA

La época impresionista fue una de las más importantes del siglo XIX. El impresionismo revolucionó el estilo, la técnica y la intención de la pintura. Impresionistas como Claude Monet, Marie Cassatt y Edgar Degas abandonaron los manuales de pintura tradicionales en un intento de capturar el estado en bruto del mundo que les rodea. La pincelada impresionista es suelta, carece de colores de transición y tiene una sensación fugaz. En este artículo, profundizaremos en los estilos, artistas y conceptos que fueron parte integral del movimiento impresionista.

La idea básica del impresionismo

Antes de profundizar en el desarrollo histórico del estilo impresionista y algunos de sus artistas más famosos, debemos considerar algunas de las características definitorias de la pintura en la era impresionista. ¿Qué es el impresionismo y en qué se diferencia su estilo de sus predecesores?

El estilo de pintura impresionista está en oposición directa a las pinceladas tradicionales y las técnicas de composición de las épocas romántica y realista. Para definir el impresionismo, debemos considerar muchas técnicas fundamentales, como la pincelada y el color, la perspectiva y la composición, y la influencia de los avances científicos y tecnológicos.

Aflojando la pincelada

Una de las características más distintivas del estilo de pintura impresionista es la pincelada. Los impresionistas usaban pinceladas más sueltas y audaces que las pinceladas fluidas y casi invisibles de las pinturas románticas y realistas. Los impresionistas usaban pinceladas más pequeñas y juntaban trazos de colores muy diferentes.

En el lienzo los colores se mezclan lo menos posible, utilizando el concepto de contraste simultáneo para que los colores sean más vibrantes. Pintar sobre lienzo blanco fue otra forma en que los artistas impresionistas enfatizaron la vitalidad del color.

Los impresionistas también utilizaron colores más claros que antes, empleando blancos y tonos claros para captar el movimiento de la luz natural. Los tonos grises y oscuros de muchas pinturas impresionistas eran esquemas de colores complementarios, y los artistas que practicaban el verdadero impresionismo evitaban el uso de pintura negra. Esta técnica acentúa aún más los trazos. Muchos críticos de la era impresionista creían que estas pinceladas y el uso del color le daban a las pinturas impresionistas un aspecto inacabado y de aficionado.

Composición y Perspectiva

En el impresionismo, la definición no era el elemento más importante de la pintura. Las pinceladas más sueltas y pronunciadas rechazan las formas claras que ayudan a distinguir la parte principal de los elementos menores de la pintura realista y romántica. Los impresionistas también abandonaron la perspectiva estereoscópica y las representaciones perfectamente simétricas de épocas anteriores.

Para los impresionistas, el papel del artista era traducir el mundo que aparecía directamente en el lienzo. Esta perspectiva encuentra belleza en las imperfecciones y cambios momentáneos del mundo que nos rodea.

Un nuevo ejercicio de pintura también se convirtió en una práctica común entre los impresionistas que estaban ansiosos por capturar el mundo más íntimamente. Pintura al aire libre, se hizo popular durante la era impresionista. Artistas como Monet descubrieron que pintar en un entorno sintético les permitía capturar un momento imperfecto con mayor precisión.

El impacto del desarrollo científico.

El desarrollo de la cámara tuvo una gran influencia en las vistas impresionistas. La cámara puede capturar el momento en el cuadro. Muchos artistas impresionistas intentaron imitar este efecto y trataron de capturar los efectos ópticos de la luz. Los impresionistas también intentaron capturar pequeños cambios en otras características ambientales del mundo, como cambios en el clima. Esta intención, combinada con el uso de colores claros y pinceladas fuertes, permitió a los impresionistas captar la naturaleza efímera de la existencia.

Los impresionistas también aprovecharon otros avances tecnológicos, como los tubos de pintura premezclados, que facilitaban pintar en el aire. Los pigmentos sintéticos también se hicieron más populares y ampliamente disponibles durante la era impresionista. Las técnicas pictóricas impresionistas hicieron un amplio uso de estos nuevos pigmentos, como el azul piedra azul, el azul ultramar, el azul cielo, el azul cobalto y el amarillo de cadmio.

El ritmo acelerado del desarrollo tecnológico también afectó el tema de muchas pinturas impresionistas. Si bien los paisajes impresionistas fueron uno de los temas más famosos, los impresionistas también disfrutaron capturando escenas íntimas de salones de baile y cafés, teatros de ópera y carreras de caballos.

Las pinturas del movimiento impresionista capturaron la creciente industrialización de París a mediados del siglo XIX, mientras que las composiciones urbanas impresionistas capturaron la sensación de alienación en una metrópolis en crecimiento.

Identificar desarrollos clave en el movimiento impresionista: ¿Qué es el impresionismo?

El movimiento impresionista comenzó a principios de la segunda mitad del siglo XIX y continuó en diversas formas hasta alrededor de 1910. Durante este período, el impresionismo experimentó varias evoluciones, con diferentes períodos asociados a técnicas, temas y estilos muy diferentes. .En esta parte del artículo, exploraremos el movimiento impresionista que se desarrolló a fines del siglo XIX.

Un movimiento revolucionario: impresionismo y arte oficial

En el corazón del movimiento impresionista había un movimiento artístico revolucionario. Los artistas impresionistas rechazaron muchas de las tradiciones y técnicas de otras formas de pintura, especialmente del romanticismo. Los impresionistas no fueron los únicos que cuestionaron estas convenciones de la belleza artística y la relación entre el artista y el estado. El realismo y el naturalismo rechazaron muchas de las tradiciones románticas y el impresionismo tuvo muchas raíces en estos estilos.

Arraigado en el realismo

El primer movimiento artístico que desafió al establecimiento parisino a mediados del siglo XIX fue el Realismo. Gustave Courbet, pionero del realismo, creía que el arte de las instituciones formales era ciego a la realidad. En ese momento, un régimen autoritario estaba firmemente en control de los franceses, obligando a gran parte del público a la pobreza extrema. A pesar de la pobreza generalizada, el arte de la época se centró en la mitología y las historias clásicas, las representaciones extravagantes del mundo natural y las figuras desnudas idealizadas.

En 1855, Courbet financió y organizó una exposición de sus obras. Su trabajo no solo desafió la tradición oficial, sino que Courbet tuvo una exposición justo enfrente de la Exposición Universal de París. El impresionismo se inspiró en la negativa del realismo a tratar la perfección y el tema lejos de la realidad de la vida. Los temas impresionistas están lejos de los gloriosos y preciosos héroes históricos de las pinturas oficiales.

Inspiración natural

El movimiento del naturalismo surgió casi al mismo tiempo y estuvo estrechamente relacionado con el realismo. Aunque los dos comparten muchas similitudes y a menudo se confunden, también hay claras diferencias. El realismo intenta presentar el mundo tal como es, sin cosas innecesarias ni imaginación, mientras que el naturalismo toma como tema el mundo natural. El naturalismo rechaza el heroísmo mitológico y el marco histórico del arte tradicional.

Aunque la pintura al aire libre a menudo se asocia principalmente con el impresionismo, fue una característica central del movimiento naturalista. Ya en la década de 1820, artistas naturalistas como Jean-François Millet y Jean-Baptiste Camille Corot creaban bocetos de paisajes, árboles y paisajes en el bosque de Barbizon. La Escuela de Barbizon surgió en esta época, marcando la creciente fascinación internacional por representar el mundo natural en todo su esplendor inalterado.

El deseo de capturar el mundo natural en forma precisa fue un elemento esencial del movimiento impresionista. Sin embargo, a diferencia del naturalismo, los impresionistas no intentaron capturar el mundo con detalles surrealistas. En contraste, los impresionistas querían capturar “impresiones” del mundo natural. Esta impresión incluye la subjetividad del artista.

Primera exposición impresionista en París

La naturaleza revolucionaria del movimiento de arte impresionista comenzó a cobrar impulso en 1863. El salón de arte anual oficial es el pináculo del arte francés. A varios artistas impresionistas como Paul Cézanne, Édouard Manet y Camille Pissarro se les prohibió exhibir su trabajo en el salón. Después de ser prohibidos, estos artistas crearon “salones de rechazo” donde podían exhibir su trabajo. El emperador Napoleón III aprobó el Salón para apaciguar al artista, pero la exposición provocó una gran controversia pública.

Uno de los cuadros más controvertidos de la exposición es Le Déjeuner sur l’Herbe, pintado por Manet en el mismo año. La pintura representa a hombres vestidos y mujeres desnudas disfrutando de un picnic. Quizás si fueran figuras femeninas desnudas tradicionalmente idealizadas, la pintura no habría sido tan controvertida. Estas son mujeres modernas, sin embargo, cuya desnudez sugiere una sexualidad mucho más allá de lo que permite la convención.

Cafés franceses: impresionismo y diversidad

En contraste con las convenciones formales, el movimiento de arte impresionista fue muy diverso en temas y artistas. Los cafés franceses jugaron un papel crucial en el desarrollo de esta diversidad impresionista, ya que eran lugares populares para los pintores impresionistas. Artistas como Claude Monet, Alfred Sisley, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro y Paul Cézanne frecuentaban el Café Guerbois de Montmartre. Estos artistas conocerán a otros creadores afines, incluidos fotógrafos, críticos y escritores.

Dentro de este grupo, hay una amplia variedad de personalidades, puntos de vista políticos y antecedentes económicos. Berthe Morisot, Degas y Gustave Caillebotte procedían de familias burguesas, mientras que Renoir, Monet y Pissarro procedían de familias de comerciantes. Alfred Sisley es anglo-francés, mientras que Mary Cassatt es mujer y estadounidense.

Muchos creen que la diversidad de este grupo de creativos ha llevado a la tremenda creatividad generada por sus esfuerzos colectivos. Incluso dentro del movimiento impresionista hubo una amplia variedad de prácticas estilísticas y técnicas.

Asociación Anónima de Artistas, Pintores, Escultores, Escultores y Otros

Antes de 1874, el término “impresionismo” no identificaba esta serie creativa. Los colectivos de arte no tienen un estilo unificado, pero todos detestan las convenciones demasiado académicas y rígidas de la tradición artística de las bellas artes. En la década de 1860, el colectivo decidió formar una cooperativa empresarial para crear independencia creativa y seguridad financiera. Muchos de estos artistas tuvieron un éxito financiero limitado y su trabajo no fue aceptado en el Salón de París.

El colectivo realizó su primera serie de exposiciones en el estudio del fotógrafo Feliz Nadal, pero no comenzó a llamarse impresionistas hasta su tercera exposición en 1877. La mayoría de estos espectáculos en realidad le costaron al artista $100,000 y no atrajeron mucha atención de la audiencia de la primera transmisión. Aunque sus exposiciones posteriores atrajeron a un público más amplio, muchos artistas todavía no vendieron muchas obras y algunos siguieron siendo pobres.

Movimiento impresionista

En un comentario malicioso sobre la Exposición Colectiva Creativa de 1874, Louis Leroy acusó al grupo de pinturas de ser meras “impresiones” de las cosas. Leroy tomó la palabra impresionismo de la pintura de Monet de 1873 Impression, Sunrise. A pesar de la animosidad que recibieron por el apodo, los impresionistas comenzaron a adoptarlo. En las décadas siguientes, los impresionistas también se autodenominaron “Independientes”, un nombre derivado de los puntos de vista revolucionarios de la Sociedad de Artistas Independientes.

Varios impresionistas fundaron la sociedad en 1884 mientras buscaban distanciarse de las convenciones del mundo del arte académico. Los artistas que ejercieron bajo el nombre de Impresionismo tenían estilos y técnicas muy diferentes. Sin embargo, comparten un interés común en la representación de la percepción visual, enfatizando los momentos fugaces del mundo moderno a partir de impresiones visuales fugaces.

Fotografía e Impresionismo

El desarrollo de la fotografía fue una fuerza impulsora importante detrás de muchas de las filosofías impresionistas. A través de la lente, los fotógrafos pueden capturar un momento único y fugaz, creando una impresión instantánea de la realidad en una superficie bidimensional. La fotografía influyó en el impresionismo de dos maneras diferentes.

Primero, la capacidad de capturar cada momento cambia la comprensión de las personas sobre lo que significa el entretenimiento visual. La pintura tradicional francesa se centra en temas mitológicos de valor histórico y retratos glorificados de gobernantes y héroes. La fotografía facilita la preservación visual de una variedad de escenas, paisajes y personas nuevas y pasadas por alto.

Muchos impresionistas encontraron inspiración en esta nueva habilidad para representar partes olvidadas de la realidad. Los artistas pintan escenas de concurridas calles secundarias, plazas y cafés que reflejan el dinamismo de un mundo urbano en constante cambio, y un nuevo sentido de que vale la pena documentar incluso los aspectos más mundanos de este mundo.

La segunda razón por la que el impresionismo le debe a la fotografía se debe al concepto de composición espontánea. Además, la fotografía puede capturar un lugar en el tiempo y el espacio al mismo tiempo. Los impresionistas intentaron capturar el mismo significado en sus pinturas.

Un buen ejemplo es la Place de la Concorde, una pintura de Degas que representa una plaza pública en París. La pintura representa no solo el lugar, sino también a todas las personas y animales que se mudaron allí en el momento en que Degas lo vio. Disposición desordenada de los cuerpos, esta capacidad precisa de capturar momentos en el espacio solo puede provenir de una comprensión y apreciación de la fotografía.

Tendencias, conceptos y estilos impresionistas

Desde la pintura exterior hasta la fascinación por el cuerpo y el movimiento, los estilos, conceptos y tendencias impresionistas son amplios y variados. Las tendencias clave en el tema incluyen la vida íntima de las mujeres, los paisajes urbanos ocupados y el estudio de los cuerpos en el espacio.

Pintura al aire libre

A diferencia de los artistas naturalistas que pintaban dentro de una escena, los impresionistas capturaron bellas impresiones al pasar largos períodos de tiempo al aire libre en condiciones climáticas variables. La pintura al aire libre fue fundamental para el desarrollo de los dos temas principales del impresionismo.

Al pintar al aire libre, los artistas pueden observar y capturar el mundo en diferentes estados, marcando el paso del tiempo. La pintura al aire libre también permitió a los artistas impresionistas mejorar su capacidad para capturar los efectos de la luz natural. Por ejemplo, la serie de pajares de Monet, pintada entre 1890 y 1891, representa el mismo pajar en diferentes condiciones climáticas y de luz.

Muchos impresionistas pintaron al aire libre, incluidos Alfred Sisley, Camille Pissarro, Berthe Morisot y John Singer Sargent. Monet dominó tan bien la representación de la luz natural que se convirtió en uno de los impresionistas más famosos.

Monet pintaba al aire libre en todo momento del día, documentando cuidadosamente los estados de ánimo cambiantes. En su jardín en Giverny, Monet pasó horas creando impresiones de paisajes naturales. Usando colores inigualables y pinceladas muy suaves, Monet logró crear una sutil sensación de vibración, como si la naturaleza viviera y respirara en un lienzo bidimensional. Monet también usó una técnica de pintura “húmedo sobre húmedo”, que resultó en contornos borrosos y bordes más suaves, lo que sugiere un mundo tridimensional.

Sensación de ciudad

El impresionismo estuvo estrechamente asociado con la sociedad parisina y muchos artistas documentaron la creciente naturaleza metropolitana de la ciudad. La renovación de París por el barón Georges-Eugene Haussmann en la década de 1860 modernizó enormemente la ciudad. Una de las reformas más importantes fue la ampliación de las aceras, que pronto se convirtieron en el centro de la actividad social.

A medida que se reconstruía la ciudad, surgió el concepto de personas sin hogar, es decir, ociosos que deambulan por los espacios públicos de la ciudad. Las pinturas impresionistas documentan este paisaje urbano en constante cambio, utilizando al vagabundo como metáfora del individuo moderno en una metrópolis en evolución.

Gustave Caillebotte representa estos temas de la modernidad urbana en sus panoramas urbanos. Caillebotte también se centra en la psicología de los individuos en el paisaje urbano. El estilo de Caillebotte era más realista que el de la mayoría de los primeros impresionistas, pero los cambios atmosféricos y las emociones aún impregnaban su obra. La pintura de París “Rainy Day”, terminada en 1877, muestra un carruaje con su icónico sombrero y abrigo negro caminando por el bulevar.

Pintores impresionistas como Monet y Pissarro también transformaron paisajes urbanos urbanizados en sus propios estilos únicos, centrándose en la calidad de la luz y el movimiento. Las obras enfatizan la disposición geométrica de los espacios públicos dentro de la ciudad, delineando cuidadosamente calles, árboles y edificios.

En 1897, por ejemplo, Pissarro completó Le boulevard Montmartre, l’après-midi, que aportó un toque de color característico de los impresionistas al paisaje urbano. Pintores impresionistas como Monet y Pissarro anunciaron el ritmo acelerado de la vida urbana moderna con pinceladas ásperas y cambios de color únicos.

El cuerpo humano y los artistas impresionistas

Mientras que muchos artistas impresionistas disfrutaban pintando paisajes al aire libre, otros, como Degas, Cassatt y Renoir, no creían que pintar debería ser una hazaña espontánea. Degas fue un hábil retratista y dibujante cuyos temas favoritos eran las escenas interiores de la vida contemporánea. Las pinturas más famosas de Degas representan a personas de todos los ámbitos de la vida, desde bailarinas preparándose para actuar hasta músicos en fosos de orquesta.

Si consideramos el estilo de pintura de Degas, podemos ver cuánta variación estilística existía bajo el paraguas del impresionismo. Degas tendía a usar pinceladas más gruesas y deliberadas y delineaba sus formas con más claridad que artistas como Pissarro y Monet.

Pintores impresionistas como Cassatt, Renoir y Morisot también tuvieron un impacto psicológico en su fascinación por las figuras pintadas. Renoir representó las actividades diarias de los distintos miembros de su barrio en sus característicos colores saturados y vivos. Renoir disfrutó documentando las actividades sociales de la sociedad parisina.

Aunque Renoir era conocido por sus pinturas al aire libre, no estaba interesado en capturar los cambios atmosféricos en una escena. En cambio, Renoir usó pinceladas ligeras y sueltas para enfatizar la forma humana y transmitir la calidad emocional de sus modelos.

Impresionismo y mujeres.

Hasta ahora, nos hemos centrado principalmente en los artistas impresionistas masculinos y sus logros. Durante el siglo XIX, las artistas femeninas encontraron muchos obstáculos para ingresar a este espacio y crear su obra. Al pintar figuras, los artistas impresionistas masculinos tendían a pintar en lugares públicos como cafés urbanos. Por el contrario, las mujeres impresionistas como Berthe Morisot se centraron en la vida privada de las mujeres a finales del siglo XIX.

Como la primera mujer en exponer con los impresionistas, Morisot destacó las esferas personales y domésticas de la sociedad femenina en su rica obra. El vínculo maternal entre el niño y la madre es un tema favorito de Morisot, y la pintura de Le Bertheau de 1872 es un buen ejemplo.

Berthe Morisot, Eva Gonzales, Mary Cassatt y Marie Bracquemond son las cuatro mujeres impresionistas más destacadas. En 1879, Cassatt comenzó a exhibir con los impresionistas sus representaciones de la vida pública y privada de las mujeres.

Cassatt representó figuras femeninas en paisajes urbanos urbanizados en su pintura de 1879 En la Ópera. En esta pintura y muchas otras, Cassatt incorporó varias técnicas innovadoras que presagiaron su desarrollo posterior en el arte moderno. Estas innovaciones incluyen el uso de colores casi llamativos y espacios tridimensionales aplanados.

La vida después del impresionismo: el movimiento posimpresionista

Como hemos visto, el movimiento impresionista tuvo una gran diversidad, pero a pesar de la variedad de escenarios y estilos, el grupo se reunía y colaboraba con frecuencia. El grupo realizó ocho exposiciones de su trabajo en conjunto entre 1874 y 1886, pero comenzó a separarse durante este período. En ese momento, muchos impresionistas sintieron que habían dominado el estilo del Primer Impresionismo y debían buscar otros estilos y técnicas. Otros miembros del grupo impresionista se sintieron frustrados por su continua falta de éxito financiero.

El pináculo del impresionismo

Durante la mayor parte de su tiempo como movimiento, el impresionismo no fue ampliamente aceptado ni celebrado. Su reputación como una forma de arte revolucionaria y su continua preferencia por las convenciones tradicionales puso a muchos artistas impresionistas en problemas financieros. El impresionismo fue finalmente adoptado después de Paul Durand-Ruel.

Duran-Ruel, un comerciante de arte con sede en Londres que conoció a Monet en 1871, compró y exhibió muchas obras impresionistas en Londres a lo largo de los años. Aunque las ventas fueron lentas al principio, a fines de la década de 1880, Duran-Ruhr comenzó a exhibir pinturas impresionistas en los Estados Unidos, donde su éxito aumentó significativamente.

Gracias a Duran-Ruel, los compradores estadounidenses compraron más pinturas impresionistas que cualquier artista francés. El valor de las obras impresionistas se disparó y Monet finalmente se hizo millonario. Con su popularidad, el impresionismo se convirtió en una doctrina académica y muchos pintores estadounidenses vinieron a Giverny para aprender de Monet, el pintor impresionista más famoso. A pesar de este éxito, los impresionistas continuaron explorando otras vías artísticas, lo que condujo al posimpresionismo.

Impresionismo Internacional

Cuando el impresionismo finalmente comenzó a ganar éxito financiero y reconocimiento mundial, y el impresionismo francés comenzó a explorar otros estilos, muchos artistas internacionales comenzaron a explorar las técnicas impresionistas.

Especialmente en los Estados Unidos, el movimiento impresionista comenzó a ganar impulso. El movimiento impresionista estadounidense, iniciado por artistas como Maurice Prendergast, Childe Hassam y William Merritt Chase, comenzó a ganar terreno. Child Hasham era conocido por sus vívidos paisajes y escenas junto al mar, y William Merritt Chase tocó los escenarios y paisajes de las metrópolis urbanas de la sociedad estadounidense de finales del siglo XIX con un enfoque impresionista.

Maurice Prendergast creó un estilo único de posimpresionismo norteamericano. Miembros de la Escuela Australiana de Impresionismo, como Arthur Streeton y Tom Roberts, utilizaron paletas de colores empolvados y técnicas impresionistas para evocar el paisaje australiano.

El movimiento impresionista británico fue uno de los movimientos impresionistas internacionales más importantes de finales del siglo XIX. El expatriado estadounidense afincado en Londres James Abbott McNeill Whistler fue pionero en un estilo de pintura suelto y fluido. La serie Nocturne de Abbott McNeil Whistler evoca el glamour y la oscuridad de una noche en el Támesis.

Otro impresionista británico, Philip Wilson Steele, fue pionero en los paisajes marinos impresionistas, pintando en el suroeste de Inglaterra y Cornualles. Scott William McTaggart aprovechó los paisajes costeros más desolados de su país para crear paisajes marinos impresionistas más tormentosos. Otros movimientos impresionistas influyentes surgieron en toda Europa, especialmente en Alemania, Bélgica, los Países Bajos y Dinamarca.

Post impresionismo

Cuando el impresionismo francés comenzó a desvanecerse, los miembros más jóvenes del grupo se dividieron en diferentes direcciones. Muchos grupos y escuelas emergentes fueron creados e ignorados. Para desarrollar el movimiento posimpresionista, tuvo que haber una escisión necesaria en el pensamiento impresionista. Mientras que algunos artistas y escuelas utilizaron técnicas impresionistas para transmitir la vida emocional interna del artista, otros buscaron mejorar la técnica del ojo que apoyaba el estilo impresionista.

Subjetividad postimpresionista

Grupos como los Nabis, Synthetists y Cloisonne, así como artistas individuales como Vincent van Gogh y Paul Gauguin pertenecen al primer grupo. A fines de la década de 1880, los pintores de cloisonné parecían usar grandes áreas de color claro y delinearlas con líneas gruesas y oscuras. El grupo toma su nombre de un solo panel de “cloisonné” o vitral medieval que imita su estilo.

Los pintores influyentes de la abadía incluyeron a Louisian Quetin y Emile Bernard. Los dos artistas pasaron tiempo con van Gogh y miembros de la escuela Pont-Aven en Bretaña, incluidos Paul Gauguin y Paul Serusier. Estos cuatro artistas también están asociados con estilos sintéticos. Los orígenes y técnicas del Sintetismo son casi idénticos a los del Cloisonne. Sin embargo, el material sintético carece de la silueta atrevida del estilo cloisonné.

La visión tras el sermón de Gauguin, pintada en 1888, es una de las obras más emblemáticas de la composición-estilo clauzoniano. El Talisman, completado en el mismo año por Sérusier, es otro gran ejemplo de este estilo y se convirtió en un hilo conductor para el Grupo Nabi.

El equipo de Nabi combinó los bloques de colores brillantes y emocionales del estilo cloisonné con simbolismo psicológico y religioso. El movimiento posimpresionista comenzó a cruzarse con otros movimientos artísticos de finales del siglo XIX y principios del XX, incluidos el expresionismo y el simbolismo.

Técnica postimpresionista

Tenemos una respuesta más científica al impresionismo que a las obras más emocionalmente orientadas de los Cloisonne Synthesists. El puntillismo fue el movimiento científico postimpresionista más importante, que incluyó a artistas como Paul Signac y Georges Seurat. Estos artistas utilizaron el desarrollo de la ciencia óptica a finales del siglo XIX como base para el desarrollo de sus estilos.

El ojo percibe el color como diferentes longitudes de onda de luz, y esta luz luego se combina en el ojo para reconstruir la imagen, un hallazgo que fue especialmente importante para este grupo de pintores posimpresionistas. El puntillismo creía que si el artista yuxtaponía pequeños puntos de colores primarios de la manera correcta, el ojo vería el tono deseado desde la distancia. Estos artistas también creían que el uso de este color produciría tonos más claros que los métodos tradicionales.

El Domingo en la Grande Jatte de Seurat, pin tado entre 1884 y 1886, es quizás el ejemplo más famoso de puntillismo. Muchos historiadores del arte creen que el trabajo de Van Gogh, con sus pinceladas repetitivas e hipnóticas, combinó la calidad fuerte y estilizada del puntillismo con el fuerte atractivo emocional de la claustrofobia compositiva.

Pintores impresionistas famosos y sus obras.

Hacemos un breve perfil de algunos de los artistas más destacados del impresionismo francés. El impresionismo varió en estilo y tema, desde Manet hasta Marie Cassatt. Una mirada más cercana a algunos de los pintores impresionistas más importantes nos da una idea real de la diversidad del movimiento.

Édouard Manet (1832-1883)

Muchos historiadores del arte consideran a Manet como uno de los primeros impresionistas en aparecer en la escena artística parisina y uno de los más destacados. Manet nació con una considerable riqueza y prestigio político, pero rechazó el futuro que su familia había planeado para él y comenzó a pintar.

Mientras crecía, Manet admiraba a muchos de los Viejos Maestros, pero a principios de la década de 1860 comenzó a usar un estilo de pintura más suelto e innovador y una paleta más brillante. Sus primeros trabajos de este período, particularmente Le Déjeuner sur l’Herbe, fueron cruciales para el desarrollo del estilo impresionista francés. Hoy en día, muchos consideran que estas pinturas son el momento decisivo del arte moderno.

Manet prefirió representar la vida cotidiana a través de sus pinturas, capturando escenas de las calles, boudoirs y cafés parisinos. Este tema típicamente moderno y su estilo orgullosamente antiacadémico comenzó a llamar la atención de otros artistas marginales. Fue el coraje y la perseverancia de Manet en la creación de arte lo que rompió las reglas e impulsó al impresionismo hacia adelante.

Almuerzo en el césped (1863)

No podemos considerar las otras pinturas de Manet como las más influyentes y profundas. Fue esta pintura la que encendió el fuego del impresionismo y cambió el curso de la historia del arte. La pintura muestra a dos hombres bien vestidos haciendo un picnic con dos mujeres completamente desnudas, mientras otra mujer ligera de ropa se baña detrás de ellos. Manet sacó las figuras femeninas desnudas de contextos que las legitimaban, como el orientalismo y la mitología. Las mujeres desnudas también miran con confianza fuera del lienzo, desafiando directamente los estereotipos del espectador.

Los desnudos sugerentes y las figuras femeninas imperfectas representadas en la pintura la convirtieron en una de las obras más controvertidas del siglo XIX y permitieron a otros artistas traspasar los límites de lo que era un tema aceptable. Como puede verse en este cuadro, el estilo de Manet era diferente al de muchos otros impresionistas como Monet. Aunque expuso a menudo con otros impresionistas, Manet prefirió el uso de contrastes de color exagerados y contornos más nítidos. Es sin duda una de las pinturas impresionistas más famosas.

Claude Monet (1840-1926)

Monet, uno de los impresionistas más famosos de la actualidad, se dedicó a capturar la campiña francesa en constante cambio. Mientras que se considera que Manet es el iniciador del movimiento impresionista, se considera que Monet es su fundador. Monet fue el pintor impresionista más destacado que practicó la filosofía de expresar directamente su percepción visual del mundo.

Monet usó a menudo sus lienzos y caballetes para volver a paisajes específicos, representando escenas en diferentes condiciones de iluminación o atmosféricas. Con sus características pinceladas cortas, casi frenéticas, Monet fue capaz de trasladar la impresión visual al lienzo, haciéndolo casi cobrar vida.

Monet pasó la mayor parte de sus últimos años en su casa de Giverny, donde pasaba sus días pintando sus hermosos jardines en todas las luces y condiciones. Quizás una de sus series más famosas es la serie Water Lily, en la que pintó repetidamente nenúfares en un estanque. Si bien el impresionismo era ampliamente conocido y celebrado en todo el mundo, Monet se convirtió en uno de los impresionistas más famosos y muchos impresionistas estadounidenses acudieron en masa a Giverny para aprender del maestro.

Imprimir, Amanecer (1872)

Una importante obra temprana de Manet, la pintura a menudo se cita como la obra que generó el movimiento impresionista. Aunque fue pintado mucho antes de que Monet colaborara con otros artistas impresionistas en este estilo, da la impresión de que representa el epítome del estilo impresionista. La continuidad de la paleta es la característica más llamativa de esta pintura. Monet logró distinguir y fusionar simultáneamente la tierra, el cielo y el mar, todo ello bañado en tonos apagados de naranja, azul y verde.

El pueblo en la pintura no es el tema, como el hombre sin nombre en el bote que va a pescar. En cambio, el tema de esta hermosa y cálida pintura es la impresión sensual de Monet del momento. Esta pintura de efectos de luz caracterizada por el período representa un nuevo estilo de pintura.

Esta pintura es una de las muchas pinturas temáticas de Monet en 1872. Este enfoque es típico del proceso artístico de Monet. Al capturar la misma escena en diferentes condiciones atmosféricas y de luz, Monet pudo capturar el movimiento del tiempo y cómo cambiaba la calidad de la luz.

María Cassatt (1844-1926)

Nacida originalmente en Pensilvania, Mary Cassatt pasó la mayor parte de su tiempo en Francia, donde conoció y se hizo amiga de otros artistas impresionistas, incluido Degas. Mary Cassatt proviene de una familia culturalmente tradicional, pero está ansiosa por romper con el camino trazado para ella. Para disgusto de la familia, Cassatt estudió en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania. Como mujer, Cassatt la superó en número a lo largo de sus estudios, pero eso solo alimentó su deseo de triunfar.

Hoy, Cassatt es considerada una de las tres mujeres impresionistas más destacadas y, como feminista de toda la vida, su trabajo tiende a centrarse en la vida privada y pública de las mujeres. En particular, Cassatt a menudo representa el vínculo entre madre e hijo de una manera muy íntima. Como muchos impresionistas, Cassatt exhibió sus pinturas por primera vez en varios salones formales. Sin embargo, pronto se desilusionó con el esnobismo y el sexismo de las principales instituciones artísticas francesas.

En la cabaña (1877-1878)

Es una de las pinturas impresionistas más famosas y personifica el trabajo de Mary Cassatt. El sujeto femenino de la pintura se encuentra en el Palais Garnier, el centro social de élite de la ciudad en la Ópera de París. La ópera, como centro social, no es solo un lugar de entretenimiento cultural. Ópera es también lugar donde se puede ver a los demás y ser visto. El sujeto femenino se inclina hacia adelante y mira la escena de abajo a través de sus binoculares. Al otro lado de la ópera, un hombre refleja la pose.

La composición de la pintura es un ingenioso comentario sobre el acto de contemplar. Esto no solo es fundamental para la filosofía del impresionismo, sino que la pintura también puede ser un comentario sobre el destino de una artista que no puede escapar de la mirada masculina, mientras se esfuerza por ser la observadora.

El impresionismo francés, aunque de corta duración, dejó una huella duradera en el mundo de la expresión artística. Los avances en tecnología y estilo han abierto la puerta al arte que rompe las convenciones y traspasa los límites. Hay algo tan original y real en las pinturas impresionistas que volvemos a ellas una y otra vez.