POSTIMPRESIONISMO – LA HISTORIA DEL ARTE POSTIMPRESIONISTA Y SUS ARTISTAS

Como todos sabemos, Francia es el lugar de encuentro de la cultura y el arte. Nacido aquí, entre muchos otros movimientos artísticos famosos, el postimpresionismo también comenzó aquí. Surgió como una respuesta a lo que los seguidores del movimiento vieron como las limitaciones del impresionismo. Aunque este movimiento artístico heredó muchas de las características del impresionismo, también se apartó del impresionismo de manera significativa. Hoy en día, las obras de arte post impresionistas adornan museos de todo el mundo, y algunas de las pinturas más reconocibles del mundo pertenecen a este período de la historia del arte.

¿Qué es el postimpresionismo?

Quizás nadie represente mejor la búsqueda de este movimiento para agregar más humanidad al arte que Vincent van Gogh, quien describe algo de lo que implica su proceso. Extremadamente creativo: “Sueño para pintar, luego pinto sueños” Este artículo busca descubrir hasta qué punto los postimpresionistas fueron libres de agregar su imaginación única a sus pinturas, un acto revolucionario en el arte tradicional destinado a proporciona un fiel reflejo de el mundo visualmente percibido.

Mientras tanto, si desea una versión abreviada de la definición de posimpresionismo, fue un movimiento artístico que tuvo lugar a fines del siglo XIX y se extendió en Francia hasta principios del siglo XX.

Como su nombre indica, sucedió después (e incluso después) de los impresionistas, un grupo de pintores que surgió en París en la década de 1860. El término “postimpresionismo” fue acuñado por un crítico de arte llamado Roger Fry, quien utilizó el término en un sentido despectivo cuando vio por primera vez algunas de las obras de arte expuestas en la exposición.

Autorretrato de Roger Frye (1928), el hombre que inventó el “postimpresionismo”. Está en una colección privada. Roger Fry, dominio público, a través de Wikimedia Commons

Aunque sus mejores intenciones fueron expresar su disgusto por el nuevo estilo, el término está asociado para siempre con el trabajo que ahora atribuimos a artistas destacados como Paul Cezanne, Vincent van Gogh, Georges Seurat y Paul Gauguin (y muchos otros). Una de las características definitorias del arte posimpresionista fue el abuso de las ideas artísticas para representar el mundo. Por el contrario, los artistas posimpresionistas permitieron que su trabajo reflejara el mundo que veían.

Incluye una dimensión emocional o espiritual adicional en la que la obra de arte actúa como puerta de entrada a una experiencia humana más profunda. Esto se puede contrastar con el arte, que es una representación realista u objetiva de la realidad, percibida por los sentidos independientemente de cualquier tipo de filtro o lente subjetiva. Al incorporar estas dimensiones adicionales al arte, este movimiento altamente influyente se convirtió en un vehículo para expresar interpretaciones subjetivas de la vida a los ojos del artista.

El artista logra esto al infundir colores vivos e imaginación en las escenas representadas, inspirándose en una variedad de estilos artísticos de todo el mundo.

Pintura impresionista vs pintura postimpresionista

Es posible que aún se pregunte cuál es la definición correcta de postimpresionismo. Como sugiere su nombre, el postimpresionismo vino después del impresionismo. Impresionismo es el nombre que reciben las escenas de ensueño llenas de color pintadas por artistas como Claude Monet, Edgar Degas, Berthe Morisot y Auguste Renoir, quienes capturaban lo que veían con cada pincelada cambiando la luz de la escena.

Según los artistas que los siguieron, esta técnica fue tanto su bendición como su maldición, y luego fueron criticados por artistas emergentes por su enfoque en “cómo” pintar en lugar de “qué pintar”. .

El resultado fue un movimiento de mayor autoexpresión en términos de los temas representados en las pinturas postimpresionistas. Los artistas que pertenecieron a este movimiento combinaron perspectivas que recordaban de su experiencia personal, imágenes que vieron en el arte o imaginaron de la literatura y sus propios elementos de creatividad e innovación. Esta es una clara desviación del deseo de los impresionistas de capturar las escenas tal como son, en lugar del deseo del artista de percibirlas o interpretarlas en un nivel espiritual o emocional.

Bal du Moulin de la Galette (1876) de Pierre-Auguste Renoir, Musée d’Orsay, París, Francia. Pierre-Auguste Renoir, dominio público, vía Wikimedia Commons

Aunque expusieron juntos, los postimpresionistas tendieron a trabajar individualmente, que fue una de las formas en que estos artistas se desviaron de los estándares impresionistas. Una consecuencia de esto es que el estilo del arte postimpresionista no es particularmente consistente. Tanto es así que es difícil precisar un estilo particular como el principio unificador que define a todos los artistas postimpresionistas.

De hecho, incluso el estilo personal de un artista individual cambia a lo largo de su vida, manteniéndose fiel al movimiento posimpresionista, alejándose del énfasis impresionista en lo “visual”.

En la siguiente sección, exploraremos algunas de las principales fuentes e inspiraciones que influyen en el estilo único de un artista en particular. Luego hablaremos de las técnicas seguidas por todos los artistas pertenecientes a este movimiento contra el impresionismo.

Niebla de lavanda de Jackson Pollock (1950). Jackson Pollock, a través de Wikimedia Commons

Aunque la diversidad de artistas posimpresionistas fue inconsistente en estilo, el arte perteneciente a este movimiento revolucionario se puede dividir ampliamente en dos categorías. Primero, algunos consistían en formas sorprendentemente geométricas (que sentaron las bases para el surgimiento del cubismo), seguidos por aquellas formas menos geométricas que sentaron las bases para el desarrollo del expresionismo abstracto. Por ejemplo, el expresionismo abstracto es un movimiento artístico que surgió a mediados del siglo XX a través del arte de Jackson Pollock.

Aunque este movimiento provocó una desviación del famoso estilo de pintura naturalista del impresionismo, las fortalezas del impresionismo continuaron usándose a lo largo de la era posimpresionista. En particular, allana el camino para el uso continuado de colores llamativos y pintura espesa.

Características y estilos del postimpresionismo

Cuando pensamos en la obra de arte a la que nos referimos cuando hablamos de “postimpresionismo”, a menudo nos vienen a la mente las pinturas abstractas arremolinadas de Van Gogh. Y por una buena razón: se convirtió en uno de los postimpresionistas más famosos, gracias en gran parte a su estilo único en lienzos como La noche estrellada (1889), que en ocasiones reflejaba su agitación interior. A continuación, exploraremos las características importantes del posimpresionismo en la mayoría de las obras de arte de este período.

Estilos

El postimpresionismo en sí mismo puede parecer un movimiento aislado, pero hay mucho más de lo que parece en la superficie. Aunque el entusiasmo de los postimpresionistas por cambiar de tema artístico era constante, los artistas de este grupo tenían estilos claramente diferentes.

También verá diferentes artistas cuyos respectivos estilos se inspiraron en varios movimientos artísticos, algunos de países más allá de la frontera francesa.

Puntillismo

El puntillismo es el nombre más común para aplicar pequeños colores o puntos para crear el efecto de color continuo cuando se ve a distancia. Según la Encyclopaedia Britannica, a veces se le llama divisionismo o cromatismo, aunque el divisionismo se ocupa principalmente de pequeños trazos (en contraposición a la aplicación de un solo punto, que es una técnica utilizada en el punteado).

El puntillismo fue uno de los primeros movimientos que se alejaron del impresionismo. Fue presentado por Georges Seurat y Paul Signac utilizando una técnica similar.

Georges Seurat un domingo por la tarde en la isla La Grande-Gat (1884-1886) en el Instituto de Arte de Chicago, Chicago, EE. UU. Georges Seurat, dominio público, a través de Wikimedia Commons

En comparación con las pinceladas discretas de los impresionistas, Seurat adoptó un enfoque más metódico y científico, utilizando un único punto de color que, visto desde la distancia, crea la ilusión de continuidad.

Ejemplos de obras de arte que se ajustan a este estilo incluyen “Domingo en La Grande Jatte” de Seurat (1884), “El faro de Honfleur” (1886), también de Seurat, y “Robo de la playa” de Georges Lehman (1891). .

Japonismo

Japonisme es una palabra que se usa para describir obras de arte inspiradas e imitadas en grabados ukiyo-e japoneses. La palabra francesa para este estilo es Japonisme. Las principales características de este estilo incorporado al arte europeo incluyen variaciones en la composición del color y los tipos de colores utilizados.

Retrato del Père Tanguy de Vincent van Gogh (1887), Museo Rodin, París, Francia. Vincent van Gogh, dominio público, a través de Wikimedia Commons

La perspectiva en la pintura también se vio afectada, reflejando un paso audaz de la necesidad de representar objetivamente la realidad o la naturaleza: menos simetría y más capas de objetos cercanos y lejanos. A Vincent van Gogh le encantaba experimentar con diferentes estilos y en algún momento de su carrera se interesó especialmente por el arte japonés.

El japonismo comenzó a fines del siglo XIX, en gran parte debido a la mayor presencia del arte japonés y otros artefactos en Europa, que tuvo una fuerte influencia en el impresionismo y el posimpresionismo.

Sintetismo

Lo que es más importante, la composición refleja un movimiento que se aleja de representar la vida real para representar el mundo de una manera más simbólica. En lugar de buscar una descripción “objetiva” o surrealista del tema, los artistas involucrados en la composición dejaron espacio para incluir su interpretación emocional de lo que vieron.

Al mismo tiempo, pueden modificar la imagen de acuerdo con las características artísticas, como el tono, la línea y la forma, que creen que agregarán valor a la pintura, mientras se esfuerzan por mantener la integridad de la escena original que representan.

Bañistas de Paul Gauguin (1897) Galería Nacional de Arte, Washington, DC, EE. UU. Paul Gauguin, dominio público, a través de Wikimedia Commons

La suma de estas cualidades subjetivas da al artista la libertad de pintar de memoria o imaginación sin la perfección que exige el arte tradicional. El trabajo de Gauguin de este período empleó un fuerte uso unidimensional del color y líneas definidas para evocar respuestas emocionales, ya sea que su inspiración fuera un mito, una religión o una experiencia de vida. Una pintura que Gauguin hizo realidad en este momento fue las Montañas de Tahití (1897).

Van Gogh y Gauguin fueron dos artistas que exploraron juntos este enfoque mientras vivían juntos en Francia.

Forma pictórica

La forma pictórica es otro estilo único que es una rebelión contra el arte impresionista anterior al posimpresionismo. Contrariamente a la bidimensionalidad típica del sintetismo, este estilo tomó un cambio paradójico en el énfasis en la forma, con temas principales que incluían paisajes, naturaleza muerta (odegones) y retratos.

Paul Cezanne es probablemente el artista más famoso que utiliza este estilo.

Les Grandes Baigneuses de Paul Cezanne (1906), Museo de Arte de Filadelfia, Pensilvania, EE. UU. Paul Cezanne, dominio público, a través de Wikimedia Commons

Cézanne era bien conocido en el mundo del arte por su gran atención a la estructura subyacente de los objetos y paisajes, donde fue visto como un modelo a seguir para el maestro y otros artistas que siguieron sus pasos.

Por eso se convirtió en el rostro del cubismo, utilizando formas geométricas básicas como base para construir imágenes complejas.

Originalidad

En la interminable búsqueda de simbolismo del postimpresionismo, el primitivismo como estilo ha captado la imaginación de algunos artistas perspicaces. Su nombre recuerda particularmente a la obra de Henri Rousseau, pero también alude vagamente al arte original que inspiró la obra de Pablo Picasso y otros artistas.

Al igual que con los otros estilos discutidos aquí, el trabajo de Rousseau es simbólico y la mayoría de sus pinturas fueron influenciadas por su imaginación.

El “Sueño” de Henri Rousseau (1910) se encuentra ahora en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York, EE. UU. Henri Rousseau, dominio público, vía Wikimedia Commons

Aunque Rousseau no era un artista formado, su obra tuvo una fuerte influencia en el cubismo y el surrealismo. La mayor parte del trabajo de Rousseau mantiene un estilo constante, pero algunas de sus obras más famosas incluyen La gitana dormida (The Sleeping Gypsy) (1897) y El Sueño (The Dream) (1910). Paul Gauguin es otra figura destacada en el uso de este estilo.

Les Nabis

El movimiento fue fundado por un artista llamado Paul Sérusier. En el corazón de los Principios de Les Nabis se encuentra que la obra de arte debe permitir un equilibrio armonioso entre el mundo natural y la autoexpresión del artista. Al igual que el estilo discutido anteriormente, también implica mucha subjetividad.

El nombre se refiere al componente espiritual que los seguidores de ese movimiento en particular creían que debería (y lo hicieron) desempeñar un papel importante en la pintura.

Amuleto de Paul Sérusier (también conocido como Paisaje en Bois d’Amour) (1888), Musée d’Orsay, París, Francia. Paul Sérusier, Dominio público, a través de Wikimedia Commons

Al comparar las obras de arte pertenecientes al movimiento con las de Gauguin, sería difícil ver diferencias significativas en la forma en que se usaba la pintura, ya que estos artistas procedían del método de Gauguin de aplicar pintura directamente desde un tubo. Les Nabis está fuertemente influenciado por los materiales sintéticos.

En la década de 1890, Maurice Denis, Pierre Bonnard y Paul Ceroussier expusieron junto a un grupo de artistas cuyo trabajo no se limitaba a la pintura, sino que también incluía vidrieras y grabados.

Características

Identifierthisart.com enumera las principales características que cambiaron cuando el impresionismo pasó al posimpresionismo, una de las cuales fue el gran énfasis en la silueta y, por lo tanto, en la forma. Aparte de la vaga apariencia de las obras de arte creadas por artistas impresionistas, las características más pronunciadas compartidas por todas las obras de arte pertenecientes a este movimiento se analizan a continuación.

Simbolismo

El simbolismo a menudo involucra escenas y objetos en el mundo interior del artista, en lugar del entorno externo, y el simbolismo es una forma importante para que los artistas transmitan emociones. Como hemos visto antes, una característica definitoria de este movimiento artístico es su énfasis en la subjetividad y la autoexpresión, y lo que esto significa para el sujeto de la pintura.

Opus 217. En esmalte con un fondo rítmico de ritmo y ángulo, tono y tono, M. Félix Fénéon de Paul Signac en 1890 (1890) se encuentra ahora en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, EE. UU. Paul Signac, dominio público, a través de Wikimedia Commons

Color

Al igual que los impresionistas, los postimpresionistas no dudaron en utilizar colores vivos. Sin embargo, pueden usar el color más libremente, usando colores no naturales como les plazca. A menudo, los colores se usan intencionalmente para evocar emociones en el espectador, independientemente de la relación del espectador con el color esperado o considerado exacto.

La pintura posimpresionista creó un mundo en el que las sombras tienen una variedad de colores y los bloques de colores bidimensionales audaces lo distinguen de las obras de arte impresionistas.

Mujer con fruta de Paul Gauguin (1893), Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia. Paul Gauguin, dominio público, a través de Wikimedia Commons

Carrera

La mayoría de las obras de arte posimpresionista pueden usar pinceladas únicas para crear más profundidad y hacer que el espectador sienta que la obra no está diseñada para reflejar objetivamente la naturaleza o la escena que representa.

La versión más extrema es el puntillismo, como lo demuestra el trabajo de Georges Seurat, quien utilizó puntos de color individuales en lugar de pinceladas completas para crear el efecto deseado.

Ciprés de Cañez de Henri-Edmund Cross (1908) en el Musée d’Orsay, París, Francia. Henri-Edmond Cross, dominio público, a través de Wikimedia Commons

Obras famosas de artistas posimpresionistas

Como hemos visto, el postimpresionismo ganó muchos seguidores como una amplia respuesta a las limitaciones del movimiento artístico anterior. A continuación, describimos algunas de las obras más famosas que han aparecido en lienzos de artistas destacados como Van Gogh y Seurat.

La noche estrellada de Vincent van Gogh (1889)

La pintura de 29 por 36 pulgadas, en la colección del Museo Americano de Arte Moderno, ofrece una vista del cielo nocturno visto por Van Gogh en el santuario de Saint-Rémy en Provenza en 1888, aunque pintó durante el día. horas. Van Gogh pintó panoramas muchas veces, pero La noche estrellada es la única pintura que captura una escena nocturna.

La pintura representa un pueblo iluminado por luces. A la izquierda del pueblo hay altos cipreses que apuntan al cielo ya la derecha hay olivos. Sobre la serena escena terrenal hay un cielo nocturno estrellado que se arremolina.

La “Noche estrellada” de Vincent van Gogh (1889) se encuentra ahora en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York, EE. UU. Vincent van Gogh, dominio público, a través de Wikimedia Commons

Es sin duda uno de los cuadros más importantes de Van Gogh. Quería conectar con escenas rurales y naturales y trató de incorporar un elemento de magia y misterio en sus pinturas, que se refleja en esta pintura.

Esta es una pintura postimpresionista clásica, es una clara perspectiva subjetiva que muestra fuertemente el elemento de autoexpresión.

Las pinceladas crean un efecto onírico que en ningún caso pretende reflejar la escena vista por el ojo sin filtros. Otras obras de Vincent van Gogh incluyen Campo de trigo y ciprés (1889) y Girasoles (1888).

El Cristo amarillo de Paul Gauguin (1889)

La pintura intenta capturar la experiencia emocional y espiritual de varias mujeres bretonas en la cueva. Gauguin se inspiró en una cruz de madera que encontró, que es la pieza central de la pintura, en la que cuelga Cristo. Alrededor de la cruz hay tres campesinas arrodilladas.

La pintura está dominada por el amarillo y se caracteriza por siluetas robustas y formas simplificadas.

El Cristo amarillo de Paul Gauguin (1889). Galería Albright-Knox, Nueva York, Estados Unidos. Paul Gauguin, dominio público, a través de Wikimedia Commons

Todas estas características fueron diseñadas para aprovechar la energía de la experiencia espiritual femenina, un ejemplo clásico del deseo de los postimpresionistas de transmitir emoción y espiritualidad en sus pinturas en lugar de reconstruir el mundo físico visible.

La visión después del sermón de Paul Gauguin (1888)

La escena posterior al sermón es una de las pinturas al óleo más famosas de Gauguin. Se conserva en la Galería Nacional de Escocia en Edimburgo. La pintura representa a un grupo de mujeres que salen de una iglesia y escuchan un sermón sobre Jacob luchando contra un ángel, como se describe en el libro bíblico de Génesis (y se menciona nuevamente en Oseas). Las campesinas del cuadro presencian la batalla angelical con sus propios ojos.

Esta superposición de representaciones del reino de la mitología con escenas mundanas de reuniones de mujeres es un ejemplo de cómo los artistas posimpresionistas yuxtaponen elementos de fantasía con escenas cotidianas, un sello distintivo de la carrera posimpresionista.

Vision after the Sermon (Jacob Struggle with Angels) (1888), Paul Gauguin, Galería Nacional de Escocia, Edimburgo, Escocia. Paul Gauguin, dominio público, a través de Wikimedia Commons

Este trabajo es también un ejemplo clásico de un alejamiento de las inclinaciones impresionistas hacia lo amorfo en su pintura. Así, vemos en esta pintura un movimiento hacia áreas bidimensionales planas de color y formas definidas. Estas cualidades formaron la columna vertebral de lo que Gauguin llamó el movimiento Synthesist, que se detalló anteriormente en este artículo.

Los jugadores de cartas de Paul Cezanne (1894 – 1895)

Card Players consiste en un grupo de cinco óleos de varios tamaños, creados entre 1894 y 1895. En preparación para esta serie de pinturas, Cézanne hizo varios bocetos antes de completar las pinturas él mismo.

Este grupo de pinturas fue creado durante los últimos años de Cézanne como pintor.

Los jugadores de cartas de Paul Cézanne (1894 – 1895), Musée d’Orsay, París, Francia. Paul Cezanne, dominio público, a través de Wikimedia Commons

En cada pintura, los aldeanos están representados profundamente inmersos en una baraja de cartas. Según Wikipedia, el estado de ánimo un tanto sombrío se aleja de la tradición holandesa y francesa de representar este tipo de juegos de cartas en una atmósfera más fuerte.

Otros importantes artistas posimpresionistas

Como se mencionó anteriormente, no existe una definición estrecha del término artista en el movimiento, por lo que el número de artistas que pertenecen a este grupo es numeroso. Aquí hay un resumen de los principales actores del movimiento (entre otras cosas):

• Paul Cézanne (1839 – 1906)
• Odilón Redón (1840 – 1916)
• Henri Rousseau (1844 – 1910)
• Paul Gauguin (1848 – 1903)
• Vincent van Gogh (1853 – 1890)
• Henry Edmund Cross (1856 – 1910)
• Jorge Seurat (1859 – 1891)
• Marius Bolger (1861 – 1924)
• Paul Signac (1863 – 1935)
• George Lemmon (1865 – 1916)
• Pierre Bonnard (1867 – 1947)

El robo de la playa (1891) de Georges Lemmen, Musée d’Orsay, París, Francia. Georges Lemmen, dominio público, a través de Wikimedia Commons

La importancia del postimpresionismo

Este movimiento marca en gran medida el arte. La frialdad del arte impresionista, su búsqueda de representaciones de la realidad objetiva, fue descongelada por la insistencia de los postimpresionistas en incorporar su alma a la pintura. De esta forma, se rompen los límites del arte y se introducen elementos más espirituales, evocando una mayor profundidad y añadiendo algo de corazón a la obsesionada visión impresionista.

Una de las figuras más importantes que hizo una gran contribución al desarrollo de la pintura fue Paul Cezanne, quien influyó en el cubismo, el expresionismo, el expresionismo abstracto y el fauvismo.

El gran ciprés de Vincent van Gogh (Los caminantes de Saint-Rémy) (1889) en el Museo de Arte de Cleveland, Ohio, EE. UU. Vincent van Gogh, dominio público, a través de Wikimedia Commons

Colectivamente, los artistas mencionados en este artículo (y muchos otros dentro de esta diversa gama de pintores) crearon un arte que tuvo una fuerte influencia en el surgimiento del modernismo a principios del siglo XX.

El modernismo surgió a fines del siglo XIX y ganó un nuevo impulso después de la Primera Guerra Mundial.

Esto fue impulsado en gran parte por locuras filosóficas, psicológicas y políticas que desafiaron los cansados ​​ideales victorianos como fuera de lugar en los tiempos cambiantes del siglo XX. La pintura posimpresionista se convirtió en el último legado del impresionismo antes de que el fauvismo entrara en el mundo del arte. En última instancia, es seguro decir que esta forma de arte tuvo un gran impacto en el florecimiento del arte moderno y abstracto, y luego destruyó el mundo del arte.

Responder a la pregunta “¿qué es el postimpresionismo?” no es fácil, se reduce a un estilo o técnica particular. Sin embargo, algunas características obvias de este tipo de arte son el uso de pinceladas obvias y el uso descarado del color. El énfasis está en elementos de simbolismo y subjetividad en la pintura, en lugar de detalles realistas como el impresionismo. A pesar de la fluidez del estilo de trabajo posimpresionista, el movimiento ayudó a profundizar el arte y allanó el camino para el desarrollo posterior del mundo del arte.

Preguntas frecuentes

 

¿En qué se diferencia el postimpresionismo del impresionismo?

La principal diferencia entre los dos movimientos artísticos es el tema, que a su vez afecta los estilos y las técnicas utilizadas. Los artistas impresionistas intentaron pintar imágenes precisas de escenas naturales basadas en el uso del color, con especial énfasis en retratar la luz de la manera más objetiva posible. Por el contrario, el posimpresionismo (que surgió después del impresionismo) adoptó un enfoque que permitía que la interpretación subjetiva y la emoción del artista influyeran en la forma en que se representaba una escena. De esta forma, los postimpresionistas introdujeron la posibilidad de que su arte conectara con el público a un nivel más profundo.

¿Qué es el estilo postimpresionista?

Los diferentes estilos formaban parte del movimiento de arte posimpresionista y tenían diferentes cualidades. La principal coherencia entre los diferentes estilos es la inclusión del simbolismo, la subjetividad y la autoexpresión, lo que contrasta con el énfasis del impresionismo en la representación objetiva de la luz. Algunos de los estilos específicos que surgieron en este movimiento particular incluyeron el puntillismo asociado con Georges Seurat. El primitivismo, visto en la obra de Jean-Jacques Rosseau. y composicionalidad, tal como lo utiliza Paul Gauguin.

¿Por qué es importante el postimpresionismo?

Mientras que el impresionismo, el predecesor de este importante movimiento artístico, podría decirse que evocó una respuesta emocional en la gloriosa representación del mundo natural del espectador, el posimpresionismo introdujo un elemento de subjetividad y permitió que el artista se expresara hasta cierto punto. . en la mesa. Este estilo personal crea más profundidad y permite una conexión más profunda entre el artista y el público. También es importante porque influyó en desarrollos artísticos posteriores como el cubismo y el fauvismo.

¿Cuáles son las características del impresionismo?

Una de las características más famosas del impresionismo es su énfasis en capturar y representar la luz con la mayor precisión posible en su entorno natural, sin ninguna interpretación por parte del pintor. En otras palabras, el impresionismo trató de transmitir la luz de la manera más objetiva posible. Como tal, también se caracteriza por sus colores vibrantes y objetos que no logran definir el arte que ocupó el centro de atención en años anteriores.

¿Quién fue el pintor postimpresionista más famoso?

Postimpresionismo es un término muy amplio que se utiliza para agrupar obras de arte que nacieron como respuesta al arte impresionista. Como resultado, hay muchos artistas famosos cuyos estilos se han fusionado con este movimiento. Cezanne a menudo se considera uno de los impresionistas más famosos por su papel fundamental en el cubismo y su profunda influencia en el arte moderno. A pesar de sus esfuerzos por hacerse un nombre durante su vida, Van Gogh se convirtió en uno de los pintores posimpresionistas más famosos debido a su estilo único, colores brillantes y pinturas oníricas como “Noche” (1889).

¿Picasso fue un pintor postimpresionista?

Postimpresionismo es un término genérico utilizado para describir una variedad de estilos que desafían las técnicas y estilos utilizados por el impresionismo. El apogeo de este movimiento artístico fue a finales del siglo XIX. Aunque Picasso vivió entre 1881 y 1973 y su obra se enmarcaba dentro del marco posimpresionista, su obra tenía un estilo particularmente cubista y, por lo tanto, se la denominaba más cubismo que posimpresionismo.