Arte Moderno: Exploración del Movimiento Modernista del Siglo XX

El movimiento artístico modernista que surgió a principios del siglo XX se refiere al arte que refleja fielmente la sociedad en la que vivía el artista. Después de la Revolución Industrial francesa, los artistas demostraron un fuerte deseo de romper con los aspectos tradicionales que anteriormente habían dominado las bellas artes, creando obras de arte que buscaban capturar las experiencias y valores de la vida industrial moderna. Por tanto, el arte moderno existe como un movimiento amplio con varios otros “ismos” incorporados en su título.

¿Qué es el modernismo?

Conocido como un movimiento mundial que existió en la sociedad y la cultura, el arte moderno se desarrolló a principios del siglo XX como respuesta a la urbanización generalizada que siguió a la Revolución Industrial. El arte moderno, también conocido como modernismo, fue considerado un movimiento tanto artístico como filosófico en el momento de su surgimiento. Este movimiento reflejó el gran deseo de los artistas de crear nuevas formas de arte, filosofía y estructuras sociales que reflejaran con precisión el nuevo mundo en desarrollo.

El modernismo abarcó una variedad de estilos, técnicas y medios diferentes dentro de un movimiento amplio. Sin embargo, el principio básico que se manifiesta en todas las obras de arte de todo movimiento modernista es el rechazo total de las ideas históricas y tradicionales asociadas con el realismo.

Los artistas comenzaron a utilizar nuevas imágenes, materiales y técnicas para crear obras de arte que creían que reflejaban mejor las realidades y esperanzas que existían en una sociedad en rápida modernización.

Debido a que no se consideró un movimiento único y coherente, se desarrollaron muchos movimientos diferentes que fueron clasificados bajo el paraguas del modernismo. Estos movimientos contemporáneos incluyen el posimpresionismo, el fauvismo, el cubismo, el dadaísmo, el expresionismo y el futurismo, entre otros. El elemento unificador presente en estos movimientos fue el deseo de romper continuamente con las convenciones de las artes escénicas.

La principal influencia del modernismo se considera el movimiento impresionista, ya que los artistas durante este período comenzaron a utilizar colores no naturalistas para representar temas. El impresionismo era extremadamente impopular entre las clases altas de la época porque contenía elementos que no se ajustaban a las formas tradicionales de crear arte. Por lo tanto, esta desviación de la norma allanaría el camino para el comienzo del arte modernista, ya que contenía los principios de la tendencia aún inexplorada de la abstracción.

Los modernistas ignoraron las antiguas reglas del color, la perspectiva y la composición para crear su propia forma de hacer arte. La Revolución Industrial décadas antes y el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914 reforzaron estas actitudes. Después de la guerra, los artistas respondieron al horror y la brutalidad de su sociedad abandonando la razón en su trabajo en favor de la intuición y una representación precisa del mundo tal como lo observaban.

Este período de rápidos cambios caracteriza a la sociedad moderna, impulsando a los artistas a actualizar y perfeccionar continuamente sus técnicas de creación artística para expresar con precisión las aspiraciones y los sueños del mundo moderno. El modernismo fue una respuesta a los rápidos cambios en las condiciones de vida causados ​​por el aumento de la industrialización y el estallido de la guerra, y los artistas buscaron nuevos temas, técnicas de trabajo y materiales para capturar mejor este cambio.

Además, la razón de este cambio en la tecnología es que los artistas creen que las formas de arte tradicionales se han vuelto obsoletas y, por lo tanto, obsoletas en la sociedad moderna. Los artistas expresaron su creciente alienación de la vieja sociedad victoriana y buscaron nuevos medios de expresión que reflejaran plenamente sus sentimientos en el nuevo mundo. El modernismo estuvo fuertemente impulsado por las diferentes agendas sociales y políticas de la época, y los artistas buscaron reflejar una visión ideal de la vida humana y la sociedad en sus obras.

A medida que los artistas intentan utilizar las nuevas tecnologías para representar plenamente la vida contemporánea, también buscan expresar el impacto emocional y psicológico de negociar el mundo a través de cambios rápidos en sus obras. Es una parte importante del arte moderno, con artistas como Henri Matisse y Paul Cézanne explorando sus temas en profundidad de maneras que conmocionaron a la sociedad.

El arte modernista fue esencialmente la reacción del mundo creativo a las visiones habituales y racionalistas de la nueva vida y pensamiento ofrecidos por el desarrollo tecnológico de la industrialización. Los artistas buscan expresar sus experiencias de la vida moderna de maneras innovadoras, independientemente de su género artístico. Por lo tanto, el arte moderno se caracteriza por artistas que rechazan los estilos y valores tradicionales y, en cambio, incorporan sus propias perspectivas en sus obras y representan temas que realmente existen en el mundo.

En la década de 1960, el modernismo se convirtió en un movimiento artístico importante. Si bien algunos académicos creen que el movimiento continuó hasta el siglo XXI, otros creen que evolucionó hacia un tipo tardío de modernismo conocido como “posmodernismo”. Aunque el movimiento artístico posmoderno utiliza la palabra “modernismo” en su nombre, se aparta en gran medida de los principios del modernismo, rechaza sus supuestos básicos y se esfuerza por crear un arte nuevo.

Una definición apropiada de modernismo.

El modernismo ha sido interpretado en muchos sentidos, desde formas de pensar hasta formas estéticas introspectivas. Además, el movimiento también es visto como una amplia iniciativa social, cultural y política que apoya el principio de lo efímero en el mundo urbanizado emergente.

Los términos “modernismo” y “arte moderno” son utilizados por historiadores y críticos de arte para describir una serie de movimientos artísticos que surgieron después del período realista, liderado por el artista Gustave Courbet. El realismo surgió poco antes de la Revolución Industrial en Francia y, junto con el estilo singular de Courbet, marcó el inicio de un período artístico que abandonó el romanticismo que hasta entonces había dominado la creación artística.

Las características filosóficas que acompañan al movimiento modernista ayudan a definirlo como una forma de pensar y un medio artístico. Esto se refleja en la autoconciencia y la autorreferencia de los artistas en su trabajo. Estos elementos atrevidos se utilizan para informar sobre su nueva realidad contemporánea y resaltar su alejamiento de lo que antes se consideraba buen arte.

En la sociedad occidental, el modernismo se define como la escuela del liberalismo social. Se dice que el arte contemporáneo reconoce el poder de los humanos para crear, mejorar y reorganizar el medio ambiente a través de avances en la tecnología y el conocimiento científico. Estos cambios se evidenciaron a través del desarrollo posterior de movimientos artísticos, todos los cuales encontraron sus principios básicos bajo el término amplio modernismo.

La famosa frase del poeta Ezra Pound “Make it New” en 1934 se convirtió en un punto de referencia para el enfoque modernista, con Pound guiando a artistas y creativos para crear arte utilizando materiales absolutamente innovadores.

Por lo tanto, una definición adecuada de modernismo es una obra de arte que rechaza todas las formas de arte tradicionales para abarcar la perspectiva del artista y las consecuencias y el impacto de la industrialización del mundo moderno en el desarrollo.

El comienzo del arte moderno.

Se dice que el arte moderno comenzó en 1863, cuando el artista Édouard Manet exhibió su impactante e irreverente pintura Le Déjeuner sur Luncheon en el Salon des Refusés de París. Aunque la obra de Manet rindió homenaje a la obra renacentista de Rafael, se considera ampliamente que su presencia en la sociedad marca el comienzo de cambios en el arte, que llevaron al surgimiento del Modernismo.

Después de las pinturas de Manet, una nueva generación de artistas se cansó de seguir la forma de arte académico tradicional que dominó el siglo XVIII y principios del XIX. Etiquetados como “modernos”, estos artistas comenzaron a crear una variedad de pinturas modernistas basadas en nuevos temas, materiales y métodos.

Aunque la escultura y la arquitectura también fueron influenciadas por estas nuevas ideas en el arte, su período de cambio se produjo más tarde. Inicialmente, la pintura artística pareció ser el primer campo creativo que abandonó las perspectivas tradicionales en favor de una visión moderna que reflejaba profundamente la sociedad de la época.

Muchos estilos avanzaron mucho en los siglos anteriores a la era moderna, como se ve en movimientos como el Renacimiento, el Barroco y el Rococó. La característica dominante que surgió en todos estos movimientos artísticos fue la idealización del tema.

En lugar de representar exactamente lo que veían, los artistas eran conocidos por representar la esencia de sus sujetos imaginados.

El primer artista moderno que rompió con estos valores artísticos tradicionales fue Gustave Courbet, que intentó establecer un estilo propio a mediados del siglo XIX. Courbet lo consiguió en su cuadro de gran formato El entierro de Ornans, pintado entre 1948 y 1850, en el que representa el funeral de un hombre corriente, con trabajadores agrícolas sucios rodeando una tumba abierta. Esto indignó a la Academia de Arte oficial, ya que sólo las obras dedicadas a la mitología clásica o escenas históricas se consideraban temas adecuados para pinturas de esta escala.

Aunque fue rechazada por este trabajo, las pinturas de Courbet continuaron teniendo un gran impacto en las generaciones posteriores de artistas contemporáneos. Esta idea de rechazar obras de arte que antes habían estado reservadas a imágenes religiosas e importantes fue retomada por los artistas cuando el modernismo estaba plenamente desarrollado, quienes produjeron grandes cantidades de arte que representaban las vidas y luchas de una sociedad común como mejor les parecía.

Influencia de la Revolución Industrial

El inicio de la Revolución Industrial francesa a mediados del siglo XIX se considera un punto de inflexión en la historia mundial y en los elementos artísticos oficiales. A medida que se inventó y avanzó rápidamente la tecnología, los artistas comenzaron a abandonar su visión romántica del mundo para representar con precisión lo que veían. Esta intensa urbanización trajo cambios en el ritmo y la calidad de la vida cotidiana, y los artistas sintieron la necesidad de reflejar este cambio en su trabajo.

Mucha gente comenzó a migrar de las granjas rurales a los centros urbanos en busca de trabajo, lo que desplazó el centro de la vida del campo a las crecientes capitales urbanas. Los artistas quedaron fascinados por estos rápidos desarrollos y comenzaron a representar los nuevos paisajes visuales que surgían en la sociedad, llenos de todo tipo de maravillas y estilos modernos esperando ser explorados por completo.

Un avance tecnológico importante que se produjo durante este período fue la invención de la cámara en 1888, que comenzó a desarrollarse rápidamente. Con el desarrollo de la ciencia y la tecnología, la fotografía se ha vuelto cada vez más popular. De repente, la gente corriente podía crear sus propios retratos simplemente tomando una fotografía, en lugar de encargar una obra de arte.

Este desarrollo en el retrato representó una amenaza para los enfoques artísticos tradicionales de los sujetos escénicos, ya que las formas de arte existentes no podían capturar el mismo grado de detalle y profundidad que las fotografías. Debido a la precisión de la fotografía, los artistas se vieron obligados a encontrar nuevos métodos de expresión, lo que dio como resultado nuevas ideas y paradigmas en el mundo del arte.

La influencia de la guerra

Aunque la sociedad moderna creía en el concepto de progreso y sus múltiples beneficios, esta creencia desapareció cuando estalló la Primera Guerra Mundial. Este período desató una nueva ira contra el arte tradicional, cuando los artistas comenzaron a cuestionar la moralidad de la urbanización que conduce a algo tan horrible como la guerra.

La Primera Guerra Mundial tuvo un impacto devastador en Europa y en las mentes de todos los involucrados. Después de la guerra, cuando la sociedad comenzó a sacudirse las secuelas de la guerra, se produjo un cambio significativo en la producción artística. La ciudad comenzó a crecer rápidamente, lo que llevó a artistas, escritores y filósofos a adoptar puntos de vista y creencias diferentes a los de antes de la guerra.

Algunos artistas están recurriendo a conceptos de belleza, orden y armonía en sus obras contemporáneas para compensar el caos, la separación y la fealdad que dejó la guerra. Otros comenzaron a representar personajes en sus obras como huecos y grotescos en un intento de transmitir la devastación causada por la guerra. Esto es muy evidente en las obras de arte del movimiento expresionista alemán durante la Primera Guerra Mundial.

Sin embargo, algunos artistas consideraron cruel esta forma de fragmentación y distorsión porque la sociedad ya había sufrido mucha muerte y sufrimiento cuando los soldados regresaron a casa.

Algunos artistas sintieron que era imposible regresar al cubismo y a la expresión de antes de la guerra, por lo que recurrieron a una nueva forma de expresión que capturaba apropiadamente su era actual sin parecer brutal.

Principales características del arte moderno.

El arte moderno abarca casi un siglo y abarca muchos movimientos artísticos diferentes que incorporaron una variedad de elementos y técnicas diferentes. El modernismo abarcó todo, desde la abstracción pura hasta el surrealismo y estilos anti-arte en movimientos posteriores. Dada la diversidad de movimientos, es difícil imaginar una característica unificadora que pueda definir esta era.

Sin embargo, algo que se puede decir sobre el arte modernista que lo distinguió exitosamente de movimientos anteriores y del movimiento posmoderno que le siguió es que los artistas realmente creían que su arte era importante y tenía un valor real. Esto es diferente a sus predecesores, a quienes simplemente la escuela de arte les decía que su trabajo tenía valor si incorporaba elementos tradicionales.

Aunque el arte moderno no tiene características únicas, incorpora varias características importantes en varios movimientos. La primera característica es que la mayoría de los movimientos artísticos modernos intentan crear un arte nuevo, utilizando estilos como el collage, el ensamblaje, la animación, la fotografía, el land art y el performance.

La segunda característica es que la mayoría de los pintores modernos experimentan con nuevos materiales al crear, como pegar fragmentos de periódicos y otros objetos al lienzo. Un buen ejemplo es el artista Marcel Duchamp, quien popularizó el uso de objetos encontrados a través de obras icónicas creadas principalmente a partir de objetos desechados. Utilizando una variedad de materiales nuevos, se creó un tipo de arte de ensamblaje que permitió a algunos artistas combinar una variedad de materiales diferentes y comunes en una sola pieza.

La tercera característica que la mayoría de los modernistas incorporaron a su obra fue el uso vívido del color. Los movimientos que más utilizaron esta técnica fueron el fauvismo y el expresionismo, ya que los artistas que practicaban estos géneros tendían a utilizar el color de diversas formas para enfatizar las emociones que intentaban transmitir.

Finalmente, la cuarta característica de estos movimientos modernistas fue la invención de nuevas tecnologías. Ejemplos de esto incluyen la invención de la pintura automática y el corrido por parte de artistas surrealistas, así como la punta Bendet y la serigrafía introducidas por artistas pop e introducidas en el arte formal.

Críticas al arte moderno

Como otras épocas artísticas, el arte moderno tiene sus críticos. Debido a que el modernismo ignoró los elementos tradicionales del arte y enfatizó la libertad de expresión, la experimentación y el radicalismo, despertó absoluta desconfianza e ira entre el público. El modernismo también alienó a algunas audiencias a través de sus efectos excéntricos e impredecibles, como los temas inquietantes contenidos en las obras surrealistas.

Uno de los principales críticos de la era del arte moderno fue el gobierno nazi alemán, que consideraba que las obras de arte dentro del alcance del modernismo eran narcisistas e irracionales. Los nazis incluso calificaron el arte moderno de “arte degenerado” y algunas obras pertenecientes al movimiento expresionista alemán fueron destruidas.

Movimiento más importante del modernismo

Dado que modernismo es sólo un término general para una variedad de diferentes movimientos que surgieron después de la Revolución Industrial y principios del siglo XX, es fácil preguntar: ¿Qué es el modernismo? En esencia, el modernismo fue un período de muchos movimientos. Estos movimientos se parecen en que rechazan las características unificadoras de todas las formas de arte tradicionales, dándoles a cada una de ellas un significado moderno.

Impresionismo (décadas de 1870 a 1880)

El impresionismo se considera un precursor importante del movimiento modernista, que popularizó el uso de colores no naturalistas en las obras de arte. El artista Claude Monet demostró la importancia del impresionismo con sus pinturas de paisajes centradas en capturar momentos fugaces de luz y color con detalles desgarradores.

Esta atención al detalle también es evidente cuando el artista elige los colores de sus piezas, ya que se dice que estos colores brillantes e impactantes enfatizan las emociones que sienten. Además, los impresionistas utilizaron pinceladas sueltas y texturizadas que hacían que la pintura fuera irreconocible cuando se veía de cerca. Estas técnicas especiales hicieron que el impresionismo fuera particularmente desagradable en los círculos artísticos tradicionales porque las obras que creaba no se ajustaban a los elementos artísticos tradicionales.

Esto llevó a que el Impresionismo fuera considerado una gran influencia en el Modernismo, ya que fue uno de los primeros movimientos en rechazar el realismo asociado al arte tradicional a través de la paleta de colores y las pinceladas. Luego, el impresionismo validó el uso de colores poco realistas en las obras de arte, lo que allanó el camino para el surgimiento del arte abstracto. Esto todavía se considera una característica importante en el desarrollo del movimiento artístico moderno.

Fauvismo (1905 – 1907)

El movimiento fauvista, liderado por Henri Matisse, fue un movimiento de muy corta duración que existió en París a mediados del siglo XX. A pesar de su longevidad, fue un movimiento increíblemente vibrante e influyente que se consideraba un estilo muy de moda en ese momento.

El fauvismo es mejor conocido por su lanzamiento en el Salón de Otoño, donde el movimiento inmediatamente se hizo famoso por los colores fuertes, estridentes y antinaturales utilizados en las obras de arte que crearon. Este uso excesivo del color hizo que el movimiento impresionista temprano pareciera monocromático en su elección de paleta, mientras que el uso del color por parte del fauvismo era muy exagerado.

La principal contribución de los fauvismo al movimiento artístico moderno fue demostrar el poder del color. El fauvismo enfatizó el poder independiente del color, haciendo de las obras de arte una fuerza que no se puede ignorar al combinar múltiples colores. Además, el fauvismo se consideraba un movimiento muy subjetivo y un fuerte competidor de los estilos artísticos clásicos anteriores.

Expresionismo (1905 – 1920)

Aunque presagiado en la obra de artistas como Paul Gauguin y Vincent Van Gogh, el movimiento expresionista no comenzó realmente hasta la Alemania de antes de la guerra. Dentro del expresionismo surgieron dos grupos: los “Bridge” y los “Blue Reiter”, quienes más tarde definirían el movimiento como perteneciente al arte moderno.

El expresionismo existió alrededor de la Primera Guerra Mundial y se cree que se basa en gran medida en las atrocidades que estaban ocurriendo. El movimiento expresionista tomó como tema los horrores asociados con la guerra, creando obras que reflejaban con precisión la devastación y las consecuencias de la guerra en la sociedad.

Die Brücke, que significa “El Puente”, fue fundado en Dresde en 1905 como uno de los grupos expresionistas integrales. Fundada por el artista Ernst Ludwig Kirchner, Die Brücke emplea giros figurativos, cruda simplicidad de interpretación y uso expresivo del color en su trabajo.

El segundo grupo importante del movimiento expresionista fue Der Blaue Reider. Conocido como el Jinete Azul, el grupo fue fundado por Wassily Kandinsky en Munich en 1911 y se centró en las posibilidades de la abstracción pura en la creación artística. Kandinsky también creía que la abstracción proporciona una plenitud que la simple representación no puede.

La importancia del expresionismo dentro del Modernismo radica en que el movimiento popularizó la idea de subjetividad en la pintura. Además, la paleta de colores vivos utilizada en las obras expresionistas fue una característica esencial de otros movimientos artísticos modernos.

Cubismo (1908 – 1914)

Desarrollado por los artistas Pablo Picasso y Georges Braque, el cubismo era un estilo de pintura bastante duro y desafiante. Esta forma de arte difiere significativamente del movimiento anterior, que se inspiró en las famosas técnicas de perspectiva lineal y volúmenes ligeramente curvados del Renacimiento. Por el contrario, el cubismo utilizó una combinación compositiva de planos rotos y planos para crear una pintura.

El cubismo evolucionó en dos versiones: el cubismo analítico y el cubismo sintético. El cubismo analítico, que existió entre 1910 y 1012, consideró el uso de formas básicas y superficies superpuestas para representar las formas individuales de los sujetos en las pinturas. El cubismo sintético surgió más tarde y fue popular entre 1912 y 1914. Este estilo enfatiza la inclusión de características como formas simples y colores brillantes que tienen poca profundidad en la obra de arte resultante.

Aunque el cubismo tuvo un impacto en el arte abstracto, su atractivo fue extremadamente limitado. Sin embargo, una de las principales contribuciones del movimiento cubista al arte moderno fue que proporcionó una alternativa completamente nueva a la perspectiva estándar mediante la creación de imágenes planas.

Futurismo (1909 – 1944)

Fundado por el teórico del arte y poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, el movimiento futurista era una forma de arte que celebraba la tecnología, la velocidad, inventos como automóviles y aviones, y logros científicos.

El movimiento considera dignos de elogio todos estos caminos de desarrollo y cree que son responsables del progreso de la sociedad moderna. El futurismo captura la vitalidad y la energía que existe en el mundo moderno y propone creaciones artísticas que celebran la modernidad y los desarrollos tecnológicos en todas sus formas.

Un movimiento muy influyente, tomó prestados elementos de otras épocas como el neoimpresionismo, el secesionismo italiano y el cubismo. Esto se evidencia en las formas explosivas y las múltiples perspectivas de algunas obras de arte futuristas.

El futurismo experimentó su fase más influyente entre 1909 y 1914, cuando la Primera Guerra Mundial puso fin a la primera ola del futurismo. Esto llevó a los artistas a recurrir a diferentes estilos que incorporaban elementos modernos. Sin embargo, después de la guerra, Marinetti revivió el movimiento y continuó su desarrollo hasta convertirse en lo que se conoce como futurismo de segunda generación. Por tanto, el futurismo se considera un movimiento importante en el arte moderno porque introdujo elementos de movimiento en el arte y vinculó el concepto de belleza con los logros científicos.

Dadaísmo (1916 – 1924)

El dadaísmo es considerado el primer movimiento antiarte que surgió, una práctica artística que se rebeló contra el sistema que permitió las atrocidades de la Primera Guerra Mundial. El dadaísmo se originó en Suiza en la Taberna Voltaire, liderado por un grupo de artistas que emigraron a países neutrales cuando estalló la guerra.

El espectáculo ruidoso, agresivo e iconoclasta creado pretendía ser una crítica mordaz de la sociedad burguesa y las fuerzas económicas a las que los dadaístas culpaban por el estallido de la guerra. El dadaísmo pronto se convirtió en un movimiento revolucionario cuyo objetivo principal era socavar el establishment artístico, tratando de enfatizar la inutilidad del orden y la tradición que llevaron a la guerra.

El movimiento dadaísta utilizó actuaciones que no podían comercializarse y abogó por la eliminación del sistema comercial del arte y sus conceptos y razonamientos tradicionales. Los artistas dadaístas adoptaron nociones de lo absurdo y lo original en su trabajo, como lo demuestran artistas como Jean Arp, Hugo Bauer y Marcel Duchamp.

El artista más famoso del movimiento dadaísta fue Duchamp, cuya infame Fuente de 1917 causó una gran controversia porque simplemente utilizó un urinario común y corriente en la obra y lo presentó a una exposición. Ducott también introdujo en el arte el concepto de “ready-made”, que consiste en sustituir elementos artísticos tradicionales por objetos cotidianos.

El dadaísmo fue un movimiento importante en el arte moderno que subvirtió con éxito las escuelas de arte tradicionales con sus tendencias anarquistas. El dadaísmo aportó gran creatividad y criticidad a la sociedad moderna, como lo demuestra el tratamiento de la basura como arte, lo que obligó al público a pensar en el verdadero significado de la inteligencia en el arte y la sociedad.

Surrealismo (décadas 1924 al 1950)

Surrealismo, que surgió inmediatamente después del movimiento dadaísta y que aún conserva su humor polémico, fue fundado en París por el escritor André Breton. El surrealismo es considerado el último gran movimiento de vanguardia que existió durante el período de entreguerras, ya que comenzó a desvanecerse con el estallido de la Segunda Guerra Mundial.

El surrealismo, que surgió del movimiento nihilista dadaísta, rechazaba los conceptos de orden y belleza en su obra, pero no se lo consideraba anti-arte ni fuertemente político. El surrealismo se fundó sobre una inclinación por lo absurdo y utilizó sueños, alucinaciones y la generación automática y aleatoria de imágenes para crear obras de arte. Esto se hace para escapar del proceso de pensamiento racional en la creación artística y al mismo tiempo muestra la irracionalidad que existe en las mentes de los intelectuales sociales.

Los artistas surrealistas evitaron cualquier concepto racional en sus obras. En cambio, los artistas recurrieron al concepto psicológico del inconsciente, desarrollado principalmente por el neurocientífico Sigmund Freud, quien creía que era la base de la creatividad artística. Por tanto, el surrealismo intentó conectarse con el inconsciente interpretando los sueños y utilizando la automatización en las obras que creaba.

La principal contribución del surrealismo al modernismo fue su capacidad para crear una serie de nuevas y refrescantes obras de arte construidas a partir del subconsciente. El surrealismo pudo marcar el comienzo de un período de fantasía y alegría en el arte moderno entre las dos guerras mundiales.

Expresionismo abstracto (1940-1950)

El expresionismo abstracto, que se desarrolló en Nueva York después de la Segunda Guerra Mundial, fue creado por un grupo de artistas poco conectados que intentaron crear obras de estilos variados. El expresionismo abstracto, también conocido como la Escuela de Nueva York, introdujo nuevas direcciones radicales en el arte y cambió el enfoque del mundo del arte hacia el arte modernista abstracto.

El expresionismo abstracto estuvo fuertemente influenciado por artistas europeos que vivían en los Estados Unidos y constaba de dos estilos principales. La primera es una forma muy activa de pintura gestual iniciada por Jackson Pollock, y la segunda es un estilo más pasivo y emocional llamado Color Field Painting, creado por Mark Rothko.

El expresionismo abstracto tenía como objetivo crear arte que, si bien seguía siendo de naturaleza abstracta, era capaz de evocar una gran expresión y emoción. Esto se inspiró en el movimiento surrealista temprano, ya que los expresionistas abstractos también suscribieron la idea de que el arte debería surgir del inconsciente. La influencia del expresionismo abstracto en el modernismo fue su capacidad para popularizar la abstracción, además de inventar un nuevo estilo llamado “pintura de acción”, como lo demuestran las pinturas por goteo de Pollock.

Arte pop (décadas de 1950 y 1960)

El último movimiento influyente en el arte moderno fue el Pop Art. El arte pop apareció por primera vez en Estados Unidos y Gran Bretaña a finales de la década de 1950, reflejando la cultura pop y el consumismo masivo que existía en Estados Unidos a principios de la década de 1960. El arte pop se ha convertido en una forma de arte convencional y de vanguardia debido a su audacia y ligereza. Formatee imágenes reconocibles, utilice colores brillantes e incluya imágenes famosas.

Andy Warhol fue una figura ejemplar del movimiento Pop Art y su uso de imágenes famosas y celebridades populares en su trabajo hizo que su trabajo fuera ampliamente conocido. El arte pop se extiende también a la creación de carteles, anuncios, cómics y packaging de productos, demostrando la versatilidad del arte en la nueva sociedad de consumo. Además, estos materiales ayudan a reducir la separación que existe entre el arte comercial y las bellas artes.

En esencia, el arte pop celebraba el consumismo posterior a la Segunda Guerra Mundial. El movimiento rechazó el expresionismo abstracto y trabajó para celebrar y glorificar la representación visual en la era de la publicidad, la cultura del consumo material y la producción en masa. Así, la principal contribución del arte pop al arte moderno fue mostrar que cualquier arte considerado digno de atención podía ser simple y destinado al mercado de masas, en lugar de estar hecho de simples productos básicos.

Arte moderno americano

Debido al alcance del arte moderno, no es fácil encajar los diferentes movimientos de Estados Unidos y Europa en una sola línea temporal. El modernismo americano y europeo tiene muchos factores históricos y socioculturales que dificultan la combinación de las dos variantes del arte moderno.

El arte moderno tardó más en arraigar entre los artistas, los críticos y el público estadounidenses. Antes del desarrollo del modernismo, varios otros movimientos estadounidenses habían comenzado a incorporar elementos de la modernidad en el arte que producían.

El acontecimiento que realmente impulsó el desarrollo del modernismo americano fue el Armory Show de Nueva York en 1913. Se exponen cerca de 1.300 obras de 300 artistas, dos tercios de los cuales son artistas estadounidenses. Estas obras, en estilos que incluyen el ascanismo, el impresionismo francés, el cubismo y el fauvismo, dieron a otros artistas, coleccionistas, críticos y al público una visión del futuro del arte moderno.

Las ideas modernistas comenzaron a desarrollarse en las mentes de los artistas estadounidenses, quienes en años posteriores fueron alentados por artistas refugiados que huyeron de Europa al comienzo de la Primera Guerra Mundial. Además, la afluencia de artistas que abandonaron la Europa ocupada por los nazis en vísperas de la Segunda Guerra Mundial trajo consigo nuevas técnicas y filosofías que inspiraron enormemente a los artistas estadounidenses y ayudaron a desarrollar el arte moderno.

La introducción del expresionismo abstracto también se considera un importante punto de inflexión en el modernismo estadounidense, con artistas fuertemente influenciados por los artistas de vanguardia europeos que se establecieron en los Estados Unidos. Debido a las ventajas económicas del país después de la Segunda Guerra Mundial, Nueva York reemplazó a París como pieza central no oficial del arte occidental. Se cree que esto condujo al eventual surgimiento del arte moderno como un movimiento independiente en los Estados Unidos.

 Artistas modernos notables y sus conocidas obras de arte.

A lo largo del largo período del arte moderno, muchos movimientos artísticos diferentes abrazaron el rechazo de las características tradicionales e introdujeron el modernismo en las pinturas modernistas que crearon. Éstos son algunos de los artistas más famosos de la era modernista y sus obras.

Paul Cézanne (1839 – 1906)

Paul Cezanne fue un artista importante de los períodos impresionista y postimpresionista, y sus obras se consideran importantes precursoras del desarrollo del arte moderno. Terminado el año de la muerte de Cézanne y creado entre 1898 y 1906, “Les Grands Baigneurs” es uno de los mejores ejemplos de la exploración de Cézanne de sujetos desnudos atrevidos y modernos en entornos naturales.

Cézanne creó una serie de estos desnudos bañándose, de los cuales “Grand Beignère” fue su último y mejor trabajo de la serie. En esta obra, Cézanne representa sin esfuerzo el desnudo femenino en múltiples poses, creando la composición con la facilidad con la que ordena los objetos en una naturaleza muerta. El arco creado por la superposición de los árboles y el cielo ayuda a anclar la figura en el medio de la pintura y sirve como punto focal al atraer la atención del espectador hacia adentro.

Al pintar las grandes Bañista, Cézanne buscó crear una obra de arte que fuera considerada atemporal. Lo logró alejándose de los temas impresionistas de luz y efectos físicos, y en lugar de ello agrupó las escenas en una serie que se centró en figuras cuidadosamente construidas. Cézanne estaba más interesado en cómo sus formas ocupaban el espacio que en representar sus observaciones visuales de la forma más veraz posible.

Esta obra de arte se considera un precursor importante del desarrollo del cubismo, ya que el colapso de la ilusión y el aumento de la abstracción fueron elementos adoptados posteriormente en el movimiento cubista. La pincelada es evidente en esta pintura, lo que le da a la obra de Cézanne un carácter inacabado. Además, dejó audazmente huellas del motivo de trabajo en la pintura, con colores mezclándose en algunos lugares.

Aunque La Gran Bañista pueda parecer primitiva, todavía se considera una obra maestra del arte moderno debido a las características que introdujo en el mundo del arte. El trabajo de Cézanne fue elogiado por el uso de colores brillantes pero fríos que se arremolinaban en el lienzo, y el predominio de sus colores se convirtió más tarde en una característica importante del arte moderno.

Claude Monet (1840 – 1926)

Claude Monet fue otro artista influyente del período impresionista. El impresionismo a menudo se considera el primer movimiento completamente moderno, y algunas de sus características influyeron en los movimientos posteriores durante el período modernista. En sus composiciones de paisajes, Monet enfatizó la luz y la atmósfera, características clave del movimiento impresionista. Monet demuestra su enfoque en los mismos elementos en su pintura de 1873 Impresión, amanecer.

“Print, Sunrise” se considera una obra fundamental del modernismo de Monet. Representa un amanecer brumoso sobre un puerto francés con un fondo muy borroso. Los tonos naranja y amarillo elegidos por Monet contrastan tan marcadamente con los barcos más oscuros que el espectador apenas puede ver los detalles.

El estilo de pintura libre de Monet y el uso de la abstracción evocan los sentimientos y experiencias que tuvo al pintar la escena del puerto, lo cual era muy raro para un pintor de la época. Además, el título de su obra transmite el carácter efímero de su pintura, ya que se basa íntegramente en lo que Monet observó al amanecer.

Esta pintura es muy inusual en comparación con la obra de Monet de la época y el movimiento impresionista en su conjunto, ya que muestra poco del enfoque impresionista de la luz y el color. Los colores elegidos son increíblemente sobrios, y en algunos lugares los fragmentos de lienzo dejados por Monet son completamente visibles.

La obra de Monet se consideraba muy atmosférica y subjetiva más que analítica, lo que se convertiría en una característica importante del arte moderno. Monet redujo el detalle al mínimo en Impresión, amanecer, un cuadro que utilizó una técnica efímera y casi abstracta. Como resultado, su estilo de pintura recibió más atención que la composición misma, lo que enfureció al público de la época. Los espectadores incluso afirmaron que no podían identificar lo que estaban viendo.

Esta obra se considera un precursor importante del modernismo debido a las técnicas que utilizó Monet en Impresión, Amanecer, ya que utilizó una variedad de técnicas que luego informaron a otros movimientos modernos.

Georges Seurat (1859 – 1891)

Georges Seurat fue un importante artista neoimpresionista francés cuyas pinturas parecen sobrevivir a su reputación. Seurat cambió la dirección del arte moderno al ser pionero en el movimiento neoimpresionista, que surgió en la Francia moderna cuando los pintores buscaban nuevas formas de explorar. La pintura más famosa y de mayor tamaño de Seurat es su obra maestra de 1884-1886 Tarde de domingo en la isla de Grande Jatte, una importante obra neoimpresionista.

La obra de Seurat muestra a personas relajándose en un parque en una isla llamada “La Grande Jatte” en el río Sena, que era un lugar popular para las clases media y alta en París en el siglo XIX. Lo que hace que esta pintura sea tan sorprendente es que su tema captura algo tan aburrido y mundano como una tarde de domingo normal, manteniendo al mismo tiempo un aire de misterio.

A primera vista, la obra parece ser una pintura de gente corriente relajándose en un parque. Sin embargo, tras una inspección más cercana, surgen algunas imágenes muy extrañas. Por ejemplo, la señora que sostiene un paraguas a la derecha parece caminar con un mono, mientras que la niña con un vestido blanco en el centro del cuadro es la única figura sin sombra.

Además, las extrañas obras de Seurat introdujeron un nuevo estilo de pintura llamado puntillismo, una técnica que todavía se conoce con ese nombre en la actualidad. El desarrollo de esta técnica pictórica fue muy sistemático, casi científico, pero relativamente fácil de copiar por otros artistas. Seurat comenzó con una capa de pequeños trazos horizontales de colores complementarios, luego añadió pequeños puntos encima que, desde la distancia, parecen sólidos y brillantes.

Esto se hizo para probar su teoría de que el punteado podía crear colores más vivos que los trazos porque los ojos del espectador podían combinar colores visualmente desde la distancia. Esto resultó en un cambio fundamental en la era del arte moderno, ya que a los artistas se les dio otra forma de definir la forma de su trabajo en lugar de utilizar los viejos métodos tradicionales.

Enrique Matisse (1869-1954)

Henri Matisse fue un importante artista del movimiento fauvista, conocido por su uso expresivo del color y técnicas de pintura fluidas y originales. Matisse es generalmente considerado un artista que ayudó a definir desarrollos revolucionarios en las artes visuales, y algunas de sus pinturas son obras importantes del modernismo temprano.

Una de las obras titulada “La felicidad de la vida” fue creada entre 1905 y 1906. En esta obra, Matisse representa figuras desnudas vestidas de verde azulado y rosa bailando, cantando y retozando en un aparentemente completo y colorido Jardín del Edén.

Al enfatizar y simplificar las figuras en ángulos extraños, Matisse logró enfatizar el lienzo como un simple medio bidimensional capaz de contrastes de color armoniosos, en lugar de una representación precisa de la naturaleza.

Matisse separó el color de la lógica en su obra, ya que utilizaba estos tonos brillantes como medio de expresión y no tenían ningún significado visual. Se cree que esta técnica se utilizó para introducir el concepto de primitivismo en el modernismo del siglo XX, y artistas como Matisse eligieron representar obras de arte simples e inocentes en una era dominada por la rápida industrialización y modernización. Además, la obra de Matisse insinuaba en gran medida el nuevo reino emergente del modernismo.

Giacomo Barra (1871 – 1958)

El artista futurista Giacomo Balla creó algunas obras de arte muy famosas en el contexto del arte contemporáneo. Balla, uno de los principales defensores del futurismo, representó hábilmente la luz, el movimiento y la velocidad en sus obras. Lo que lo diferencia de otros futuristas es que su interés por el movimiento no se limita al producido por las máquinas, lo que hace que su trabajo sea bastante divertido e ingenioso.

La obra más famosa de Balla, y la más famosa del movimiento futurista, es su cuadro de 1912 “La vitalidad de un perro con correa”. En este trabajo, Barra combina ideas del arte y la ciencia, influenciado por su fascinación por los estudios a intervalos de animales en movimiento. La fotografía a intervalos es una técnica que toma muchas fotografías en rápida sucesión para capturar el movimiento de un sujeto.

La pieza representa a un perro salchicha negro caminando con una mujer que lleva falda y zapatos oscuros, lo que contribuye a la sensación monocromática de la pintura. Tanto el personaje como las patas del perro están representados en rápido movimiento, como lo demuestra el ligero desenfoque y duplicación de sus partes y la gran representación de la correa del perro.

Una característica sorprendente de esta obra de arte es la tranquila sinceridad que sugiere el perro tembloroso. Entonces, si bien el título expresa el movimiento animado que se ve en los movimientos del perro, contrasta con la tranquila honestidad presente en la obra.

Para mejorar la sensación de velocidad, Barra dibujó el terreno en diagonal y colocó su firma y fecha en ángulos agudos. La obra se basa en características importantes del modernismo, como la fascinación por la velocidad y la tecnología, que luego fueron evocadas en otros movimientos modernos.

Pablo Picasso (1881-1973)

El artista español Pablo Picasso fue un artista importante en el movimiento cubista. Sus obras se dividen en diferentes períodos, como el Período Azul y el Período Rosa, lo que le permitió a Picasso experimentar con una variedad de estilos. Estos incluyen el cubismo analítico y el cubismo sintético, así como el uso de algunos elementos del neoclasicismo y el surrealismo en sus obras posteriores.

De todas sus obras cubistas, la pintura de 1907 Les Demoiselles d’Avignon sigue siendo una de las más famosas. Considerado el fundador esencial del movimiento cubista, la obra de Picasso provocó una considerable controversia por sus representaciones de escenas de burdeles y las formas ásperas, salientes y abstractas que utilizaba para representar a las mujeres.

Al pintar Les Demoiselles d’Avignon, Picasso se inspiró en una variedad de fuentes, incluido el arte tribal africano, el expresionismo y las obras postimpresionistas de Paul Cézanne. Estas fuentes son evidentes en la obra de Picasso, como lo demuestra la imitación de máscaras africanas en los rostros de muchas mujeres, así como la deconstrucción escultórica del espacio en la obra de Cézanne.

La variedad de estilos utilizados en esta pintura representa claramente un punto de inflexión en la carrera de Picasso, al tiempo que distingue con éxito su versión del arte moderno de la tradición del arte occidental. Por lo tanto, la integración de estas diferentes fuentes en una sola pintura demuestra un nuevo enfoque de la creación artística adoptado por el artista. También muestra cómo los horizontes de los artistas se ampliaron a medida que el movimiento modernista iba ganando impulso.

Marcel Duchamp (1887-1968)

Marcel Duchamp es ampliamente considerado como uno de los artistas más influyentes que ayudaron a definir el desarrollo innovador del arte visual a principios del siglo XX. Además, Duxiu también es reconocido como el portavoz del movimiento dadaísta y es uno de los contribuyentes más importantes al movimiento dadaísta.

La invención de Duchamp del “readymade”, en el que utilizó objetos cotidianos y los llamó obras de arte, conmocionó a las escuelas de arte formales y tradicionales. Utilizando objetos ordinarios, a veces considerados basura, Duchamp logró separar los objetos de sus funciones utilitarias, presentándolos como nuevas formas de arte. Duchamp contribuyó así a remodelar la naturaleza del arte moderno.

Su obra más famosa, pintada en 1917, sigue siendo “Fontaine”. Para la escultura completa, Duchamp utilizó un urinario comercial y lo firmó bajo el seudónimo de “R. Mutt” antes de presentar la obra a una exposición en la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York. “Fuente” generó una gran polémica tras su presentación: la empresa finalmente rechazó la escultura de Duchamp, lo que causó un gran revuelo en el mundo del arte de la época.

Duchamp utilizó sus esculturas para demostrar que una gran obra de arte ya no requería un acto de creación, pues el artista sólo necesitaba poseer las cualidades de una obra de arte para ser considerado una obra de arte. Esta idea se extendió rápidamente por Europa y otras partes del mundo, influyendo en las técnicas de creación artística existentes. Por ello, esta escultura dadaísta se considera un hito importante en la vanguardia del arte moderno del siglo XX.

Salvador Dalí (1904-1989)

El artista español Salvador Dalí fue una figura importante del movimiento surrealista, conocido por sus habilidades técnicas, pictóricas y las imágenes extraordinarias y únicas de sus obras. Su pintura de 1931 La persistencia de la memoria es una obra de arte muy famosa.

La pintura representa un paisaje espeluznante de una manera muy orgánica, con el tiempo representado como una serie de relojes derretidos rodeados de hormigas que se arrastran. La idea de la decadencia como un proceso natural fascinó a Dalí, y la idea ha sido recurrente a lo largo de la historia entre los críticos que intentan comprender el significado de su obra.

Sin embargo, cuando se le preguntó sobre el significado de su obra, Dalí afirmó repetidamente que no conocía su significado. Además, se negó a asociar las ilustraciones de sus relojes con conceptos tangibles, refiriéndose a ellos simplemente como “gráficos circulares del tiempo”.

Al crear inquietantes paisajes oníricos en pinturas modernistas, Dalí logró pintar imágenes sólidamente absurdas. Dalí desarrolló una técnica llamada Método de la Crítica Paranoica, en la que inducía un estado hipnótico en sí mismo. Creía que esto lo liberaría de la realidad, porque sólo en este estado mental libre podrían aparecer ante él las escenas de sus cuadros. Por lo tanto, en “La persistencia de la memoria”, el subconsciente de Dalí creó un espacio vacío metafórico donde el tiempo en realidad no tiene poder.

La obsesión de Dalí por las imágenes oníricas y las metáforas consolidó su lugar dentro del movimiento surrealista de principios del siglo XX. Además, tradujo ideas ilimitadas y aparentemente locas en sus pinturas, en referencia a la creciente libertad artística y experimentación dentro del modernismo.

Jackson Pollock (1912-1956)

El expresionismo abstracto se desarrolló como movimiento de posguerra en Nueva York en la década de 1940, y Jackson Pollock se convirtió en uno de sus artistas más famosos. Además de definir el concepto de pintura de acción, Pollock también desarrolló su estilo de pintura “goteo”, que le ha llevado a ser considerado uno de los poderosos impulsores del arte modernista abstracto.

La pintura por goteo implicó que Pollock colocara un lienzo horizontalmente en el piso, luego usara un pincel o una lata de pintura para moverse por el lienzo y gotear pintura donde quisiera. Este estilo de pintura modernista permitió a Pollock descubrir un nuevo lenguaje visual abstracto desde su subconsciente, más allá de las técnicas del surrealismo.

Una de sus importantes pinturas de goteo creada en 1950 es Ritmo de otoño (No. 30). En ese momento, Pollock estaba en la cima de su carrera y estaba creando esta pintura no representativa utilizando lienzo sin estirar y pintura diluida. Pollock colocó el lienzo en el suelo y goteó, goteó, untó, vertió, sacudió y arrojó pintura sobre el lienzo. Luego utilizó palos y cuchillos para amplificar e intensificar las densas composiciones líricas, que incluyen intrincados laberintos de líneas.

En Ritmo de otoño (No. 30), no hay un enfoque principal ni un orden de elementos, lo que permitió a Pollock crear una composición en la que cada parte de la superficie se considera igual. En algunos lugares, la obra de Pollock evoca elementos del impresionismo y el surrealismo. El trabajo de Pollock hizo una contribución importante al arte moderno porque demostró la libertad absoluta y el eclecticismo del artista en la experimentación.

Andy Warhol (1928-1987)

Finalmente, Andy Warhol fue un famoso artista pop de la era del arte moderno. Al crear obras de arte a partir de reproducciones comerciales, Warhol apoyó el concepto de arte modernista, celebrando el desarrollo de la tecnología y el uso de las máquinas. Su serigrafía de 1962 Marilyn Diptych es una obra de arte icónica, apropiada tanto para la era modernista como para la posmodernista.

Como parte de su obra, Warhol produjo en masa una imagen de la famosa Marilyn Monroe utilizando métodos de serigrafía, repitiendo la imagen de su rostro 50 veces en color y en blanco y negro. A primera vista, el tamaño del rostro de Monroe inspiró admiración por el ícono legendario. Sin embargo, Warhol eligió esta imagen simplemente por su importancia en la cultura popular de la época y la inmortalizó como arte.

El Díptico de Marilyn, así como otras obras de Warhol, abrazan los conceptos del modernismo a través de constantes referencias al consumismo y la comercialización. Además, los avances tecnológicos se demuestran a través de los métodos de producción elegidos, y Warhol demuestra el impacto de la cultura popular en la sociedad de la época.

Del modernismo al posmodernismo

Si bien algunos historiadores del arte creen que los principios del arte modernista han continuado hasta el siglo XXI, otros dicen que evolucionaron hasta convertirse en un movimiento ahora conocido como posmodernismo. Se dice que el movimiento representa un alejamiento deliberado de los valores modernistas que anteriormente habían guiado la producción artística y abarcaban una gama más amplia de enfoques artísticos como las artes visuales, la literatura, el diseño y otras vías.

Aunque el modernismo existía como una nueva forma de arte en ese momento, eventualmente se manifestó en todas las instituciones contra las que inicialmente se rebeló. Esto condujo al desarrollo del posmodernismo, que buscó romper las reglas de estilo establecidas e intentó introducir más libertad en la creación artística.

El posmodernismo se define por una actitud de desconfianza e ironía, ya que rechaza abiertamente la noción de que el arte o la vida tengan algún valor intrínseco. El posmodernismo comenzó a surgir en las décadas de 1980 y 1990, criticando conceptos como realidad, naturaleza humana, racionalidad, ciencia, ética y progreso social.

Los artistas posmodernistas comenzaron a experimentar con estilos como el arte digital, el arte conceptual y el arte escénico. El posmodernismo pretende trascender los límites establecidos por el modernismo y luego diseccionar la gran narrativa del arte moderno para estudiar los códigos culturales, la política y las ideologías sociales dentro de su contexto inmediato.

Es este enfoque en el concepto del mundo circundante lo que distingue el arte posmoderno del arte moderno y señala al posmodernismo como un factor único en el desarrollo del arte moderno. Posteriormente, el posmodernismo exploró varios movimientos, incluido el arte conceptual, el arte feminista, el arte de instalación y el arte escénico.

El modernismo fue un período artístico que reunió una variedad de diferentes movimientos artísticos bajo un mismo título. Los modernistas buscaron reflejar con precisión la sociedad tal como la percibían y utilizaron una variedad de estilos que capturaban plenamente sus pensamientos y sentimientos. Por lo tanto, el arte moderno fue un período de experimentación y rebelión, donde los aspectos tradicionales que previamente habían determinado la creación artística fueron rechazados y reemplazados por tecnologías del mundo industrializado en rápida evolución.