El expresionismo abstracto es un movimiento artístico que surgió en Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial a mediados del siglo XX. Se dice que fue el primer movimiento artístico claramente estadounidense que existió, alcanzó fama mundial y eclipsó el gran estatus de París como centro del mundo del arte occidental moderno. El expresionismo abstracto incorporó diferentes estilos y técnicas, a menudo poco convencionales y poco prácticas, para enfatizar la libertad que tenían los artistas para expresar sus actitudes y sentimientos. En este artículo, analizaremos las características y estilos del expresionismo abstracto, así como algunos de los principales artistas expresionistas abstractos que definieron el movimiento. ¡Siga leyendo para aprender más sobre el movimiento revolucionario en la pintura estadounidense!
Tabla de Contenido
- 1 ¿Qué es el expresionismo abstracto?
- 2 Artistas famosos que dieron forma al expresionismo abstracto
- 3 Una definición adecuada de expresionismo abstracto
- 4 Características e influencias del expresionismo abstracto
- 5 Características comunes del expresionismo abstracto
- 6 Artistas expresionistas abstractos famosos y sus obras
- 7 El legado del expresionismo abstracto
- 8 Preguntas frecuentes
¿Qué es el expresionismo abstracto?
El expresionismo abstracto se originó en los Estados Unidos como un movimiento artístico de posguerra que surgió en la década de 1940. Es una nueva forma de arte abstracto estadounidense. Se considera muy importante porque fue el primer movimiento artístico panamericano y tuvo tal impacto en muchos artistas de todo el mundo que hizo que Europa desapareciera del radar como centro del arte moderno.
Aunque el movimiento expresionista abstracto se extendió relativamente rápido en los Estados Unidos, se considera que el centro del estilo es Nueva York y el área de la Bahía de San Francisco, California, donde muchos pintores estadounidenses definieron el estilo expresionista del movimiento. También conocida como la “Escuela de Nueva York”, el expresionismo abstracto se centró en el uso del movimiento y la expresión impulsivos y los incorporó al proceso creativo de la época.
Instituciones como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, fundado en 1929, atrajeron a muchos modernistas europeos con exposiciones innovadoras que acercaron el cubismo y el arte abstracto al público. Otras instituciones importantes que promovieron el modernismo y el arte abstracto fueron el Museo de Pintura No Objetiva, que luego se convirtió en el Museo Solomon R. Guggenheim.
Sin embargo, el movimiento nunca fue considerado un tipo formal de asociación, ya que los artistas que practicaban el expresionismo abstracto simplemente compartían los mismos intereses comunes asociados con este estilo. Después de presenciar el horror y la brutalidad de la Segunda Guerra Mundial, los artistas comenzaron a rebelarse contra la creación de representaciones idílicas de la vida.
Su creencia de que las técnicas artísticas tradicionales ya no podían capturar lo que sabían que era una verdadera imagen de la vida fue derribada en el período de posguerra.
Los artistas expresionistas abstractos comenzaron a explorar diferentes formas de expresar sentimientos y emociones a través de símbolos abstractos y gestuales y dramáticos campos de color. En lugar de representar figuras, el artista se retiró al reino de la abstracción, donde se desarrolló un nuevo interés por la meditación y la introspección que se reflejó en las obras de arte creadas. Para crear un impacto emocional en las obras abstractas, los pintores de color trabajan con grandes cantidades de pintura que se aplican generosamente al lienzo e incorporan pintura de acción en su proceso para crear marcas más expresivas.
Se valoraron mucho elementos como la espontaneidad y la improvisación, y los artistas expresionistas abstractos utilizaron su libertad artística para romper con las convenciones establecidas a través de la técnica y la temática. Impulsados por esta búsqueda de liberación, los artistas de repente crearon obras a gran escala que existían como observaciones y expresiones de sus mentalidades personales. Además de la influencia de las instituciones artísticas en la difusión del expresionismo abstracto, los artistas desplazados por las secuelas de la guerra, incluidos Piet Mondrian, Salvador Dalí y Max Ernst, también ayudaron a corregir las percepciones estadounidenses del arte moderno europeo. Expresionismo. Las obras de estos artistas respetados e introdujeron técnicas como el automatismo psíquico.
En esencia, las pinturas expresionistas abstractas se resisten a la clasificación estilística, pero las obras de arte a menudo se agrupan según dos preferencias principales. Las pinturas enfatizan gestos vivos y ardientes o un enfoque contemplativo y más intelectual en campos abiertos de color.
En ambos casos, las imágenes creadas en las obras expresionistas abstractas no tenían una forma clara, incluidas imágenes basadas en situaciones visuales reales.
Artistas famosos que dieron forma al expresionismo abstracto
Entonces, ¿qué significa “expresionismo abstracto”? ¿Quiénes fueron las figuras clave en la configuración de este movimiento artístico revolucionario? A finales de la década de 1940, se dieron muchos factores que permitieron que el nuevo movimiento artístico se introdujera en la sociedad. Al artista Clifford Steele se le atribuye el lanzamiento del movimiento en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Su obra muestra una marcada transición del arte figurativo a las monumentales obras abstractas.
Con las grandes retrospectivas de Pablo Picasso y la fama de modernistas como Henri Matisse, el arte moderno estadounidense también estuvo influenciado por la obra de Hans Hofmann. Inspirado por sus enseñanzas, Hans Hofmann admiró el estilo de estos dos famosos artistas modernos. Jackson Pollock también es considerado un pionero del movimiento en 1947, revolucionando la abstracción en el arte con su invención de la técnica del goteo y la pintura de acción.
Willem de Kooning fue otro artista influyente en el desarrollo del movimiento. Su serie Mujeres, creada entre 1950 y 1953, eliminó elementos como la composición, la ubicación, la luz y las relaciones hasta el punto de que los personajes fueron vistos como meras abstracciones y no como personas.
La muestra más dramática de solidaridad grupal ocurrió en 1951, cuando un grupo de artistas boicoteó una exposición de arte contemporáneo en el Museo Metropolitano de Arte. Luego los animaron a posar para una revista y los etiquetaron como “gruñones”. La fotografía dio a los artistas un sentido de identidad y propósito común, popularizando el término “expresionismo abstracto” y estableciendo así firmemente el movimiento.
Una definición adecuada de expresionismo abstracto
El término expresionismo abstracto se utilizó por primera vez en 1919 en la revista alemana Der Strum, en referencia al movimiento expresionista alemán. Más tarde, el famoso crítico de arte Robert Coates utilizó el término para describir el arte estadounidense en 1946. Lo utilizó para hablar de Hans Hoffmann, Jackson Pollock, Willem de Kooning, Achille Paintings de Gorky y muchos otros artistas contemporáneos.
El nombre del movimiento proviene de la fusión de la intensidad emocional y el autosacrificio del expresionismo alemán con la estética no figurativa de movimientos como el futurismo, la Bauhaus y el cubismo común. El expresionismo abstracto se considera un movimiento artístico provocativo, anárquico, increíblemente idiosincrásico y algo nihilista que, cuando se aplica a artistas que trabajaban principalmente en Nueva York en ese momento, era claramente expresivo en sus pinturas de diferentes estilos.
Esencialmente, la definición de expresionismo abstracto se utiliza para clasificar obras de arte que no son completamente abstractas ni completamente expresionistas. Ambos tipos de obras de arte se incluyen dentro de la amplia etiqueta de Expresionismo Abstracto debido al estilo presente en la obra. Esto lo demuestran Jackson Pollock y Willem de Kooning, quienes crearon una amplia variedad de arte pero todavía son considerados expresionistas abstractos.
Características e influencias del expresionismo abstracto
Muchos estudiosos creen que fue el contacto y la asimilación del arte moderno europeo por parte de Estados Unidos lo que impulsó el progreso del propio arte moderno estadounidense. Una de las contradicciones centrales del expresionismo abstracto es que las raíces del movimiento estaban en la pintura figurativa popular en la década de 1930. Todos estos artistas sintieron los efectos de la Gran Depresión y sus estilos de pintura maduraron después de la exposición al realismo social y los movimientos vernáculos.
Como resultado de estas experiencias, la mayoría de los artistas que trabajaron durante esta época serían posteriormente clasificados como expresionistas abstractos en función de las características que aparecían en sus obras.
Después de la Segunda Guerra Mundial, el clima político resultante no apoyó las protestas sociales expresadas por los artistas del realismo social. El expresionismo abstracto finalmente se convirtió en el movimiento artístico dominante en los Estados Unidos, y sus obras se exhibieron en varias galerías de Nueva York a principios de la década de 1940. En el período de posguerra, el arte estadounidense estuvo bajo censura, pero a medida que los temas del expresionismo abstracto se volvieron más abstractos, el arte se consideró apolítico y, por lo tanto, aceptable.
La influencia de la Segunda Guerra Mundial en el expresionismo abstracto
En las décadas de 1930 y 1940, muchos modernistas europeos comenzaron a huir de sus países de origen debido a la invasión nazi, huyendo a Nueva York para escapar de la guerra y la agitación política que siguieron. Muchos de los artistas que llegaron a Estados Unidos trajeron consigo ideas y prácticas modernistas europeas y proporcionaron valiosos recursos para el desarrollo artístico posterior. Hans Hofmann fue un pintor y educador influyente que fundó la Academia de Bellas Artes Hans Hofmann, donde formó a muchos artistas destacados.
Los artistas estadounidenses aprendieron muchas técnicas artísticas europeas, como las invenciones formales del cubismo y el automatismo, así como los fundamentos psicológicos que dieron forma al surrealismo. Los expresionistas abstractos estuvieron profundamente influenciados por las exploraciones del inconsciente y las ideas filosóficas existenciales. Así, la afluencia de actividad creativa a Nueva York hizo que los artistas estadounidenses se familiarizaran más con las tendencias europeas en el arte moderno.
Influenciados por los modernistas europeos, la guerra dio a los artistas estadounidenses la capacidad de trascender las influencias artísticas tradicionales europeas y pronto comenzaron a desarrollar una retórica pictórica asociada con su propio país. Los soldados que regresaban de la guerra fueron testigos de muchos desastres, genocidios y atrocidades horribles de los que no podían hablar ni comprender. Los artistas involucrados en la guerra necesitaban una salida para explorar sus experiencias y aprovechar las emociones expresivas y la amplia abstracción que definieron el Art Nouveau.
El expresionismo abstracto, que existía en ese momento, era un movimiento apropiado para que los artistas representaran la inhumanidad vivida durante la guerra.
Los artistas y otros creativos tuvieron que lidiar con la intensificación de la guerra, incluso en áreas como Nueva York donde el libre pensamiento y la razón florecieron como una fusión cultural. Esta paranoia se representó más tarde en el estilo emergente expresionista abstracto, ya que la obra de arte resultante coincidía con la atmósfera de conmoción y ansiedad que se apoderó de la sociedad después de la guerra.
Como resultado, los artistas estadounidenses aprovecharon la ausencia de artistas europeos, aprovecharon la oportunidad de la guerra y comenzaron a liderar el movimiento Art Nouveau. A pesar de ello, el público todavía se mostraba reacio a aceptar estas pinturas expresionistas abstractas como auténticas obras de arte. Fue con la ayuda de artistas de vanguardia e importantes coleccionistas de arte como Peggy Guggenheim que el movimiento pudo beneficiarse de una audiencia más amplia y de un sentido de autenticidad.
Esto finalmente llevó a que el movimiento se convirtiera en lo que es hoy. El movimiento continúa a través de una cuidadosa curación y respeto por las obras de arte de los fundadores del Expresionismo Abstracto.
Surrealismo y expresionismo abstracto
Un predecesor importante del movimiento artístico expresionista abstracto fue el surrealismo, que enfatizaba la creación impulsiva, automática e inconsciente. Aunque a los artistas estadounidenses les molestaba el abierto simbolismo freudiano del movimiento surrealista, sin embargo se sentían inspirados por un gran interés por el inconsciente. El surrealismo también se preocupó por las ideas del primitivismo y la mitología, en particular las enseñanzas del psiquiatra Carl Jung y su influencia en los patrones repetitivos incrustados en el arte expresionista abstracto.
Pintura de acción expresionista abstracta
¿Qué es la pintura de acción? El expresionismo abstracto se entiende visualmente como obras de arte producidas a través de pintura en color y pintura de acción. La pintura de acción enfatiza los movimientos físicos involucrados en la creación de una pintura. Entre los artistas famosos que practicaron la pintura de acción se encuentran Willem de Kooning, Jackson Pollock, Franz Kline y Philip Guston. Una de las técnicas de action paint más importantes nació en 1947 y se llama pintura por goteo. Jackson Pollock, posiblemente el artista más famoso en utilizar esta técnica, vertió y goteó pintura diluida sobre un lienzo sin imprimación colocado en el suelo.
Esto se consideró bastante radical en ese momento, ya que Pollock abandonó los métodos de pintura tradicionales y salpicó pintura sobre el lienzo de una manera aparentemente caótica y desordenada.
Antes de comenzar a experimentar con sus pinturas emblemáticas, Jackson Pollock mostró un gran interés por los temas generales que aparecían con frecuencia en sus primeras obras. Se dice que la famosa obra de Pollock “La Loba”, creada en 1943, está basada en la mitología de su ciudad natal de Roma, lo que muestra la influencia de la mitología en su arte de esa época. La importancia de las ideas mitológicas y psicológicas en las obras de arte también fue demostrada por el artista Adolf Gottlieb, quien a menudo incluía simbolismos arquetípicos en sus pinturas.
Los pintores de acción están más preocupados por el acto físico de pintar que por el contenido que intentan representar. El proceso a menudo implica que el artista salpique y gotee pintura sobre el lienzo, así como pinceladas ásperas y gestuales. Las pinturas creadas utilizando técnicas de pintura de acción se han vuelto completamente no objetivas y tormentosas.
El crítico de arte Harold Rosenberg acuñó el término “pintura de acción” en un artículo de 1952 titulado “American Action Painters”. Lo que todos los pintores de acción tienen en común, dijo, es que todos entienden que la pintura es sólo la representación física de una obra de arte, siempre y cuando el proceso de realización de la obra exista como la verdadera obra de arte. Se cree que la espontaneidad asociada con la pintura de acción representa las luchas por las que pasa el artista inconscientemente y se aplica a la pintura para liberarse y crear una expresión más clara. La pintura de acción siguió siendo popular desde la década de 1940 hasta principios de la de 1960, cuando el minimalismo y el arte pop eclipsaron al expresionismo abstracto.
Pintura de campos de color en el expresionismo abstracto
¿Qué es la pintura de campo de color? El segundo grupo estilístico que dominó el expresionismo abstracto fue el conocido como pintura en tecnicolor. Esta técnica fue aplicada particularmente por Mark Rothko y Kenneth Noland, quienes exploraron los efectos producidos al aplicar colores sólidos al lienzo. El término “pintura de campo de color” fue utilizado por primera vez por el crítico Clement Greenberg en 1955 en relación con las pinturas de Clyfford Still, Barnett Newman y Mark Rothko. Estos artistas crearon pinturas utilizando composiciones simples, con grandes superficies ocupadas por áreas planas individuales, con la intención de crear una respuesta contemplativa y meditativa en el espectador.
Se dice que los artistas de Color Field buscan la trascendencia a través de grandes extensiones de color emotivo que sumergen al espectador e inspiran una sensación de reflexión espiritual y emoción intensa. En estas pinturas, la representación gráfica se simplifica para centrar la atención y crear un impacto esencial a través de los colores utilizados. Los artistas dijeron que su objetivo era crear pinturas que fueran consideradas extraordinarias en lugar de hermosas. La concentración se reduce al representar con precisión un tema, lo que libera a los artistas de estilos de pintura tradicionales obsoletos y les permite centrarse en el efecto del color.
Las pinturas creadas en el estilo de pintura en color tenían como objetivo eliminar la retórica innecesaria y exagerada de obras de arte anteriores, enfatizando el efecto visual del color en el espectador.
Aunque parecen simples, los colores utilizados suelen ser complejos y constan de múltiples tonos, lo que añade profundidad y honestidad a las obras de arte de este período.
Características comunes del expresionismo abstracto
El expresionismo abstracto no siempre se considera un movimiento coherente, ya que los artistas crearon obras que a veces parecen incongruentes. Entonces, quizás te preguntes “¿Qué es el expresionismo abstracto?” Es esencialmente un movimiento artístico en el que las obras de arte creadas exhiben características típicas del movimiento general. Estas técnicas se detallan a continuación.
Motivación para el movimiento de desarrollo
El expresionismo abstracto comenzó en una época extremadamente tensa debido a las secuelas de la Segunda Guerra Mundial. Los artistas se sienten muy limitados en lo que consideran apropiado representar en su trabajo porque ya nada parece real. Así, el expresionismo abstracto proporcionó una liberación creativa muy necesaria para las emociones y pensamientos reprimidos de los artistas.
Inspirado en el surrealismo
Al considerar los movimientos actuales, es fácil preguntar: “¿Qué movimiento artístico tuvo una influencia importante en el expresionismo abstracto?” El movimiento surrealista fue uno de los que precedió e inspiró la expresión abstracta. La espontaneidad y la alegría generadas por la creación subconsciente impulsaron a los expresionistas abstractos a seguir el flujo de las emociones y fomentar una mente abierta al crear obras de arte. Utilice este método en lugar de planificar la obra antes de que el artista la traslade al lienzo.
Explora una gama de colores
Los expresionistas abstractos pudieron experimentar con colores brillantes y diferentes. Los artistas pueden centrarse en los efectos del color en su trabajo porque les fascina cómo el color afecta el estado de ánimo y los pensamientos actuales.
Escala de las obras de arte
Las pinturas expresionistas abstractas suelen ser de mayor tamaño y los artistas optan por utilizar lienzos enormes para crear sus obras. En algunos casos, los artistas incluso utilizan varios lienzos, con la intención de que sean vistos como una obra completa.
Priorizar la perspectiva del artista.
Dado que el expresionismo abstracto no tenía ningún estilo específico, era muy importante la perspectiva y la emoción que el artista aportaba a la obra. En todas las obras de este movimiento, las emociones del artista y del espectador están al frente de la pintura, ya que son más importantes que la imagen real representada.
Importante crítica al expresionismo abstracto
Durante el apogeo del expresionismo abstracto en las décadas de 1940 y 1950, muchas pintoras de Nueva York y San Francisco también crearon obras que siguieron los pasos de las obras más destacadas de sus homólogos masculinos. No obstante, debido a su falta general de representación dentro del movimiento, su participación en el movimiento ha sido excluida en gran medida de la literatura y los libros de texto que documentan la época.
De hecho, el expresionismo abstracto se caracterizó en gran medida como un dominio masculino dominado por hombres blancos que recurrieron a los aspectos más suaves de las bellas artes.
Muchas artistas femeninas también experimentaron con el expresionismo abstracto y crearon obras de arte extraordinarias, pero a menudo se las pasa por alto al examinar el movimiento. Estos artistas incluyen a Helen Frankenthaler, Lee Krasner, Joan Mitchell e incluso Elaine de Kooning, entre otros.
Asimismo, muchos artistas afroamericanos que también practicaban el expresionismo abstracto quedaron atrás. Norman Lewis es un ejemplo importante, ya que su obra adoptó muchas de las características integrales del expresionismo abstracto. Otro artista famoso que fue pasado por alto debido a su raza fue Ed Clark, uno de los primeros en adoptar lienzos con formas. Sin embargo, en 2016, el Museo de Arte de Denver celebró la exposición itinerante “Mujeres del expresionismo abstracto”, y “Mujeres del expresionismo abstracto” finalmente recibió el tan esperado reconocimiento. La exposición es la primera gran exposición que celebra a estas mujeres y presenta más de 50 obras importantes.
Artistas expresionistas abstractos famosos y sus obras
Muchos de los artistas más importantes del movimiento expresionista abstracto se convirtieron en algunos de los artistas más famosos de la historia. En la siguiente sección, exploraremos algunos de los artistas y obras de arte del expresionismo abstracto más famosos del movimiento.
Marcos Rothko (1903 – 1970)
| Nombre del artista | Mark Rothko |
| Fecha de nacimiento | 25 de septiembre de 1903 |
| Fecha de muerte | 25 de febrero de 1970 |
| Nacionalidad | Letón-estadounidense |
| Movimientos, temas y estilos asociados | Expresionismo abstracto, arte moderno, modernismo americano, arte abstracto y pintura de campos de color. |
| Medio | Pintura |
El artista letón-estadounidense Mark Rothko fue un miembro destacado del movimiento expresionista abstracto, mejor conocido por sus coloridas pinturas que representan obras de arte policromadas rectangulares. Rothko es mejor conocido por crear este tipo de pinturas, que pintó entre 1949 y 1970. Su pintura en color más famosa es “No. 6” (Púrpura, Verde, Rojo), que creó en 1951. En línea con sus otras obras de este período, esta pintura ilustra la importancia del trabajo de Rothko y el significado de su estilo dentro del expresionismo abstracto. Cada una de las pinturas en color de Rothko se titula por su diferencia de color y consiste en suaves bandas rectangulares de color que se extienden horizontalmente a través del lienzo.
El número 6 (púrpura, verde, rojo) es un ejemplo importante de la abstracción de color utilizada por los artistas de esta época, enfatizando las pinceladas y la textura pictórica.
Los llamativos colores de Rothko se utilizaron para crear una conexión con la conciencia del espectador, mientras que los tonos vivos permitieron a los individuos estudiar sus propias emociones basándose en la paleta.
Al pintar, Rothko buscaba extraer la esencia de los colores que utilizaba, escogiendo cada color por un motivo concreto. Además, escribió una serie de declaraciones que acompañaron sus pinturas como forma de interpretación.
Clyfford Still (1904 – 1980)
| Nombre del artista | Clyfford Still |
| Fecha de nacimiento | 30 de noviembre de 1904 |
| Fecha de muerte | 23 de junio de 1980 |
| Nacionalidad | Estadounidense |
| Movimientos, temas y estilos asociados | Expresionismo abstracto, arte moderno, modernismo americano, arte abstracto y pintura de campos de color. |
| Medio | Pintura |
Uno de los líderes del expresionismo abstracto estadounidense fue Clifford Still, a quien se le atribuye haber sentado las bases del movimiento. La transición de Clyfford Still de los primeros estilos artísticos a los estilos abstractos se produjo mucho antes que la de otros artistas expresionistas abstractos famosos como Jackson Pollock. Sin embargo, en comparación con sus contemporáneos, Still fue prácticamente desconocido durante muchos años, a pesar de ser considerado uno de los miembros más talentosos del movimiento.
Una de las obras más famosas de Still es 1957-D-No.1, pintada en 1957. Esta obra de arte es parte de un método de pintura en color que es significativamente diferente de las pinturas de campos de color de otros artistas. Siempre combinó colores brillantes y cálidos con líneas delicadas y ondulantes, evocando la idea de lágrimas y rayones en sus cuadros. La pieza evoca imágenes de formas y fenómenos orgánicos, recordando al espectador elementos terrestres como las estalagmitas en las cuevas. Al representar este tipo de objetos, Still da vida a elementos que a menudo están ocultos bajo la superficie de la conciencia cotidiana.
Además, la paleta de colores utilizada por Still en esta pintura juega con los conceptos de luz y oscuridad, reflejando la vida y la muerte.
A pesar del éxito artístico de la obra de Still, se negó a exponer su obra en exposiciones que consideraba de mala calidad, lo que hizo que su reputación fluctuara. Como resultado, cuando Steele murió, poseía aproximadamente el 95% de su colección de arte, parte de la cual nunca volvió a ser vista en público.
Willem de Kooning (1904 – 1997)
| Nombre del artista | Willem de Kooning |
| Fecha de nacimiento | 24 de abril de 1904 |
| Fecha de muerte | 19 de marzo de 1997 |
| Nacionalidad | Holandés-americano |
| Movimientos, temas y estilos asociados | Expresionismo abstracto, arte moderno, modernismo estadounidense, arte de posguerra y pintura de campos de color |
| Medio | Pintura |
Otro líder famoso del movimiento fue el pintor expresionista abstracto Willem de Kooning, que abandonó los Países Bajos para trasladarse a los Estados Unidos en 1926. Además de la obra de arte que creó, de Kooning tuvo un gran impacto en el desarrollo del expresionismo abstracto, así como en el expresionismo abstracto social. y el nivel intelectual de los demás artistas involucrados en el movimiento. Una de las obras importantes que De Kooning produjo durante este período fue Excavación pintada en 1950.
“La excavación” es una de las obras más famosas de De Kooning y la expresión más precisa de su estilo expresionista abstracto, así como su pintura más grande de la época. En la tabla podemos ver varias formas con fuertes resultados. Tras una inspección más cercana, las formas contienen abstracciones de formas familiares que pueden reconocerse después de un período de observación, incluidas formas que se asemejan a pájaros, peces, ojos, mandíbulas y dientes. La obra demuestra el poder expresivo y la organización espacial que caracteriza a la mayoría de las pinturas de De Kooning. La excavación se inspiró en imágenes de mujeres trabajando en campos de arroz en una película neorrealista de 1949.
La tensión entre abstracción y representación es particularmente evidente en gran parte de la obra de De Kooning.
Se cree que esto se basa en su método de pintura, en el que deliberadamente raspaba, eliminaba y añadía color hasta que encontraba y representaba exactamente lo que quería. En “Excavación”, la obra final representa, por tanto, una auténtica excavación de las ideas de De Kooning, que siguió siendo uno de los pintores de acción más gestuales del expresionismo abstracto.
Barnett Newman (1905-1970)
| Nombre del artista | Barnett Newman |
| Fecha de nacimiento | 29 de enero de 1905 |
| Fecha de muerte | 4 de julio de 1970 |
| Nacionalidad | Americana |
| Movimientos, temas y estilos asociados | Expresionismo abstracto, arte moderno, pintura de campos de color, pintura de bordes duros y arte abstracto. |
| Medio | Pintura |
El artista estadounidense Barnett Newman fue un miembro importante del movimiento expresionista abstracto y uno de los líderes de la pintura en color. Las pinturas de Newman son famosas por su capacidad para expresar lo local y lo fortuito. Entre sus pinturas, quizás su obra más famosa sea Vir Heroicus Sublimis (1950-1951), que se traduce como “El hombre, el héroe y lo sublime”.
Vir Heroicus Sublimis, una de las pinturas más grandes de Newman de la época, representa una superficie completamente roja dividida por dos líneas verticales, que el artista llamó “cremallera”. Newman quería que el público viera sus pinturas desde una perspectiva cercana, permitiendo que los colores envolvieran completamente al espectador.
Newman creía que este uso extensivo de colores brillantes hablaba de la química inherente que dos personas crean cuando se conocen por primera vez, del mismo modo que ver su trabajo evoca las mismas emociones poderosas.
Aunque el tamaño monumental y la simplicidad de la obra aumentan su importancia como obra expresionista abstracta, Newman crea una conexión significativa entre la pintura y el espectador a través de su uso del color.
Norman Lewis (1909-1979)
| Nombre del artista | Norman Lewis |
| Fecha de nacimiento | 23 de julio de 1909 |
| Fecha de muerte | 27 de agosto de 1979 |
| Nacionalidad | Americano |
| Movimientos, temas y estilos asociados | Renacimiento de Harlem, expresionismo abstracto y arte moderno |
| Medio | Pintura y educación |
Norman Lewis es uno de los pintores afroamericanos más importantes y su obra fue en gran medida ignorada por galerías y museos a lo largo de su carrera. Sin embargo, su contribución al expresionismo abstracto es innegable.
Una reciente retrospectiva en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, así como su participación en una importante exposición de expresionismo abstracto británico, han comenzado a revertir la exclusión de su obra de la historia del arte.
Uno de sus cuadros más importantes es “Evening Party”, que pintó en 1962. Lewis utiliza su arte como un lugar de escapismo y trabaja a través de la experiencia cargada de emociones de ser una persona de color en Estados Unidos. Evening Rendezvous es conocido por sus tonos únicos de rojo, blanco y azul, y la paleta de colores de Louise hace referencia a la bandera estadounidense. Las figuras blancas, aunque abstractas, evocan imágenes de miembros del Klan encapuchados reunidos alrededor de una fogata.
El trabajo de Lewis se basó en el llamado patriotismo que existía en Estados Unidos en ese momento, como lo demuestra la aprobación de la Ley de Derechos Civiles dos años después. El fondo de Encuentro nocturno representa el uso que hace Louis de toques de color atmosféricos para controlar el estado de ánimo que intentaba crear, como lo demuestra el estado de ánimo oscuro presentado en esta pintura.
Franz Kline (1910 – 1962)
| Nombre del artista | Franz Kline |
| Fecha de nacimiento | 23 de mayo de 1910 |
| Fecha de muerte | 13 de mayo de 1962 |
| Nacionalidad | Americano |
| Movimientos, temas y estilos asociados | Expresionismo abstracto, arte moderno y pintura de acción. |
| Medio | Pintura |
El artista estadounidense Franz Kline creó un lenguaje visual en su trabajo diferente al de sus pares, lo que lo convirtió en una gran influencia en el expresionismo abstracto. La técnica que utilizó y la vivaz energía con la que pintó incorporaron con precisión los principios del movimiento, lo que aumentó su importancia como pintor de acción. Una de las obras famosas de Kline de este período es El jefe, pintada en 1950.
Kline comenzó su carrera como ilustrador y, cuando empezó a pintar, solía proyectar grandes imágenes de sus diseños en las paredes. Un día, después de hacer zoom en una imagen demasiado grande, solo una pequeña porción de la imagen mostraba líneas negras densas y nítidas. Klein quedó tan sorprendido por la abstracción presente en esta parte de la pintura que comenzó a centrarse únicamente en representar formas y elementos abstractos en su obra.
Las partes contrastantes en blanco y negro de “El Jefe” han sido objeto de especulación durante años, ya que no parece claro qué objeto eliminó Kline al crear la obra de arte. Se cree que el uso excesivo del negro, que se ve a menudo en otras obras de Crane, está relacionado con la infancia que pasó en una comunidad minera.
Kline utilizó pinceles grandes y pinturas domésticas para crear sus obras, y sus pinturas son casi completamente irreconocibles de sus temas originales.
Sin embargo, la vitalidad y energía con la que creó sus obras parece conectarlas con los títulos que les dio Klein, haciendo de sus pinturas ejemplos sobresalientes de pintura de acción. Aunque las pinturas de Kline parecen vívidas y urgentes, su ejecución es siempre reflexiva y planificada.
Jackson Pollock (1912-1956)
| Nombre del artista | Jackson Pollock |
| Fecha de nacimiento | 28 de enero de 1912 |
| Fecha de muerte | 11 de agosto de 1956 |
| Nacionalidad | Americano |
| Movimientos, temas y estilos asociados | Expresionismo abstracto, arte moderno, pintura de acción y técnica del goteo |
| Medio | Pintura |
Uno de los nombres más sinónimos del movimiento expresionista abstracto es el del artista estadounidense Jackson Pollock, famoso por su técnica de goteo. Aunque Pollock no fue el primer artista en utilizar esta técnica, se le considera quien la incorporó con éxito a su obra.
Pollock utilizaría más tarde esta técnica en la mayoría de sus pinturas expresionistas abstractas, todas las cuales todavía se conocen en la actualidad.
Una de las obras más importantes de Pollock es su cuadro “Autumn Rhythm” (núm. 30), creado en 1950. Pollock utilizó su famosa técnica del goteo, en la que se vertía pintura y se salpicaba desde una altura sobre un lienzo sin imprimación colocado en el suelo. Se cree que este proceso de pintura expresa su agitación emocional interna, ya que Pollock era conocido por su personalidad voluble. Pollock incorporó líneas y texturas gestuales a su trabajo, lo que representó un gran avance para Pollock y su carrera. Además de su errático proceso de pintura, Pollock dejó de dar títulos sugerentes a sus pinturas al principio de su carrera. En cambio, simplemente empezó a numerar sus pinturas porque creía que los números eran más neutrales. Pollock creía que esto permitía al espectador experimentar la pureza de la pintura sin hacer referencia a un título predeterminado.
Helena Frankenthaler (1928 – 2011)
| Nombre del artista | Helena Frankenthaler |
| Fecha de nacimiento | 12 de diciembre de 1928 |
| Fecha de muerte | 27 de diciembre de 2011 |
| Nacionalidad | Americana |
| Movimientos, temas y estilos asociados | Expresionismo abstracto, abstracción pospictórica, abstracción lírica, pintura de campos de color y arte moderno |
| Medio | Pintura |
Una de las artistas expresionistas abstractas más famosas fue la artista estadounidense Helen Frankenthaler, quien conoció el mundo del arte de Nueva York gracias a su amigo y crítico de arte Clement Greenberg. Antes de convertirse en miembro activo del movimiento expresionista abstracto, Frankenthaler pasó un verano estudiando con Hans Hofmann e incluso visitó la primera exposición de Jackson Pollock. La carrera de Frankenthaler abarcó más de sesenta años y fue una de los pocos artistas que abarcó varias generaciones de expresionistas abstractos.
Su obra más famosa es “Montaña y Mar” (1952). Esta es una de sus obras más importantes ya que fue una de las primeras pinturas a gran escala que creó. Además de su tamaño monumental, Montaña y mar refleja el alejamiento de Frankenthaler de los medios y superficies tradicionales y los inicios de su técnica característica.
Además, esta obra de arte existe como una pintura de campo de color importante debido a la manipulación del color utilizada por Frankenthaler.
En lugar de tratar la pintura como una capa sobre lienzo, Frankenthaler diluyó sus óleos y acrílicos con trementina para lograr la consistencia de las acuarelas. Después de colocar el lienzo sin imprimación en el suelo, Frankenthaler vertió, goteó, frotó, limpió y enrolló pintura sobre el lienzo “Montañas y mar”, aplicando ligeramente sus suaves efectos lavados. El efecto que crea es intenso, ya que la pintura se hunde completamente en el lienzo y adquiere un efecto transparente.
Este proceso dio al trabajo de Frankenthaler control y espontaneidad, una combinación que fue un principio fundamental del expresionismo abstracto. Mountain and Sea se inspiró en uno de los viajes de Frankenthaler a Nueva Escocia, como lo demuestra la impresionante luz y el brillo que logró en esta obra de arte.
El legado del expresionismo abstracto
Desde 1943 hasta principios de la década de 1950, la primera generación del movimiento expresionista abstracto estuvo en pleno apogeo. Desde entonces, la forma de arte parece haber ganado popularidad. De hecho, los mayores logros de este movimiento se basan en el conflicto entre caos y control que existe en la sociedad y que sólo puede expresarse y desarrollarse de diversas maneras. Artistas como Mark Rothko y Barnett Newman llevaron el arte abstracto a un estilo que era demasiado minimalista y no dejaba margen de mejora, y el estilo evolucionó lentamente en la década de 1960.
Esto allanó el camino para el desarrollo de una nueva forma de arte impulsada por artistas jóvenes que no estaban motivados por crear una obra destacada tras otra. Artistas como Andy Warhol y Robert Rauschenberg estaban menos dispuestos a seguir los pasos de este movimiento abiertamente masculino y, en cambio, comenzaron a crear arte en nuevos estilos a través de una lente queer. El expresionismo abstracto desvió la atención mundial de Europa a Estados Unidos, convirtiendo a Nueva York en el centro cultural y artístico que es hoy. Aunque los temas e ideas que inspiraron el expresionismo abstracto han perdido su poder para persuadir a las nuevas generaciones de artistas emergentes, el legado y las contribuciones del movimiento siguen siendo importantes.
El movimiento expresionista abstracto llevó a muchos artistas que practicaban el género a experimentar con diversas técnicas inspiradas en el surrealismo y a estar expuestos al modernismo europeo. A través de su arte, los artistas pudieron revelar el alma de la sociedad devastada por la Segunda Guerra Mundial y al mismo tiempo fueron pioneros en estilos artísticos revolucionarios que cambiaron para siempre la faz del arte moderno.
Preguntas frecuentes
¿Qué es el expresionismo abstracto?
El expresionismo abstracto es una rama del arte abstracto que hace referencia a un movimiento artístico que surgió en Nueva York en la década de 1940 después de la Segunda Guerra Mundial. El movimiento se define por el desarrollo de nuevas formas de creación de arte abstracto que se moldearon a través de la presencia del gesto. Un movimiento que enfatiza el arte.
¿Cuáles son las características del expresionismo abstracto?
Entre las principales características del Expresionismo Abstracto destaca la aparición de pinceladas libres y espontáneas creadas mediante diferentes técnicas de pintura gestual. Este arte suele ser no representativo y enfatiza la inmediatez de los símbolos gestuales.
¿Qué técnicas utilizó el expresionismo abstracto?
Las dos técnicas principales utilizadas por el expresionismo abstracto incluyen la pintura de acción y la pintura de campos de color. La pintura de acción se utiliza para crear patrones espontáneos en el arte, también conocida como abstracción gestual, mientras que la pintura de campos de color implica el uso de grandes áreas de obras de arte cubiertas con colores planos que a menudo representan formas geométricas. Los mejores ejemplos de ambas técnicas son las obras de Mark Rothko y Jackson Pollock.
