Pablo Picasso es quizás la figura más importante en la historia del arte del siglo XX. La variedad de las obras de arte de Pablo Picasso no es el resultado de un cambio dramático en el estilo a lo largo de su carrera, sino que se basa en su compromiso de evaluar objetivamente las formas y los métodos más adecuados para lograr el impacto deseado para cada obra de arte. No hay duda de que la obra de Picasso está destinada a ser entretejida en el tapiz de la humanidad como la mayor obra de arte jamás creada.
Tabla de Contenido
La vida y el arte de Picasso
Antes de los 50 años, el célebre artista se había consolidado como la figura más célebre del mundo del arte contemporáneo, con la creación estética y artística más diferenciada. Antes de Picasso, ningún otro creador tuvo tanta influencia en el mundo del arte, ni gozó de tan alta reputación entre la crítica.
Durante su dilatada carrera, Picasso produjo alrededor de 20.000 dibujos, pinturas y esculturas, entre otros objetos como vestuario y decorados.
Es considerado uno de los pintores más importantes y aclamados del siglo XX a nivel mundial. Pionero artístico, se le considera miembro fundador del movimiento cubista junto con Georges Braque. El cubismo fue un movimiento cultural que cambió para siempre el panorama europeo de la escultura y la pintura, así como la arquitectura, la música y la escritura.
Los motivos y artefactos cubistas se abstraen y se recombinan.
Cuando Picasso y Braque sentaron las bases del cubismo en Francia entre 1910 y 1920, fue tan influyente que inspiró ramas del dadaísmo, el futurismo y el constructivismo en otros países. A Picasso también se le atribuye la invención de la escultura hecha por el hombre y la co-invención de la forma de arte del collage. También se le considera uno de los tres pintores del siglo XX conocidos por desarrollar los principios de las artes visuales.
Mediante la manipulación activa de sustancias que no habían sido cortadas o talladas antes, esta forma de arte innovadora lideró el avance social de la cultura en pintura, escultura, impresión y cerámica. Estas sustancias no son solo plásticos. Pueden tener una forma u otra, generalmente en tres dimensiones. Los artistas utilizan yeso, metal y madera para crear obras de arte escultóricas innovadoras nunca antes experimentadas por el público.
Pero, ¿Cuándo nació Picasso y cuándo murió Picasso? Antes de profundizar en su estilo y en las famosas pinturas de Picasso, echemos un vistazo a la biografía de Pablo Picasso.
Biografía de Picasso
La inclinación de Picasso por crear obras de todo tipo le valió una vida de gran reconocimiento. Desde su muerte en 1973, su importancia como artista y su influencia sobre otros pintores no ha hecho más que aumentar. Para entender cómo se hizo famoso, echemos un vistazo a su infancia, crianza y período artístico.
| Nacionalidad | Española |
| Fecha de nacimiento | 25 de octubre de 1881 |
| Fecha de fallecimiento | 8 de abril de 1973 |
| Lugar de nacimiento | Málaga, España |
Primeros años de vida
Picasso nació de Don y Maria Picasso en Málaga, España. Su padre, artista y profesor de arte, quedó asombrado por el talento del niño como pintor desde una edad temprana. Picasso comenzó la formación académica de su padre a la edad de siete años.
Debido a su formación académica tradicional, Ruiz creía que la enseñanza incluía la reproducción de obras maestras y el dibujo de figuras humanas a partir de sujetos vivos, así como moldes de yeso.
Cuando Picasso tenía 10 años, la familia se trasladó a A Coruña, donde la Academia de Bellas Artes contrató a su padre como profesor. Quedaban cuatro años, durante los cuales Ruiz pensó que su hijo lo había superado como pintor a los 13 años y decidió dejar de pintar. Aunque Ruiz continuó pintando a lo largo de los años, sin duda quedó impresionado por el talento y la habilidad innatos de su hijo. La familia de Pablo Picasso quedó devastada cuando su hermana murió de difteria en 1895.
Educación temprana
Se instalaron en Barcelona, donde el padre de Pablo Picasso empezó a trabajar en la Academia de Bellas Artes. Persuadió a los administradores para que permitieran que su hijo tomara el examen de ingreso para la clase de especialista, y Picasso se inscribió a la edad de 13 años. A los 16 años ingresó en la Real Academia de San Fernando, la escuela de arte más prestigiosa de España. Picasso despreciaba el plan de estudios formal y lo abandonó poco después de su llegada. Pasaba sus días en el Prado de Madrid, donde se presentaban El Greco y Goya.
La amplia obra de Picasso, desde su infancia hasta su muerte, narra su progreso de manera más completa que cualquier otro artista.
Al estudiar sus primeros registros de investigación, se dice que cuando el lado lúdico de sus diseños se desvaneció, hubo una transición que marcó el comienzo oficial de su carrera. Corría el año 1894 y el joven Picasso tenía sólo 13 años. A los 14 años pintó el retrato de la tía Pepa, un cuadro notable considerado uno de los mejores retratos de la historia de España. Picasso también creó su premiado “Ciencia y filantropía” a la edad de 16 años. Su padre y su educación temprana le inculcaron su enfoque realista, y lo amplió al exponerlo a las ideas simbolistas.
Esto inspiró a Picasso a crear su propia interpretación del modernismo y embarcarse en su primer viaje a París.
Picasso aprendió francés del poeta Max Jacob, un conocido en París. Vivían en un apartamento donde aprendieron lo que era ser un “artista en lucha”. Tenían frío y eran pobres y tenían que quemar sus creaciones para mantener el apartamento caliente. Aunque comenzó a desarrollar la escultura en esta etapa, los críticos se refieren a ella como su período azul, por la paleta azul que caracterizó sus lienzos.
El tono del espectáculo también es decididamente melancólico.
La agonía del artista por el suicidio de un amigo que conoció en Barcelona, Carlos Casegemas, puede verse como el comienzo, y gran parte del trabajo del período azul tiene como tema los refugios que encontró en las calles de la ciudad y las prostitutas. .El viejo guitarrista (1903) es un excelente ejemplo de la temática y la estética de este período. Los colores de Pablo Picasso comenzaron a aparecer en 1904 y trabajó durante un año o más en una forma conocida como el Período Rosa. Centrándose en los artistas de circo y la gente, cambió su paleta a rosas y rojos más alegres.
Y, poco después de conocer al artista Georges Braque en 1906, su paleta se profundizó, sus figuras se volvieron más densas y específicas en apariencia, y comenzó a girar hacia el cubismo.
Período de madurez
Anteriormente, los comentaristas rastrearon los orígenes del cubismo hasta el trabajo temprano de Les Demoiselles d’Avignon (1907). Si bien esta obra se considera hoy una obra intermedia (sin la transferencia dramática de sus obras posteriores), sin duda jugó un papel importante en su desarrollo debido a su fuerte influencia de la escultura africana y el arte antiguo.
Se dice que esto impulsó a Braque a crear sus primeras obras de arte y, en los años siguientes, los dos se embarcaron en uno de los esfuerzos de colaboración más inusuales en el arte contemporáneo, a veces conociéndose apasionadamente, a veces tratando de superarse. Toma la delantera en batallas rápidas y agresivas entre sí.
Al desarrollar este enfoque radical, Braque y Picasso se reunían regularmente, y Picasso se describió a sí mismo y a Braque como “dos escaladores unidos”. Múltiples perspectivas de un elemento aparecen simultáneamente en su vista común, divididas y reorganizadas en formas explosivas. La forma y el espacio son los aspectos más importantes, por lo que ambos pintores limitaron sus paletas a tonos neutros, en contraste con los colores vivos utilizados por sus anteriores fauvistas.
Picasso siempre trabajó con individuos o grupos, pero como dice el historiador de Braque Alex Dancev, la “fase Braque” de Picasso fue “la más intensa y productiva de toda su carrera”.
Picasso odiaba el título “Cubismo”, especialmente cuando los críticos comenzaron a distinguir entre los dos enfoques principales que debía seguir: el sintético y el analítico. Ve su obra como un todo. Sin embargo, no hay duda de que su trabajo cambió después de 1912. Ya no le preocupaba representar la disposición de los objetos en el espacio, sino que estaba más interesado en usar formas y patrones como pistas para sugerir su presencia de una manera caprichosa.
Inventó el método del collage y aprendió de Braque un método relacionado con el collage en papel, que consiste en combinar decoupage con partes de material de origen preexistente. Dado que se basó en diferentes referencias a elementos para construir su descripción, esta fase se consideró más tarde como la fase “sintética” del cubismo.
Picasso usó este método para crear escenarios más decorativos y humorísticos, y su versatilidad lo inspiró a continuar usándolo hasta la década de 1920.
Sin embargo, el creciente interés del artista por la danza llevó su trabajo a un nuevo territorio alrededor de 1916. Lo motivaron en parte los encuentros con el escritor, pintor y director Jean Cocteau. A través de Cocteau, conoció a Sergei Diaghilev y diseñó muchos decorados para Ballets Russes. Picasso experimentó con temas clásicos durante varios años, y no fue hasta principios de la década de 1920 cuando se ejecutaron por completo. Sus figuras se hicieron más grandes e imponentes, y a menudo las representaba en el contexto del Siglo de Oro mediterráneo.
Durante mucho tiempo se han asociado con una tendencia conservadora más amplia en el llamado llamado al orden de Europa, y el arte de este período ahora se define como clasicismo de entreguerras. A mediados de la década de 1920, fue influenciado por el surrealismo, lo que le hizo replantearse su carrera. Su arte evolucionó hacia algo más expresivo, a menudo agresivo o provocativo. Este momento de su carrera corresponde a un momento de asuntos personales cuando su relación con la bailarina Olga Khohlova comenzó a romperse y comenzó una nueva con Marie-Theresa Walter.
Sin duda, los críticos han señalado a menudo que los cambios en el estilo pictórico de Pablo Picasso a menudo coincidían con cambios en su intimidad. Su relación con Khokhlova abarcó sus años de baile, mientras que sus últimos años con Jacqueline Roque estuvieron vinculados a su escena final, en la que se obsesiona con su relación histórica con el Viejo Maestro y su posición juntos. A fines de la década de 1920 comienza a colaborar con el escultor Julio González.
Fue su colaboración creativa más significativa desde que trabajó con Braque y ha dado como resultado obras de arte de metal soldado que continúan teniendo una gran influencia.
A medida que avanzaba la década de 1930, los problemas políticos comenzaron a distorsionar las opiniones de Picasso y continuaron durante algún tiempo. En 1937, creó pinturas de Guernica inspiradas en el bombardeo del pueblo vasco de Guernica durante la Guerra Civil Española. Durante la Segunda Guerra Mundial, vivió en París y los funcionarios alemanes solo lo dejaron ir el tiempo suficiente para continuar con su trabajo.
Sin embargo, la guerra tuvo un gran impacto en Picasso, ya que los nazis se apoderaron de su colección de arte en París y asesinaron a algunos de sus amigos judíos más cercanos.
Picasso creó una serie de obras en su nombre, incluidas esculturas hechas de materiales duros y rígidos como el metal en The Charnel House, una versión particularmente inquietante de Guernica (1945). Tras la guerra, se adentró en el Partido Comunista, y muchas de las grandes películas de la época, como La Guerra de Corea (1951), dan testimonio de su nueva dedicación.
Últimos años y muerte
Durante las décadas de 1950 y 1960, Pablo Picasso se centró en sus propias reproducciones de grandes obras de artistas como Diego Velázquez, Nicolás Poussin y El Greco. Picasso evitó la fama en sus últimos años y se casó con Jacqueline Rogge en 1961.
Su trabajo posterior se basó en gran medida en retratos, con una paleta casi chillona.
En general, los críticos los consideran inferiores a sus trabajos anteriores, sin embargo, han recibido críticas más positivas en las últimas décadas. En esta última etapa también creó un gran número de esculturas en cerámica y metal. Murió de un infarto en el sur de Francia en 1973.
Diferentes periodos de la obra de Picasso
Picasso pasó la mayor parte de su carrera en Francia. Su obra se divide a grandes rasgos en periodos en los que desarrolla temas y emociones suficientemente complejos como para construir una sola obra. El primer período se llama el período azul.
El Período Azul (1901-1904)
La fase melancólica de Picasso, durante la cual experimentó directamente los efectos de la infelicidad y la privación en quienes lo rodeaban, se caracterizó por composiciones monocromáticas en azul y cian, solo ocasionalmente activadas por otros colores. Las pinturas de Picasso de este período representan el hambre, la prostitución y el retrato después de la muerte de su amigo Carlos Casaguimas, culminando en la oscura pintura alegórica La Vie (1903). La Vie retrata la angustia interior de su amigo por la novia a la que intentó asesinar.
Mirando retrospectivamente a Picasso y su juventud, el célebre periodista y autor Charles Morris observa: “Este joven asombrosamente precoz, destinado a no atribuir la santidad de su obra maestra a una desagradable sensación de ser, parece más susceptible a esta enfermedad”. .” ¿Otro? ¿pero? “
Período rosa (1904-1906)
Como dice el término, Picasso, después de hacer algunos progresos y superar cierta desesperación, tuvo un período más feliz que incluyó rosas y naranjas y un bullicioso mundo de artistas de circo y arlequines. El artista conoció entonces al pintor bohemio Fernand Olivier, quien también se convertiría en su amante. Más tarde apareció en algunas de estas obras más positivas. Pablo Picasso fue bien recibido por los coleccionistas de arte Gertrude y Leo Stein. No solo fueron sus principales patrocinadores, sino que Gertrude también apareció en un retrato de Gertrude Stein, una de sus pinturas más famosas.
Influencia africana (1907-1909)
Un año después de la muerte del creador en 1906, la exposición de Paul Cezanne en el Salon d’Automne fue un momento decisivo para Picasso. Aunque Picasso conocía a Cezanne antes de la retrospectiva, no fue hasta la exposición que Picasso fue plenamente consciente de su genio creativo. Picasso encontró un patrón para destilar los elementos básicos de la realidad para crear una superficie cohesiva que transmite la perspectiva única del artista en el trabajo de Cezanne.
Casi al mismo tiempo, las cualidades de la escultura indígena africana comenzaron a tener una fuerte influencia en los pintores europeos.
La primera obra maestra de Picasso fue Les Demoiselles d’Avignon. La fotografía muestra a cinco mujeres desnudas cuyos cuerpos consisten en superficies planas y rotas y rostros influenciados por máscaras africanas. En el bodegón de frutas en la parte inferior de la imagen, un trozo de melón mal angulado se cierne sobre una mesa inusualmente alta. El espacio reducido en el que vive el personaje parece moverse entre escombros afilados.
Picasso se separó en esta obra del arte tradicional europeo, incorporando el primitivismo y abandonando el plano de la perspectiva frente a las imágenes bidimensionales. Cuando Les Demoiselles d’Avignon debutó, el mundo del arte parecía haber caído. El formato y la presentación como los conocemos ha sido completamente abandonado. Por ello, ha sido denominada “la pintura más creativa de la historia del arte moderno”.
A través de las nuevas estrategias pictóricas que utilizó, Picasso descubrió la libertad de expresión fuera de las influencias francesas modernas y tradicionales y pudo labrarse su propio camino. La autoridad formal establecida en ese momento allanó el camino para el período posterior del cubismo.
Cubismo (1909-1912)
Alrededor de 1907, Picasso fue influenciado por todo, desde Vincent van Gogh y Paul Cezanne hasta el arte antiguo y tribal, dando a sus figuras más peso y forma. Eventualmente lo llevaron al cubismo, donde anuló los estándares de perspectiva de la pintura renacentista. Durante este período, los estilos establecidos por Picasso y Braque fueron en su mayoría tonos neutros, centrándose en la “descomposición” de los objetos y la “evaluación” en la forma.
El cubismo, especialmente la segunda variante conocida como cubismo sintético, tuvo una gran influencia en el desarrollo del mundo del arte occidental.
El trabajo en esta fase enfatiza la integración o composición de formas en la imagen. A medida que los objetos se vuelven más grandes y hermosos, el color se vuelve cada vez más importante en la forma de los objetos. Los objetos sin pintar, como periódicos o envoltorios de cigarrillos, a menudo se colocaban en el lienzo, cerca del área pintada, que contenía una gran cantidad de material innecesario particularmente relevante para el revolucionario método de collage de Picasso. Este enfoque de collage resalta los contrastes de textura y plantea la cuestión de qué son la realidad y la ilusión en la pintura.
Picasso ha influido en el curso del arte durante generaciones a través de su uso del color, la forma y las formas matemáticas, así como su enfoque único para representar temas.
Neoclasicismo (finales de la década de 1910 y principios de la de 1920) y surrealismo (mediados de la década de 1920)
Picasso viajó por primera vez a Italia en 1917 y, con una habilidad y un talento sin igual, inició de inmediato la etapa de homenaje al estilo neoclásico. Rompiendo con el modernismo rígido, creó dibujos y pinturas que recuerdan a Ingres y Raphael. Era solo un prólogo de Picasso, quien parecía mezclar a la perfección sus ideas modernistas con su técnica en obras maestras surrealistas como Guernica (1937), una mezcla estilística frenética y contundente que representa la desolación de la guerra.
“Guernica” a menudo se considera el mensaje contra la guerra más dañino del arte moderno.
Esto se hizo para mostrar el apoyo de Picasso al final de la guerra y una condena general del nazismo. Picasso optó desde el principio por no retratar la tragedia de Guernica de forma realista o romántica. Figuras clave como una dama con los brazos abiertos, un toro y un caballo moribundo se pulen de boceto en boceto y luego se transfieren a enormes pinturas, a las que también remodela muchas veces. Se utilizan paletas de colores oscuros y temas monocromáticos para retratar los tiempos difíciles y el dolor que sientes. Guernica cuestiona la naturaleza heroica del combate y lo presenta como un horrible acto de autodestrucción.
La obra no solo es una exposición funcional o una pintura, sino que sigue siendo una poderosa imagen política en el arte contemporáneo, solo superada por varios murales del artista mexicano Diego Rivera.
Pinturas famosos de Picasso
La participación de Pablo Picasso con el cubismo condujo al desarrollo del collage, rechazó el concepto de imágenes como ventanas a los elementos del mundo y comenzó a verlos simplemente como símbolos usando varias técnicas (a menudo metáforas) combinadas para vincular estas cosas. También tendrá profundas implicaciones en las próximas décadas.
El enfoque de Picasso de la forma fue variado, y aunque su trabajo generalmente se definía por un solo enfoque dominante en un momento dado, a menudo se movía entre varios estilos, a veces incluso dentro de la misma obra.
A medida que envejecía, se preocupó cada vez más por preservar su herencia, y su trabajo posterior es conocido por sus cándidas discusiones sobre los Viejos Maestros.
La Vie – La Vida (1903)
| Fecha de finalización | 1903 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 196.5 cm x 129.2 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte de Cleveland, Cleveland |
Pintada en mayo de 1903 en Barcelona España durante su época azul, la sombría obra de Picasso, La Vie ” La Vida” es el homenaje de Picasso a su amigo Carlos Casagemas (1881-1901). Carlos Casagemas Guimas fue un compañero de estudios de arte español que le acompañó en su primer viaje a París (octubre de 1900).
Análisis de rayos X realizados al cuadro demostraron que el pintor se esconde detrás de su amigo semidesnudo, además de otros detalles ocultos que finalmente modificó.
Sopa (1903)
| Fecha de finalización | 1903 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 38 cm x 46 cm |
| Ubicación actual | Instituto de Arte de Chicago |
Sopa representa la tristeza oscura del período azul de Picasso y fue creada junto con una serie de otras pinturas sobre temas de privación, envejecimiento y discapacidad. La obra expresa la preocupación de Picasso por las trágicas circunstancias que soportó al crecer en España, y sin duda está inspirada en las obras de arte religiosas con las que creció, especialmente El Greco. Sin embargo, la obra representó una tendencia simbolista más amplia en ese momento.
Picasso finalmente vio su trabajo del período azul como “única emoción”. En general, la crítica estuvo de su lado, aunque muchas de estas imágenes eran clásicas y, por supuesto, bastante caras.
Retrato de Gertrude Stein (1905)
| Fecha de finalización | 1905 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 100 cm x 83 cm |
| Ubicación actual | Museo Metropolitano de Arte |
Gertrude Stein fue escritora, amiga personal e incluso protectora de Picasso, y desempeñó un papel vital en su desarrollo como artista. Esta foto de Stein con su abrigo de terciopelo marrón favorito, realizada un año antes que Les Demoiselles d’Avignon, representa un hito en su estilo maduro.
En comparación con la apariencia plana de muchas pinturas del período Azul y Rosa, las formas de este retrato parecen casi escultóricas y se inspiraron en los estudios del creador sobre la escultura ibérica antigua.
El gran interés de Picasso por representar el rostro humano como una serie de planos es casi obvio. Stein dijo que posó para Picasso 90 veces, y aunque eso puede ser una exageración, Picasso sin duda luchó durante mucho tiempo para retratar su cabeza. Después de intentarlo muchas veces y fallar, un día terminó la pintura, diciendo “Ya no puedo sentirte”, y finalmente entregó la pintura.
No fue hasta mucho más tarde que completó la cabeza, pero sin el tema frente a él.
Damas de Aviñón (1907)
| Fecha de finalización | 1907 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 243 cm x 233 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno |
En términos de contenido y técnica, la obra sorprendió incluso al artista más querido de Picasso. El tema de las mujeres desnudas no es infrecuente, pero la representación de Picasso de las niñas como prostitutas en el sexo abierto es original. La fascinación de Picasso por las obras de arte ibéricas e indígenas es particularmente evidente en los rostros velados de las tres mujeres, lo que sugiere que su sexualidad no solo era violenta sino primitiva.
Pablo Picasso también avanzó en su exploración del espacio, rechazando la impresión renacentista de las imágenes tridimensionales en favor de una imagen aplanada dramática dividida en segmentos geométricos, usando técnicas que Picasso usó en parte de las pinceladas elegantes de Paul Se.
Por ejemplo, las piernas de la dama de la izquierda se dibujan desde múltiples ángulos a la vez. Es difícil distinguir el pie del espacio negativo que lo rodea, dando la impresión de que ambos están en primer plano.
Cuando la foto finalmente se mostró al público en 1916, se la consideró inmoral.
Braque fue uno de los pocos pintores que lo estudió en profundidad en 1907, lo que le llevó directamente a la colaboración cubista con Picasso. Dado que Les Demoiselles anticipó muchas de las características del cubismo, la obra se considera proto o precubista.
Naturaleza muerta con silla (1912)
| Fecha de finalización | 1912 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 29 cm x 37 cm |
| Ubicación actual | National Gallery, Londres |
Esta famosa obra de arte se considera el primer collage de arte moderno. Picasso ha incorporado elementos preexistentes en sus pinturas antes, pero esta es la primera vez que lo hace con un propósito tan humorístico y dramático. El bastón de la silla en la foto está hecho de linóleo, no el bastón de la silla real como sugiere el título.
Por otro lado, las cuerdas que envuelven el lienzo son muy reales y ayudan a mimetizar la silueta esculpida de la mesa de centro.
Además, los espectadores pueden imaginar el lienzo como una mesa de cristal y el bastón de la silla como el asiento real de la silla vista a través de la mesa. Como resultado, la imagen no solo contrasta fuertemente con el espacio visual en los experimentos de Picasso, sino que también distorsiona nuestra percepción de lo que vemos.
Un cuenco de frutas, violín y botella (1914)
| Fecha de finalización | 1914 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 92cm x 73 cm |
| Ubicación actual | National Gallery, Londres |
Esta pieza representa su Cubismo Sintético, en el que utilizó una serie de técnicas para sugerir las cosas representadas, como dibujar puntos, sombras y granos de arena. Esta combinación de pintura y medios mixtos es un ejemplo de cómo Picasso “sintetiza” la textura y el color, creando totalidades después de diseccionar cognitivamente los elementos existentes.
La represión del color por parte de Picasso durante su período del cubismo analítico, centrándose más en la forma y el tamaño de los objetos, sin duda contribuyó a su preferencia por las naturalezas muertas durante este período.
Podría decirse que La vie de café es un resumen de la vida de un pintor parisino contemporáneo, donde pasó mucho tiempo hablando con otros pintores, pero la secuencia de elementos clave también garantiza que la atención a las metáforas y las referencias se mantenga bajo control.
Mi belleza (1912)
| Fecha de finalización | 1912 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 100 cm x 64 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno |
En esta pintura, Picasso exploró los límites entre el arte elevado y la cultura ordinaria, llevando su experimentación a un nuevo territorio. Picasso avanzó hacia la abstracción al reducir el color y aumentar la ilusión de relieve al ampliar los contornos geométricos de Les Demoiselles d’Avignon.
Picasso, por otro lado, incorporó texto pintado en el lienzo.
La frase “ma Jolie” en la portada no solo comprime aún más el espacio, sino que también vincula la obra de arte a la valla publicitaria gracias al uso de la tipografía publicitaria. Esta es la primera vez que un pintor utiliza elementos públicos de la cultura popular para crear un gran arte.
“Ma Jolie” también era el nombre de una canción popular en ese momento y el apodo de Picasso para su novia, vinculando aún más la pintura con la cultura pop.
Tres músicos (1921)
| Fecha de finalización | 1921 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 204 cm x 188 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte de Filadelfia |
Hay dos versiones de las pinturas de músicos de Pablo Picasso. Una versión un poco más pequeña se encuentra en exhibición en el Museo de Arte de Filadelfia, y aunque ambos eran inusualmente grandes para la fase cubista de Picasso, es posible que haya decidido crear a una escala tan grande para conmemorar el final de su cubismo sintético, lo que lo hizo aún más Preocupado durante diez años.
Lo creó el mismo verano que creó el clásico muy diferente Three Women in Spring. Algunos ven estas imágenes como recuerdos nostálgicos de los primeros días de Picasso. Picasso, como de costumbre, se sentó en el centro, en el Arlequín, y viejos conocidos Guillaume Apollinaire y Max Jacob ya estaban distanciados a ambos lados.
Tres mujeres en primavera (1921)
| Fecha de finalización | 1921 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 204 cm x 174 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno |
Picasso hizo una extensa investigación para pintar esta pintura, que es la mejor representación del tema de los viejos clásicos. Rinde homenaje a las primeras obras de Poussin e Ingres, dos grandes maestros de la pintura clásica, a la vez que toma prestados elementos de la escultura griega, con un peso muy escultórico en las figuras.
Los críticos dicen que el tema le atrae por el nacimiento de su primer hijo, y el comportamiento solemne de la figura puede entenderse por la actual obsesión de Francia por honrar a las víctimas de la Primera Guerra Mundial.
Guernica (1937)
| Fecha de finalización | 1937 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 250 cm x 777 cm |
| Ubicación actual | Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía |
Picasso pintó este cuadro en respuesta al bombardeo del pueblo vasco de Guernica el 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil Española. Se completó en un mes y sirvió como pieza central del Pabellón de España en la Exposición Universal de París de 1937.
Aunque causó bastante revuelo durante la exposición, posteriormente se prohibió su exhibición en España hasta el derrocamiento del tirano militarista Francisco Franco en 1975.
Se ha trabajado mucho para descifrar el significado de la obra de arte, y algunos creen que el caballo enfermo en medio del lienzo está relacionado con el ciudadano español. El Minotauro puede referirse a las corridas de toros, un pasatiempo nacional popular en España, pero también tiene un significado profundamente personal para el artista.
Aunque podría decirse que Guernica es la respuesta más icónica del arte moderno al conflicto, los críticos están divididos sobre la influencia de la pintura.
Lectura recomendada
La biografía de Picasso es un largo y detallado recorrido. No siempre es posible incluir cada pieza de información en un artículo. Es posible que desee explorar más a fondo las pinturas de Picasso a su propio ritmo. Aquí encontrarás más información sobre la pintura y la vida de Pablo Picasso.
La vida de François Gillot con Picasso (2019)
El sincero libro de Francoise Gilot es la pintura más completa de Picasso y ofrece una visión fascinante de la vida emocional y creativa de ambos artistas contemporáneos. En 1943, Françoise Guillot, de 20 años, conoció a Pablo Picasso, de 61 años. Una joven de familia burguesa que desea convertirse en abogada emprende una carrera como artista a pesar de los deseos de sus padres. Fue una de las musas de Picasso, pero se parecía más a sí misma, impulsada a ser la pintora extraordinaria en la que eventualmente se convirtió.
La vida de Picasso (New York Review of Books Classic)
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Picasso: representando el período azul (2021), Kenneth Brummel
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La afición de Picasso por crear obras de todo tipo le ha valido una gran reputación a lo largo de su carrera. Terminemos este artículo con la famosa cita de Picasso, un vistazo al espíritu de este artista excéntrico y creativo: “Cada joven tiene el potencial para ser un artista. La pregunta es cómo seguir siendo un artista a medida que envejecemos”. mi mejor esfuerzo para encontrar una manera de hacer esto. “
Preguntas frecuentes
¿Cuándo nació Picasso y cuándo murió Picasso?
Pablo Picasso nació el 25 de octubre de 1881 en el seno de una familia creativa. Nació en Málaga, España. Murió de un infarto en el sur de Francia en 1973.
¿Quién es Pablo Picasso?
Picasso pasó la mayor parte de su carrera en Francia. Su trabajo se divide aproximadamente en períodos durante los cuales desarrolló completamente pensamientos y sentimientos complejos para crear un trabajo coherente. La primera fase se llama el período azul. La diversidad de la obra de Picasso no es producto de grandes cambios de estilo a lo largo de su carrera, sino de su empeño por valorar objetivamente la forma y el método más adecuados a cada obra para conseguir el efecto deseado.
