La pintura al óleo es una de las artes visuales más famosas del mundo. Las pinturas al óleo se elaboran mezclando varios pigmentos con un aceite aglutinante, como el aceite de semilla de amapola o el aceite de linaza. Muchos maestros utilizaron el óleo sobre lienzo como medio para crear sus obras más famosas. La historia de la pintura al óleo se remonta al siglo VII d.C. Desde entonces, los artistas han dejado un legado admirable de pinturas hermosas y famosas.
Tabla de Contenido
- 1 La historia de la pintura al óleo.
- 2 Pinturas al óleo famosas
- 2.1 La Mona Lisa de Leonardo Da Vinci (1506)
- 2.2 La ronda de noche (1642) de Rembrandt van Rijn
- 2.3 Las Meninas (1656) Diego Velázquez
- 2.4 Johannes Vermeer, La joven con un pendiente de perla (1665)
- 2.5 La madre de Whistler (1871) (1871)
- 2.6 Impresión, Amanecer de Claude Monet (1872)
- 2.7 Georges Seurat, Tarde de domingo en La Grande Jatte (1884)
- 2.8 La noche estrellada de Vincent van Gogh (1889)
- 3 El viejo guitarrista de Pablo Picasso (1903)
- 4 Preguntas frecuentes
La historia de la pintura al óleo.
Las pinturas de arte al óleo se remontan aproximadamente al año 650 d. C., y las primeras pinturas al óleo que se conservan se encuentran en el antiguo asentamiento histórico de Bamiyán, Afganistán. La zona está situada a lo largo de una importante ruta comercial de la seda y es famosa por los Budas de Bamiyán. Detrás de la estatua, en un gran espacio interior excavado en la roca, se encuentran ejemplos de las primeras pinturas al óleo en las paredes de la sala.
La presencia de una amplia variedad de ingredientes y pigmentos en las pinturas al óleo, y el hecho de que los frescos estuvieran recubiertos con una capa de barniz, sugiere que la tecnología era bastante avanzada y debe haber estado en uso en Asia antes del siglo VII.
La invención de la pintura al óleo se ha atribuido durante mucho tiempo al pintor europeo del siglo XV Jan van Eyck; sin embargo, se pueden encontrar instrucciones escritas sobre cómo hacer pintura al óleo en Theophilus’ Found in “Sobre las diversas artes” y otros manuscritos, que datan de alrededor 1125.. Anuncio. En aquella época quizá no se tratara de una pintura al óleo sobre lienzo, sino de una decoración de escultura, talla y pintura sobre madera, especialmente para aplicaciones en exteriores.
Los artistas holandeses popularizaron por primera vez el uso del óleo como medio pictórico en el siglo XV, antes de que la pintura al óleo se extendiera como medio moderno por todo el norte de Europa y luego a Italia.
Las primeras pinturas al óleo se pintaban sobre tablas de madera, pero hacia finales del siglo XV, el uso del lienzo comenzó a popularizarse porque era rentable y fácil de trasladar de un lugar a otro. Venecia fue pionera en el suministro de lienzos debido a su abundancia en la ciudad. En 1540, la témpera sobre tabla se había convertido en un medio poco común, e Italia se dedicó más a crear obras de arte al óleo sobre lienzo.
Durante los siglos siguientes, el óleo sobre lienzo se utilizó como medio para expresar muchos estilos y movimientos artísticos diferentes.
Pinturas al óleo famosas
A lo largo de la historia de la pintura al óleo, al experimentar con la mezcla de colores, aplicar pintura al lienzo y crear capas, sombras y texturas, los artistas desarrollaron una variedad de técnicas y estilos que les han ayudado a pintar algunas de las obras maestras más famosas que existen. . Estas pinturas van desde las pinturas más realistas y naturalistas, hasta las pinturas impresionistas, pasando por las pinturas más surrealistas y abstractas que han sido admiradas a lo largo de la historia.
La Mona Lisa de Leonardo Da Vinci (1506)
| Artista | leonardo da vinci |
| Fecha de creación | 1506 |
| Medio Usado | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones de la obra de arte | 77cm x 53cm |
| Ubicación actual | El Museo del Louvre , París |
La Mona Lisa es sin duda una de las obras más famosas de Leonardo da Vinci, y su sonrisa por sí sola ha sido objeto de debate durante décadas. Otro debate que ha persistido a lo largo de los años es a quién debería representar la pintura. Sin embargo, la teoría predominante es que el famoso retrato al óleo es una representación de Lisa Gherardini, la hija de la esposa de un noble llamado Francesco del Giocondo. Esto es típico del retrato de esta época, con sólo la parte superior del cuerpo del sujeto de pie frente a un paisaje natural.
Leonardo da Vinci enfatizó la conexión subyacente entre los humanos y la naturaleza al crear líneas y curvas que se extienden desde la figura femenina hasta los elementos del fondo.
La ronda de noche (1642) de Rembrandt van Rijn
| Artista | Rembrandt van Rijn |
| Fecha de creación | 1642 |
| Medio Usado | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones de la obra de arte | 363x437cm |
| Ubicación actual | Museo Rijksmuseum |
La Ronda de Noche fue creada en 1642 por el famoso artista holandés Rembrandt van Rijn. Actualmente se encuentra en el Rijksmuseum de Ámsterdam y es la obra de arte más famosa del museo. Se considera un importante óleo sobre lienzo del Siglo de Oro holandés. Fue admirado por sus grandes lienzos y el hábil uso de luces y sombras de Van Rijn para crear un efecto dramático conocido como “Tenebreísmo”.
Al utilizar áreas de extrema oscuridad y áreas llenas de luz, puede dirigir la mirada del espectador hacia el foco principal de la pintura: los dos hombres caminando en primer plano y la figura femenina anciana al fondo. Los dos hombres eran miembros de la compañía o guardias militares voluntarios que se retiraban por la noche. El logotipo presenta los colores de la empresa después de otros dos personajes.
El cuadro es tan grande que las figuras son casi de tamaño natural.
Las Meninas (1656) Diego Velázquez
| Artista | Diego Velázquez |
| Fecha de creación | 1656 |
| Medio Usado | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones de la obra de arte | 3,18 m x 2,76 m |
| Ubicación actual | Museo del Prado, Madrid |
Debido a estas complejidades filosóficas, la pintura ha sido objeto de más análisis que la mayoría de las otras pinturas de su época.
Aunque los detalles de las pinturas siguen siendo controvertidos, los historiadores generalmente coinciden en que esta sala representa la sala principal del Real Alcázar de Madrid. Todas las figuras representadas son de la corte española, incluida la princesa Margarita Teresa, así como asistentes y damas de honor. También estaban presentes un guardaespaldas, dos sirvientes enanos y un perro grande. El artista también se puede ver en el cuadro, en el centro del lienzo, mirando directamente al espectador. Se cree que el Rey y la Reina son las figuras que se ven al fondo.
Johannes Vermeer, La joven con un pendiente de perla (1665)
| Artista | Johannes Vermeer |
| Fecha de creación | 1665 |
| Medio Usado | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones de la obra de arte | 44,5 x 39 cm. |
| Ubicación actual | Museo Mauritshuis, La Haya |
La joven de la perla es una obra maestra barroca del artista holandés Johannes Vermeer. Conocido por sus representaciones íntimas de la vida privada de ciudadanos comunes y corrientes de clase media. Como ocurre con todas sus pinturas, Vermeer se aseguró de agregar capas y detalles de manera lenta y metódica, prestando especial atención a aplicar áreas de luz y oscuridad a sus composiciones para crear un efecto dramático. Este famoso aceite. Retrato en pintura.
Esta famosa pintura se considera no solo una de las pinturas más famosas de Vermeer, sino también una de las pinturas más famosas de la historia de Estados Unidos.
La pintura recibió muchos nombres a lo largo de los siglos, incluida la “Mona Lisa holandesa”, hasta que finalmente recibió su nombre actual, con la comida como una característica destacada de la obra. Sin embargo, el material exacto que representa el arete sigue siendo controvertido, y algunos investigadores afirman que debido a su superficie reflectante y su tamaño, es más probable que represente un anillo de peltre que un anillo metálico o una perla. La pintura se sometió a numerosos esfuerzos de restauración, que más tarde revelaron muchas de las características ocultas durante mucho tiempo de la pintura, como el hecho de que el fondo era originalmente de color verde oscuro.
La madre de Whistler (1871) (1871)
| Artista | James McNeill Whistler |
| Fecha de creación | 1871 |
| Medio Usado | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones de la obra de arte | 144,3 x 162,3 cm |
| Ubicación actual | Museo de Orsay en París |
La madre de Whistler fue creada por el artista estadounidense James McNeill Whistler en 1834. Conocido por sus obras que combinan matices emocionales y morales, creó la mayoría durante la Edad Dorada de Estados Unidos. Sin embargo, el artista pasó la mayor parte de su tiempo en Inglaterra y es considerado el padre del tonalismo. La imagen de su madre sentada en una silla es otra imagen icónica de la historia del arte y la cultura popular.
Al igual que sus otras obras, esta pintura representa la figura materna arquetípica, utilizando un sentido de autoridad moral y patetismo como forma de lograr las emociones que quería transmitir.
Esta famosa pintura al óleo también se conoce como “Arreglo gris y negro n.° 1”. Los historiadores creen que el retrato al óleo fue pintado en 1871 mientras su madre vivía en Londres. Aunque hay mucho debate sobre si la pintura es un retrato de su madre, algunos historiadores han sugerido que su madre pudo haber sido una modelo de reemplazo ya que la modelo original no pudo asistir a la sesión como se esperaba. .
James McNeil Whistler inicialmente comenzó a pintar de pie con su madre, pero ella ya tenía sesenta años en ese momento y terminó pintando sentada debido a la fatiga en sus piernas por estar de pie durante largos períodos de tiempo.
Impresión, Amanecer de Claude Monet (1872)
| Artista | Claude Monet |
| Fecha de creación | 1872 |
| Medio Usado | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones de la obra de arte | 48x63cm |
| Ubicación actual | Museo Marmottan Monet, París |
Claude Monet creó “Impresión, amanecer” en 1872. Su filosofía de anteponer la experiencia subjetiva del pintor a la realidad objetiva de la naturaleza tuvo un gran impacto en la pintura al óleo impresionista y en el movimiento impresionista. De hecho, el movimiento tomó su nombre de esta pintura. Esta famosa obra de arte representa el sol saliendo sobre el océano visto desde el puerto de Le Havre. Los barcos y el sol rojo palpitante atraen la atención del espectador hacia la composición, con otros barcos de pesca visibles al fondo, así como los contornos vagos de barcos y velas.
La pintura se mostró por primera vez en 1884 en una exposición en París que se conoció como la Exposición Impresionista. Lo que diferencia esta pintura de todas las demás pinturas impresionistas es que todo el movimiento lleva su nombre, lo que muestra su influencia en otros artistas franceses de la época.
La famosa pintura fue robada del Museo Marmottan Monet en 1985, pero fue recuperada y expuesta nuevamente en 1990.
Georges Seurat, Tarde de domingo en La Grande Jatte (1884)
| Artista | Georges Seurat |
| Fecha de creación | 1884 |
| Medio Usado | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones de la obra de arte | 2,08 mx 3,08 m |
| Ubicación actual | Instituto de Arte de Chicago |
La pintura tardó varios años en completarse, pasando por varias etapas de bocetos y diseños preliminares y creación de nuevos prototipos.
Comenzó a trabajar en él en mayo de 1884 y lo completó en mayo de 1886, exactamente dos años después. Pasaron muchas horas sentados en el parque dibujando diversos objetos, elementos del paisaje y personas, tratando de conseguir la forma y el diseño perfectos. Utilizando una serie de pequeños puntos de diferentes colores para crear tonos, impulsó el estilo habitual de pintura al óleo hacia direcciones nuevas e innovadoras a través del puntillismo.
La noche estrellada de Vincent van Gogh (1889)
| Artista | Vincent Van Gogh |
| Fecha de creación | 1889 |
| Medio Usado | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones de la obra de arte | 74cm x 92cm |
| Ubicación actual | El Museo de Arte Moderno |
“La noche estrellada” fue creada por el famoso artista holandés Vincent Van Gogh durante un período turbulento en la vida del famoso pintor. Sin embargo, gran parte de su vida estuvo llena de experiencias oscuras, y sólo después de su suicidio alcanzó la fama que nunca había alcanzado a lo largo de su carrera. Esta exquisita obra de sus pinturas al óleo postimpresionistas se caracteriza por el uso de pinceladas expresivas y una paleta de colores vibrantes.
El artista, famoso por cortarse las orejas, sufría a menudo de psicosis y paranoia. Esto eventualmente lo llevaría a ser internado en un hospital psiquiátrico. Allí pintó esta obra maestra en 1889.
Representa un paisaje antes del amanecer, muy probablemente la vista desde la ventana de la celda de contención. Algunos elementos de la composición son casi pacíficos, como las olas azules y la luz palpitante de las estrellas, pero la pintura también revela la inquietante corriente subterránea de turbulencia que se ve en el uso que hace Van Gogh de espirales y rasgos irregulares en sus paisajes.
El viejo guitarrista de Pablo Picasso (1903)
| Artista | Pablo Picasso |
| Fecha de creación | 1903 |
| Medio Usado | Óleo sobre tabla |
| Dimensiones de la obra de arte | 122,9 cm × 82,6 cm |
| Ubicación actual | Instituto de Arte de Chicago |
Durante este período de la carrera de Picasso, estuvo influenciado por varios movimientos, incluidos el Simbolismo, el Impresionismo, el Postimpresionismo y el Modernismo.
Durante este tiempo, vivía en la pobreza y su amigo acababa de suicidarse, lo que provocó su período azul. El único cambio de color en la composición es la guitarra marrón que sostiene el hombre. Las radiografías contemporáneas de la pintura revelaron que detrás de la guitarra se habían pintado tres figuras separadas. Esta obra maestra ahora se puede ver en el Instituto de Arte de Chicago.
El beso (1907-1908) de Gustav Klimt
| Artista | Gustavo Klimt |
| Fecha de creación | 1907 – 1908 |
| Medio Usado | Óleo y pan de oro sobre lienzo |
| Dimensiones de la obra de arte | 180 x 180 cm |
| Ubicación actual | Galería Osterreichische Belvedere |
El Beso fue creado en 1907, durante la época dorada de Klimt, en estilo Art Nouveau. Representa a dos figuras con ricas túnicas, en un momento de íntimo abrazo. Este cuadro, actualmente en la colección del Museo Belvedere de Austria, es considerado una de sus mayores obras maestras, y aunque no es su primer cuadro basado en este tema, es el más importante y el que encarna a la perfección su estilo.
Los historiadores no están seguros de quién modeló la pintura, pero algunos especulan que fueron él y su novia de toda la vida, Emily.
Otros han sugerido que la mujer de la foto es similar a “Hilda Roja”, una mujer que apareció en muchas de sus otras obras. Klimt pintó a la pareja sobre un fondo dorado plano. Se colocaron cerca del borde del prado y las flores crecieron hasta sus pies. Ambos llevaban coronas, la de ella de enredaderas, la de ella de flores.
Gótico americano (1930) de Grant Wood
| Artista | Grant Wood |
| Fecha de creación | 1930 |
| Medio Usado | Óleo sobre madera de castor |
| Dimensiones de la obra de arte | 74 cm x 62 cm |
| Ubicación actual | Escuela del Instituto de Arte de Chicago |
American Gothic fue creado por Grant Wood en 1930 durante la Gran Depresión y se considera una obra de arte icónica del Movimiento Regional Americano. Actualmente en la colección del Instituto de Arte de Chicago, representa a un granjero de pie frente a su casa junto a su hija, aunque muchos creen erróneamente que en realidad se trata de su esposa.
Una de las pinturas más famosas de la historia del arte estadounidense, toma su nombre de la arquitectura de la casa detrás de ella, en particular las ventanas puntiagudas.
El artista se inspiró en la ahora famosa casa de Eldon, Iowa, y quería pintar cómo pensaba que sería alguien que viviera en una casa así. El modelo de este famoso óleo sobre lienzo fue su hermana Nan Wood Graham y el Dr. Byron McKibbe, dentista familiar. Para evocar la América rural del siglo XX, la mujer usa un delantal con un estampado colonial tradicional, mientras que el granjero usa una chaqueta sobre un mono y sostiene una horca.
La persistencia de la memoria de Salvador Dalí (1931)
| Artista | salvador Dali |
| Fecha de creación | 1931 |
| Medio Usado | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones de la obra de arte | 24 cm x 33 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno |
“La persistencia de la memoria” fue creada por el pintor surrealista español Salvador Dalí en 1931. Esta pintura no sólo es un ícono del movimiento surrealista, sino que también es reconocida como una de las pinturas más famosas del mundo. Desde su primera exposición, la pintura se ha convertido en parte de la cultura popular y ha sido satirizada y referenciada muchas veces, principalmente a raíz del reloj derretido.
Estos son fundamentales para su estudio de conceptos como la dureza o suavidad del tiempo en el arte.
Debido a la naturaleza surrealista del óleo sobre lienzo, las interpretaciones de esta obra de arte varían ampliamente. Algunos creen que se trata de una representación visual de la teoría de la relatividad propuesta por Albert Einstein, pero según Dalí, era una interpretación surrealista de un trozo de queso Camembert derritiéndose al sol. En el centro de la imagen hay una figura abstracta que adopta rasgos humanos, vista en algunas de sus pinturas, y que se considera un autorretrato.
Guernica de Pablo Picasso (1937)
| Artista | Pablo Picasso |
| Fecha de creación | 1937 |
| Medio Usado | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones de la obra de arte | 3,5 m x 7,7 m |
| Ubicación actual | Museo Nacional Reina Sofía, Madrid |
“Guernica” es considerada una de las obras de arte más famosas de Pablo Picasso y fue creada en 1937 durante la Guerra Civil Española. El famoso artista español pintó este cuadro en su casa de París después de que alemanes e italianos bombardearan la ciudad española de Guernica. Creado en blanco y negro, este óleo sobre lienzo enfatiza la naturaleza oscura y sombría del evento, que está despojado de todo color amoroso y representa a personas y animales sufriendo por el caos y la violencia que los envolvió.
Su vívida descripción de los horrores de la guerra ha llevado a que la pintura sea considerada por los críticos como una de las pinturas más importantes de la historia que ilustra un mensaje contra la guerra. Publicitó con éxito los acontecimientos de la Guerra Civil Española a gran escala. La pintura, que mide 3,49 metros de alto y 7,76 metros de ancho, resalta las imágenes del gran lienzo, entre ellas una mujer que grita de terror, un caballo cubierto de barro, un toro, llamas y miembros desmembrados.
Este famoso óleo se conserva actualmente en el Museo Nacional Reina Sofía, museo dedicado al arte del siglo XX en Madrid, España.
Cráneo de vaca: rojo, blanco y azul de Georgia O’Keeffe (1931)
| Artista | Georgia O'Keeffe |
| Fecha de creación | 1931 |
| Medio Usado | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones de la obra de arte | 101 cm x 91 cm |
| Ubicación actual | Museo Metropolitano de Arte |
Cráneo de vaca: Rojo, blanco, y azul fue creado por Georgia O’Keefe, la figura más famosa del modernismo estadounidense. Su arte es conocido por romper los límites entre estilos artísticos, como su enfoque único de combinar elementos del arte figurativo y abstracto. Durante este período del arte estadounidense, los artistas buscaron crear obras que fueran claramente estadounidenses en tema y tono, con la esperanza de crear una identidad única.
La diferencia entre O’Keeffe y otros artistas de su época fue que la obra de arte que creó no representaba imágenes populares de la cultura estadounidense, sino que reflejaba con mayor precisión el verdadero estilo de vida del oeste americano.
La pintura consta de un cráneo de vaca colocado encima del lienzo. Detrás del cráneo blanqueado por el sol hay un fondo de tela con una franja vertical en el medio. Cada lado del panel presenta una franja vertical roja, que recuerda a la bandera estadounidense. Este óleo sobre lienzo mide 40 x 36 pulgadas y actualmente se encuentra en la colección del Museo Metropolitano de Arte.
Dos Fridas de Frida Kahlo (1939)
| Artista | Frida Kahlo |
| Fecha de creación | 1939 |
| Medio Usado | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones de la obra de arte | 1,74 m x 1,73 m |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno, Ciudad de México |
El cuadro “Dos Fridas” fue pintado en 1939, poco después del divorcio de Frida Kahlo y Diego Rivera. Esta pintura al óleo representa las dos caras de su carácter. A un lado hay una versión con el pelo despeinado y ropa tradicional, mientras que la versión sentada junto a ella se representa como moderna e independiente. La inspiración para la pintura se remonta a su infancia, cuando Kahlo escribió en su diario que la pintura se basó en la memoria de un amigo imaginario.
Sin embargo, luego reveló que representaba la soledad y separación que sintió luego de su ruptura.
En este retrato al óleo, dos figuras sentadas y tomadas de la mano. Los corazones de ambos personajes son claramente visibles, y la versión tradicional del corazón izquierdo de Kahlo se representa desgarrado. Usó unas pinzas para sujetar el extremo de una arteria grande en el costado de su rodilla, que sangraba profusamente. Su agitación interior se reflejó en el cielo tormentoso. La Academia Nacional de Bellas Artes de la Ciudad de México adquirió el cuadro en 1947 por 4.000 pesos, el precio más alto que jamás haya recibido el artista por una obra.
Hoy descubrimos famosas pinturas al óleo creadas por maestros del arte. Desde las primeras obras de artistas como Leonardo da Vinci hasta los diversos estilos desarrollados en los siglos posteriores, muchos artistas han elegido el óleo sobre lienzo como su medio preferido. Las obras de arte pintadas al óleo son muy valoradas y se espera que sean apreciadas y admiradas durante mucho tiempo.
Preguntas frecuentes
¿De qué están hechas las pinturas al óleo?
Las pinturas al óleo se elaboran mezclando varios pigmentos con lubricantes. Los aceites de uso común incluyen el aceite de cártamo, nuez y semilla de amapola, pero el aceite aglutinante más común utilizado por los artistas es el aceite de linaza.
¿Las pinturas al óleo siempre utilizan lienzo?
Las primeras pinturas al óleo se encontraron en Afganistán, pintadas en la pared de una habitación excavada en la roca detrás de la famosa estatua de Buda. Muchos años después, los artistas pintaron sobre esculturas y esculturas. Luego, finalmente se transfieren a superficies como tablas de madera. Los lienzos llegaron más tarde, pero pronto se convirtieron en el material preferido para pintar, ya que eran asequibles y podían transportarse fácilmente de un lugar a otro, ya que no eran demasiado pesados.
