Diego Rivera es generalmente considerado como el pintor mexicano más importante del siglo XX y pasó gran parte de su carrera fuera de México, en Europa y Estados Unidos. Diego Rivera es considerado una figura clave del movimiento muralista mexicano y uno de sus pioneros. El trabajo de Diego Rivera está influenciado por diversos orígenes, incluidos los maestros europeos contemporáneos y la historia mexicana precolombina. Creadas al estilo de los frescos italianos, las pinturas de Diego Rivera abordan temas generales acordes con la grandeza de su amada forma de arte: la desigualdad socioeconómica, la interacción entre el medio ambiente, el comercio y la innovación, y la herencia y el destino de México.
Tabla de Contenido
Biografía de Diego Rivera
| Nacionalidad | Mexicano |
| Fecha de nacimiento | 8 de diciembre de 1886 |
| Fecha de muerte | 24 de noviembre de 1957 |
| Lugar de nacimiento | Guanajuato, México |
Los murales de Diego Rivera fueron su medio preferido y valoró su escala monumental y su accesibilidad al público, en contraposición a lo que él veía como la naturaleza elitista del arte exhibido en museos y galerías.
Diego Rivera sigue siendo una de las personas más populares de México.
Más de 50 años después de su muerte, se le reconoce por su participación en el resurgimiento creativo y la revitalización del arte mural del país, así como por su tremenda personalidad. Pero ¿dónde y por qué murió Diego Rivera? Echemos un vistazo a la biografía de Diego Rivera.
Infancia
Diego Rivera nació en Guanajuato en 1886 con su hermano gemelo. Su gemelo murió cuando él tenía dos años y poco después la familia se mudó a la Ciudad de México. El potencial creativo de Diego fue nutrido por su familia, quienes lo enviaron a la Academia de Bellas Artes de San Carlos cuando tenía unos 12 años.
Bajo la dirección de personal religioso principalmente ortodoxo, dominó las técnicas tradicionales de pintura y escultura.
Gerardo Murillo se convirtió en un impulsor del movimiento muralista mexicano de principios del siglo XX, en el que Rivera participó y fue uno de sus compañeros.
Educación temprana
En 1905, los dos estudiantes participaron en una exposición organizada por los editores de la revista Savia Moderna, que presentaba obras de otros pintores emergentes. Diego Rivera completó sus estudios en 1905, y al año siguiente más de 20 de sus pinturas fueron expuestas en la exposición anual de arte del Colegio de San Carlos. “La Era” (1904) es una de sus pinturas de este período, que muestra la interacción impresionista de luces y sombras y el uso único del color por parte del artista. Rivera en 1907 recibió financiación del gobierno para estudiar en Europa.
Rivera estudió el arte de Diego Velázquez, El Greco, Francisco Goya y pintores flamencos en el Museo del Prado en España, lo que le proporcionó un marco sólido para su obra posterior.
En el estudio del pintor realista español Eduardo Chicharo, Rivera conoció a los principales representantes de la vanguardia madrileña, especialmente a Ramón Valle Inclán y Ramón Gómez de la Serre Acebo. En 1909, Rivera y Valle-Inclán volaron a Bélgica y París, donde conoció a la artista rusa Angelina Beloff, quien se convertiría en la compañera de Rivera durante los siguientes 12 años.
En 1910, a su regreso a la Ciudad de México, Rivera realizó su primera exposición en la Academia de San Carlos. El regreso de Rivera coincidió con el inicio de la Revolución Mexicana, que duró hasta 1917. A pesar de la agitación política, la exposición de Rivera sigue siendo grandiosa. Los beneficios del golpe y la compra de sus cuadros le permitieron regresar a Europa.
Rivera regresó a París y se convirtió en un entusiasta seguidor del cubismo, que consideraba un estilo artístico verdaderamente revolucionario.
La tensa relación de Rivera con otros participantes del movimiento llegó a un punto crítico después de una amarga disputa con el crítico de arte Pierre Reverdi. Esto finalmente provocó su ruptura permanente con el grupo y el fin de sus amistades y relaciones con Braque, Picasso, Juan Gris, Gino Severini, Fernand Léger y Jacques Lipich. Luego, Rivera centró su atención en pintores neoclásicos como Cézanne e Ingres, así como en el resurgimiento del arte figurativo.
Rivera recibió otra beca para continuar sus estudios artísticos en Italia, donde copió obras bizantinas, etruscas y renacentistas, con especial atención al mural del Renacimiento italiano de los siglos XIV y XV.
En 1921, después de que José Vasconcelos fuera nombrado nuevo ministro de Educación de México, Rivera regresó a México, dejando atrás a su socio.
Etapa madura
Rivera llegó a México con una nueva visión estética moldeada por sus estudios del arte clásico y antiguo. Bajo el programa del Ministerio de Educación, tuvo la oportunidad de viajar y estudiar diversos sitios antiguos precolombinos. El primer mural de Diego Rivera, “Creación” (1922), fue realizado para la Escuela Nacional Preparatoria y tiene características importantes del arte occidental.
Después de unirse al Partido Comunista Mexicano en 1922, Rivera pronto se volvió activo en la política local. En ese momento se encontraba pintando un mural en la Escuela Nacional Agrícola de la Ciudad de México.
En este último proyecto, se comprometió con la fotógrafa italiana Tina Modotti, quien posó para sus cuadros. El romance lo llevó a divorciarse de su entonces esposa, Lupe Marín. En 1927, Rivera visitó la Unión Soviética para participar en las celebraciones del décimo aniversario de la Revolución de Octubre y quedó profundamente inspirado. Enseñó arte conmemorativo en la Escuela de Arte de Moscú durante nueve meses. Se casó con la artista Frida Kahlo, 21 años menor que él, y a su regreso a México fue nombrado director de la Academia de San Carlos.
Sus opiniones educativas radicales lo convirtieron en rival de los estudiantes y profesores conservadores, y fue expulsado del Partido Comunista por connivencia con el Estado. Rivera obtuvo el apoyo de Dwight W. Morrow, quien lo contrató para crear un mural en el Palacio de Cortés en Cuernavaca para conmemorar la Historia de la ciudad.
Morrow, admirador desde hace mucho tiempo de la obra de Diego Rivera, le ofreció al artista un viaje gratis a Estados Unidos. Rivera permaneció en Estados Unidos durante cuatro años.
Allí, el prolífico artista trabajó día y noche creando murales en Nueva York, San Francisco y Detroit que rindieron homenaje al inmenso poder del trabajo, la industria, la educación y el arte. Fue un gran éxito en Nueva York, pero también generó mucha controversia. La gira de Rivera por Estados Unidos terminó en 1933 cuando John D. Rockefeller, Jr. ordenó la eliminación de la imagen de Rivera, originalmente atribuida a Rockefeller, porque Rivera se negó a eliminarla: el mural “El hombre en la encrucijada” creado en el vestíbulo del Le Center. Lenin y la familia Rockefeller consideraron que se trataba de un retrato incendiario de David Rockefeller.
Los años siguientes y muerte
Rivera y Kahlo tenían una hermosa casa estudio estilo Bauhaus en la Ciudad de México, que aún puedes visitar hoy cuando Rivera llega a México. Rivera pintó en Palacio Nacional de 1929 a 1945, creando algunos de sus murales más emblemáticos. En 1937, él y Carlo ayudaron a León Trotsky y su esposa a obtener asilo político. Los Trotsky vivieron con ellos en la región de Coyoacán durante dos años.
Rivera y Kahlo se separaron varios años después, pero se reunieron al año siguiente en San Francisco, donde Diego Rivera estaba trabajando en la Exposición Internacional Golden Gate.
La relación entre ambos hombres fue muy tensa y tumultuosa, como atestigua su obra tan íntima. La pareja permaneció junta hasta la muerte de Kahlo en 1954. Diego Rivera continuó creando murales en sus últimos años, a menudo en paneles móviles. También pintó numerosos retratos al óleo, en su mayoría de la burguesía mexicana, niños y turistas de Estados Unidos. Las piezas no son necesariamente llamativas y a veces pueden parecer cursis y con reminiscencias del arte pop.
Sin embargo, resultaron sumamente rentables a lo largo de su vida, permitiendo al artista enriquecer su impresionante colección de antigüedades precolombinas. Hoy, su obra se exhibe en el Museo Anahuacali, un edificio inspirado en el Gran Templo de Tenochtitlán y construido por el propio Rivera. En 1955, Rivera se volvió a casar con Emma Hurtado, quien había sido su manager desde 1946, a pesar de que era viuda y padecía cáncer.
Rivera murió en México en 1957 a la edad de 70 años, tras viajar a la Unión Soviética con la esperanza de curar su enfermedad. Pidió que las cenizas fueran enterradas junto a las de Carlo, pero esto fue rechazado y en su lugar fueron colocadas en la “Rotonda de las Celebridades” en México.
Legado
Rivera creía que el artista era un artesano a disposición del mundo, que necesitaba utilizar un lenguaje visual accesible. Esta idea tuvo un gran impacto en el arte público estadounidense, inspirando proyectos como el Federal Artworks Project, en el que los artistas pintaban imágenes de la vida cotidiana estadounidense en instalaciones gubernamentales.
Rivera influyó en pintores tan diversos como Thomas Hart Benton, Ben Shahn y Jackson Pollock con su amplia perspectiva estética social y política, su enfoque narrativo y su uso del simbolismo.
Las pinturas de Diego Rivera.
Utilizando como lienzos las fachadas de instituciones académicas y otros municipios de Estados Unidos y México, Rivera creó obras increíbles que reavivaron la curiosidad por los murales y ayudaron a reconstruir, sentando las bases de los programas federales de arte, la idea del arte público en Estados Unidos. Los principales temas e influencias en la obra de Diego Rivera son la historia y la cultura de México.
Rivera acumuló una extensa colección de artefactos precolombinos y creó un retrato panorámico de la historia y la vida cotidiana de México de una manera fuertemente influenciada por la cultura precolombina, desde sus raíces mayas hasta la Revolución Mexicana y el presente posrevolucionario.
Rivera, marxista de toda la vida y miembro del Partido Comunista Mexicano con estrechos vínculos con la Unión Soviética, fue un ejemplo de artista con conciencia social. Las pinturas de Diego Rivera representaban a campesinos mexicanos, trabajadores estadounidenses e íconos revolucionarios como Emiliano Zapata y Vladimir Lenin, expresando su incondicional apoyo a las cuestiones políticas de izquierda. Sus ideas comunistas, francas e intransigentes, a veces chocaban con las preferencias de los donantes adinerados, provocando una gran controversia dentro y fuera del mundo del arte.
Vista de Toledo (1912)
| Fecha de finalización | 1912 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 112 cm x 91 cm |
| Ubicación actual | Fundación Amparo R. de Espinosa, Puebla |
El material proviene principalmente de una obra maestra del pintor griego El Greco del mismo nombre. Rivera examinó cuidadosamente su obra y admiró su estilo expresivo de la época. La “Vista de Toledo” de El Greco fue pintada en 1599, pero incluso después de todos estos años sigue siendo extrañamente relevante. Ambas obras representan paisajes urbanos vistos desde lejos, y los pintores eligieron ubicaciones muy similares en las afueras de la ciudad.
La interpretación de El Greco nos habría deleitado con la caótica escena del cielo, pero la versión de Rivera es más tranquila, con un río fluyendo en la parte inferior de la imagen contrastando con el cielo de arriba.
Hace ambas cosas con tonos azules muy suaves, lo que aumenta la ligereza general de la pieza. La versión mexicana continúa el positivismo, con los techos y paredes de cada estructura dramáticamente iluminados, tal vez en alusión a estilos comunes utilizados en esa parte del mundo. Toledo es una hermosa ciudad con un entorno encantador y una arquitectura antigua encantadora.
El Greco nació en Grecia pero pasó la mayor parte de su vida en España, lo que explica por qué muchas de sus obras más famosas se encuentran ahora en el Museo del Prado de Madrid. A la mañana siguiente, Rivera nos invitó a ver prácticamente la misma zona, mientras las nubes se levantaban y el sol brillaba, su actuación estuvo llena del estilo de El Greco, con colores pastel dramáticos, oscuros.
En un gesto simbólico, la catedral en lo alto se eleva hacia el cielo, por encima de los edificios inferiores de la ciudad. El artista se sienta sobre un montículo en primer plano y nos lo hace saber a través de unas flores en primer plano.
Rivera también adoptó un enfoque desenfadado hacia los detalles que difería del de los artistas realistas del siglo anterior, y su paleta mantuvo su conexión con la obra de Cézanne, con rosas, naranjas y amarillos como tonos dominantes.
Paisaje Zapatista – La Guerrillas (1915)
| Fecha de finalización | 1915 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 145 cm x 125 cm |
| Ubicación actual | Museo Nacional de Arte, Ciudad de México |
En 1915, Diego Rivera completó su obra maestra. Elogió la obra de arte por reflejar con precisión las actitudes mexicanas de la época. La obra de Zapata representa sombreros, sables, muñequeras, pistolas, altiplanos mexicanos y cajas de municiones de madera. El elemento central se desplaza cuando sus planos horizontales se cruzan de maneras interesantes. Las armas están sombreadas en blanco, el rojo en la foto tiene un tinte especial y el azul está bellamente representado, como en México.
Luego se pide al espectador que utilice este ojo que todo lo ve para identificar el rostro de la obra. El proyecto es tan misterioso como el movimiento zapatista.
A la izquierda y a la derecha de la obra hay zonas de bosque verde y activo. En la oscuridad, los árboles estaban pintados de un intenso verde esmeralda. Adjunte una hoja de papel en blanco al fondo azul y asegure la esquina inferior derecha con un clavo. La pintura sobre papel utiliza la técnica del trompe l’oeil. Este artículo es una declaración de México hace miles de años.
El cubista de Rivera también creó otras hermosas obras de arte después de completar “Zapata”, pero nunca creó una obra de arte tan buena como “Zapata”. A través de esta pintura, demostró ser uno de los artistas cubistas más influyentes.
Debido a su popularidad, Rivera se convirtió en una figura importante en el conflicto doctrinal en el París de la guerra. Rivera representó a los zapatistas en París durante las brutales luchas de la Revolución Mexicana. Aunque la imagen era desconocida en ese momento, recibió una nueva interpretación una década después. Emiliano Zapata fue un famoso campesino rebelde que, junto con sus seguidores, es el tema del título de la obra. Dado que el título se añadió más tarde, es difícil determinar si Rivera tenía en mente a Zapata en 1915.
Madre-Angelina y niño (1916)
| Fecha de finalización | 1916 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 132 cm x 86 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Alva y Carmen T. De Carrillo Gil |
La Virgen y el Niño son un tema eterno en la historia del arte y la maternidad es la interpretación del cubismo moderno. La pareja de Rivera durante 12 años, Angelina Belloff, besó a su bebé, quien murió de gripe pocas semanas después de su nacimiento.
El enfoque único de Rivera hacia el cubismo evitó las paletas oscuras y monocromáticas utilizadas por pintores como Pablo Picasso o Georges Braque en favor de tonos vivos que recuerdan a Giacomo Barque. La paleta de colores utilizada por pintores futuristas italianos como Lara y Gino Severini se refleja brillantemente en este proyecto. .
Creación (1923)
| Fecha de finalización | 1923 |
| Medio | Fresco |
| Dimensiones | 3,6 metros |
| Ubicación actual | Museo San Idelfonso, Ciudad de México |
El proyecto del mural fue una gran empresa que cubría más de mil pies cuadrados. La obra de Diego Rivera fue la primera encargada por el gobierno. Rivera pintó este cuadro entre 1922 y 1923. El tema del diseño es enfatizar la fe y las creencias. La pintura está realizada utilizando técnicas antiguas, incluida la cera derretida para colorear. El diseño incluye grandes tubos ocultos en el marco, así como varios diseños que representan algo.
Las figuras que flanquean el marco oscuro del altar son lo más destacado del diseño.
La representación del sol domina todos los detalles. El símbolo de la Trinidad es el sol con tres manos apuntando en diferentes direcciones. Todas las manos parecen apuntar hacia rasgos humanoides pintados. Otra obra de arte detrás del altar muestra a un hombre con los brazos extendidos, como si intentara alcanzar a otra persona. Los brazos de una persona están completamente extendidos y directamente bajo el sol
Eva y Adán se sientan a ambos lados del altar en la parte inferior de la imagen. Eva y Adán son los que los cristianos consideran los primeros humanos. A diferencia de los demás, estaban desnudos para reflejar las ideas rebeldes del cristianismo. Las nueve imágenes diferentes a cada lado del altar muestran diversas cualidades y virtudes cristianas en las que se cree en la fe. Significan amor, optimismo y fe, empezando por la izquierda.
Los individuos de la derecha representan la sabiduría, la justicia y la confianza en el propio poder.
La imagen y su simbolismo son puramente religiosos y no tienen connotaciones políticas. Esta imagen también representa los valores de vida que se enseñan en la fe cristiana. El artista no quedó satisfecho con el cuadro porque mostraba demasiada técnica italiana.
El hombre, controlador del universo (1934)
| Fecha de finalización | 1934 |
| Medio | Fresco |
| Dimensiones | 485 cm x 114 cm |
| Ubicación actual | Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México |
La imagen muestra a la humanidad en la “encrucijada” de fuerzas e ideologías complementarias u opuestas: ciencia, industria, comunismo y capitalismo, como sugiere el título. La pintura, que representa a un trabajador heroico con cuatro navajas en espiral alrededor de su cintura, revela el compromiso de Rivera con el comunismo.
Esto contrasta con la descripción absurda de las mujeres del mundo y la descripción comprensiva de Lenin rodeado de comunistas de derecha racialmente diversos. El gobierno mexicano encargó esta obra de arte para el Rockefeller Center, que es una réplica más pequeña pero casi idéntica del mural de Rockefeller “El hombre en el cruce”.
El año anterior a este proyecto, la obra de arte fue retirada en Nueva York debido a las críticas a la fotografía de Lenin de Rivera y su renuencia a eliminar la imagen.
Retrato de Lupe Marín (1938)
| Fecha de finalización | 1938 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 171 cm x 122 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno, Ciudad de México |
La vida política y social de Diego Rivera fue tan dinámica como su carrera, convirtiéndose en un artista de renombre mundial. Diego Rivera, como muchos otros jóvenes académicos de la década de 1920, era un idealista marxista. Por lo tanto, naturalmente elegirá socios con ideas afines. Después de que la Revolución Bolchevique en Rusia en 1917 transformara el marxismo en comunismo, Diego Rivera se unió abiertamente al Partido Comunista Mexicano a fines de 1922.
Su primera esposa, con quien se casó en 1923, era una comunista a quien conoció a través de otro joven comunista.
Lupe Marín comparte más ideales políticos con Diego. Es una belleza inusual, llena de emociones absurdas. Desafortunadamente, sus intensos celos hacia Diego Rivera fueron más de lo que su naturaleza apasionada podía soportar. Cuando Diego Rivera prestaba la más mínima atención a otras mujeres, ella rompía enojada sus bocetos en múltiples ocasiones. No cabe duda que Diego Rivera motivó a Lupe desde el principio por su propio placer. Aunque estaba celosa de su entusiasmo por la escultura precolombina, aplastó una preciosa estatua y se la sirvió en sopa.
En esta impresionante fotografía de Lupe Marín, Rivera demuestra su inmensa creatividad para una herencia visual europea de la que se ha distanciado durante la última década.
Rivera utilizó espejos como telón de fondo para mostrar partes de sus figuras en reflejos, técnica utilizada por artistas como Claude Monet, Diego Velásquez y Paul Gauguin, y que más tarde utilizó en un retrato de su hija Ruth en 1949. Los colores del cuadro recuerdan a otro héroe creativo, El Greco, mientras que la estructura y la composición recuerdan la obra de Paul Cézanne.
Sueño de tarde de domingo en el parque Alameda (1947)
| Fecha de finalización | 1947 |
| Medio | Mural |
| Dimensiones | 15 m x 1,7 m |
| Ubicación actual | Museo Mural Diego Rivera |
¿A este gran artista que se hacía llamar “Sapo” y se considera “feo” no le gusta mirarse a sí mismo? Los autorretratos de Diego Rivera siempre presentan ojos saltones y una sonrisa ligeramente irónica. Incluso con la adición aparentemente inofensiva del autorretrato de Diego Rivera, como el que se cuela en el enorme mural, la eliminación del pintor es evidente.
Cuando Diego Rivera era niño, su esposa Frida lo apoyó cuando era adulto, dando a entender que Rivera no tenía experiencia en su relación.
En marcado contraste, el lienzo de Frida de 1931 está lleno de amor por su unión. Cientos de figuras de los 400 años de historia de México se reunieron para dar un paseo en el parque más grande de la Ciudad de México. Globos de colores, turistas impecablemente vestidos y vendedores de diferentes productos revelan el lado oscuro del sueño: el conflicto entre la familia original y las fuerzas del orden. Un hombre dispara un arma frente a un hombre que ha sido atropellado por un caballo durante una pelea. También hay un esqueleto infame, sonriendo a la audiencia.
Este es un sueño complejo de estilo surrealista. Los sueños fueron un tema importante para surrealistas como Salvador Dalí. Debido a que los sueños son tan familiares y únicos, los artistas pueden yuxtaponer objetos aparentemente no relacionados, como relojes y hormigas en el caso de Dalí.
Aunque Rivera nunca se unió formalmente al surrealismo, utilizó el método en esta pieza, en la que reunió un cuadro de varias figuras históricas.
Lectura recomendada
Hoy repasamos la biografía de Diego Rivera así como algunos ejemplos famosos de la obra de Diego Rivera. Si desea obtener más información sobre las pinturas y la vida de Diego Rivera, consulte nuestra lista de libros recomendados. Estos te ayudarán a aprender todo lo posible sobre este famoso artista mexicano.
Diego Rivera: su mundo y el nuestro (2011) Duncan Tonatiu
Duncan Tonatiuh, un galardonado novelista y artista fascinado por la cultura y el arte de su México natal, se pregunta si Diego Rivera todavía pintaba hoy, qué tipo de historias contará a través de sus pinturas. ¿Qué tipo de historias puede traer? Tonatiu ayuda a los jóvenes espectadores a comprender el valor de las pinturas de Diego Rivera y a comprender que ellos también pueden contar historias a través del arte e inspirarse en el artista.
Diego Rivera (2022), Francisco de la Mora
Esta extraordinaria novela gráfica cuenta la vida y la época extraordinarias de un artista que fusionó mito y realidad. Diego Rivera fue un pintor revolucionario en muchos sentidos. Desde los treinta años se convirtió en una de las principales figuras del panorama artístico parisino, comenzando la escuela de pintura a los once años. La incansable ética de trabajo de Rivera fue igualada por su ilimitado entusiasmo por la vida, que demostró al tener docenas de amantes y cuatro esposas.
Diego Rivera fue una estrella mundial del arte en la cima de su carrera. Se educó en la Academia Nacional de Bellas Artes de México y pasó varios años en Europa, donde se hizo muy conocido entre la próspera comunidad de artistas de vanguardia mundial en París. Allí creó su propia forma de cubismo, imbuido de símbolos de la identidad nacional mexicana. Después de regresar a México en 1922, se unió a otros intelectuales creativos y líderes gubernamentales en un esfuerzo concertado para revitalizar y remodelar la cultura mexicana a raíz de la Revolución Mexicana, una lucha de una década que costó más de “un millón de vidas humanas”.
Preguntas frecuentes
¿Quién es Diego Rivera?
Rivera es un conocido partidario del muralismo en México, un movimiento patrocinado por el gobierno que celebra la historia, el patrimonio y los principios posrevolucionarios del país a través de murales a gran escala en espacios públicos. Rivera creó una extensa serie de murales que captaron la atención de críticos y observadores de todo el mundo utilizando métodos de pintura modernistas para transmitir visiones heroicas de la historia y el presente de México, además de utilizar métodos de pintura mural centenarios. El trabajo y las ideas de Rivera fueron particularmente bien recibidos por los artistas y el público estadounidenses.
¿Cuándo murió Diego Rivera?
Diego Rivera murió de insuficiencia cardíaca el 24 de noviembre de 1957. Murió esta mañana en su casa de México. En ese momento ya tenía 70 años. En la década de 1940, a Rivera le diagnosticaron diabetes. Hace dos años se filtró la noticia de su enfermedad y viajó a Moscú para buscar tratamiento de médicos soviéticos.
